Libri di M. Pierini (cur.)

"A distanza di circa dieci anni viene riproposto il lavoro di ricerca documentaria e fotografica, frutto della mostra presentata nel 2006 e dedicata agli edifici sacri di Monte Labbro. La pubblicazione si arricchisce di una documentazione dedicata agli interventi di consolidamento operati sul sito di Monte Labbro nel 2017 e si aggiorna anche nel formato. In questa nuova veste, essa assume un carattere più autonomo rispetto all'idea di catalogo, pur mantenendo salde le linee che hanno guidato tutto l'impianto della ricerca. Ricomporre l'esperienza lazzarettista alla luce di ciò che Monte Labbro ha rappresentato nello snodarsi dell'intera vicenda è una collaudata chiave di lettura che si arricchisce ulteriormente con questa ricerca fotografico-documentaria. La ricostruzione di un percorso capace di comunicarne i complessi intrecci è l'obiettivo di questo lavoro. La mole di documenti archivistici e iconografici prodotta dal movimento lazzarettista resta naturalmente il segno tangibile di quella esperienza ma, allo stesso tempo, è evidente che lo sforzo per comprendere il contenuto di quegli scritti non può prescindere dal come e dal quanto quei fatti abbiano avuto a Monte Labbro il loro fulcro."

Simbolo della fragilità, della caducità delle ambizioni umane e della vita stessa, fin dal Cinquecento le bolle di sapone hanno affascinato generazioni di artisti per i giochi di colore, per la lucentezza, per la loro leggerezza. Il volume documenta la nascita dell'interesse scientifico per le lamine saponate, parallelamente allo spunto che esse hanno offerto agli artisti nel lungo arco di tempo che va dal Cinquecento alla contemporaneità, quale simbolo di bellezza effimera, di vanitas. Attraverso dipinti, incisioni, fotografie, nonché locandine e manifesti pubblicitari, viene ripercorsa l'evoluzione di questo soggetto iconografico: da Guido Reni, Fra' Galgario, Jan Brueghel il Giovane, Gerrit Dou, Karel Dujardin fino al Novecento, con lavori di artisti quali Man Ray, Max Beckmann, Giulio Paolini, per giungere a inedite ispirazioni nel campo dell'architettura contemporanea. Una storia esemplare dei legami tra arte e scienza che tocca tutta l'Europa e che riempie ancora oggi di meraviglia.

Trentatre racconti che attraversano oltre un secolo per rendere omaggio al cinema, ai suoi sfarzi e deliri, ai suoi miti intramontabili, alle sue tentazioni e frustrazioni. Ciascuno è l'angolo di una immaginifica e infinita "cineteca di Babele". Una galleria di divi colti nei loro vezzi o fragilità, dietro la perfezione dell'immagine sullo schermo. L'Alberto Sordi di Mario Soldati, indolente, abitudinario, timorato di Dio e delle donne. O il Marlon Brando cui si rivolge Joyce Carol Oates in un'invettiva in versi da innamorata tradita: la spettatrice che da ragazzina ha saltato la scuola per vedere II selvaggio non può accettare che quell'uomo bellissimo abbia "soffocato la bellezza nel grasso". E poi storie che hanno per protagonisti quella folla di individui il cui nome compare al massimo nei titoli di coda: sceneggiatori, produttori, scenografi, maestranze e figuranti alle prese col frenetico lavorio che rimane sempre fuori dall'inquadratura ma può condurre a dare la vita per il cinema. Gli scrittori hanno cominciato presto a fare i conti con la settima arte, raccontandone le meraviglie e le insidie, il lato sfavillante e il lato oscuro, come oscura e misteriosa è la sala cinematografica. E se è vero che oggi il cinema sembra avviarsi verso una fruizione solitaria simile a quella della lettura e viviamo nel tempo in cui la finzione dilaga nella realtà, potremo sempre interrogarci insieme a Domenico Starnone su chi abbia deciso di abolire la magia della parola FINE.

Il volume, dedicato all'artista greco Nakis Panayotidis (Atene, 1947), presenta ai lettori una rassegna di opere recenti, realizzate appositamente per una mostra ospitata alla Galleria Civica di Modena. La serie documentata offre un repertorio pressoché completo delle tecniche predilette da Panayotidis, dalle scritte al neon ai disegni retroilluminati, dalle installazioni alle fotografie, accompagnate da una nutrita collezione di disegni a carboncino che ritraggono paesaggi naturali o di archeologia industriale. Dalle opere emerge chiaramente la poetica dell'artista, fondata sul dialogo costante, tanto formale quanto simbolico, tra oscurità e luce, visibile e invisibile, oblio e memoria. E se la memoria, per Panayotidis, è sempre il terreno sul quale l'artista costruisce le fondamenta della propria opera, la luce - congenita a gran parte del suo lavoro - rappresenta l'aspirazione alla compiutezza, e il segno pulsante del nostro stare al mondo. Il volume accoglie i testi dei due curatori, un album fotografico della mostra allestita e riproduzioni di opere di repertorio, ed è completato da apparati biobibliografici.

La produzione più recente di Vittorio Corsini (Cecina, 1956), documentata nelle pagine di questo volume, è dedicata al tema del paesaggio, inteso non come paradigma costituito e inalterabile da riprodurre e perpetuare, ma come elemento fluido nel quale si svolge la vita quotidiana, si stabiliscono rapporti, si susseguono trasformazioni. La ricerca di Corsini si concentra, più precisamente, sul concetto e sui modi dell'abitare, sulle dinamiche che interessano la vita negli spazi domestici e negli spazi pubblici e sulle relazioni che all'interno di questi luoghi si instaurano fra gli individui. Ricerca che si esplicita attraverso il ricorso a tecniche e linguaggi diversi - installazioni, sculture e video - e attraverso l'impiego di materiali eterogenei - vetro, metallo, carta, inchiostro, segatura, neon - attraverso i quali l'artista narra quello che la rappresentazione cartografica del paesaggio, da sola, non può raccontare. Il catalogo accoglie un testo del curatore, Marco Pierini, un racconto inedito dello scrittore Paolo Nori e un saggio di Franco Farinelli, ordinario di Geografia all'Università degli Studi di Bologna.

Lelli e Masotti, sigla creata in occasione della collaborazione con il Teatro alla Scala a partire dal 1979, riunisce due fotografi d'arte e spettacolo internazionalmente riconosciuti: Silvia Lelli e Roberto Masotti. Nati a Ravenna, hanno entrambi terminato gli studi a Firenze per poi trasferirsi a Milano nel 1974. Da allora operano esplorando le performing arts e le musiche soprattutto, producendo fotografie e organizzandole in esposizioni, installazioni e pubblicazioni. Si sono dedicati ad artisti come Keith Jarrett, Miles Davis, Demetrio Stratos, Frank Zappa, Jan Garbarek, Franco Battiato, Arvo Pärt, John Cage, Pina Bausch, Tadeusz Kantor, Pier'Alli, Merce Cunningham, Claudio Abbado, Leonard Bernstein, Riccardo Muti, Giuseppe Sinopoli, Sylvano Bussotti, Maurizio Pollini, Kim Kashkashian, Placido Domingo, Carla Fracci, Karlheinz Stockhausen e Luciana Savignano, solo per nominarne alcuni.

Alfred Nobel, imprenditore e filantropo, noto come l'ideatore dell'omonimo premio, fu anche e soprattutto l'inventore della dinamite. Nei primi anni Settanta dell'Ottocento Nobel giunse in Italia per installare i suoi impianti di produzione di esplosivi, dando vita alla SIPE Nobel SpA. L'artista e fotografo Robert Pettena (Pembury, UK, 1970) compie un'avvincente indagine sulla storia e sui paradossi di una delle figure più complesse del secondo Ottocento. Il volume "Noble Explosion" presenta un'ampia ricognizione fotografica sui siti SIPE Nobel mettendo in risalto il valore compositivo delle architetture industriali degli stabilimenti e la loro controversa eredità sul territorio italiano. Testi: Angelo Bianco, Sandro Fussi, Francesco Galluzzi, Angela Paine, Marco Pierini, Marina Sorbello e Pier Luigi Tazzi.

Il volume, pubblicato nella ricorrenza del 450° anniversario della morte di Michelangelo Buonarroti (Caprese Michelangelo, 1475 - Roma, 1564) è dedicato alla fortuna della sua figura e della sua opera nella cultura visiva del Novecento e dell'età contemporanea. Un'influenza che spazia dalla citazione diretta al richiamo ideale e che abbraccia scultura, pittura, architettura, grafica, fotografia, video, design. Una particolare attenzione è dedicata al suo ruolo di riferimento formale assunto nella politica di ricostruzione postbellica, a ridosso dei festeggiamenti per il centenario dell'unificazione italiana. In questo contesto, il volume dà conto delle celebrazioni che si svolsero nel 1964 e nel 1975 in occasione dei centenari michelangioleschi, e i dei restauri che portarono al rifiorire di Casa Buonarroti. Il volume, accanto a una scelta di disegni del maestro, rende conto del lavoro di circa sessanta artisti - fra cui Henri Matisse, Henry Moore, Tano Festa, Yves Klein, Robert Mapplethorpe e Jan Fabre.

Il catalogo accompagna la più grande retrospettiva dedicata a Josef Albers mai realizzata in Italia, ospitata negli spazi della Galleria Civica di Modena. Un volume che offre l'occasione per rileggere il percorso dell'artista in tutte le sue fasi salienti, attraverso le circa centottanta opere presentate. Del periodo del Bauhaus - la straordinaria scuola fondata da Walter Gropius di cui Albers è stato prima allievo nonché docente fino alla chiusura - sono presentate opere in vetro realizzate dal 1921 al 1932, fotografie e photocollage, una piccola selezione di xilografie e di gouache e alcuni mobili: opere diverse, nelle quali è però costante il rigore della composizione e lo straordinario sentimento del colore che caratterizzerà la produzione successiva. Alla chiusura del Bauhaus, sopraggiunta nel 1933 a seguito delle pressioni naziste, Josef Albers emigrò in America, accettando una cattedra al Black Mountain College (North Carolina): l'approdo alla pittura a olio avviene proprio durante il primo periodo americano, ed è testimoniato da opere che costituiscono il preludio alle più note serie "Varianti" (1947-1952) e "Omaggio al quadrato" (1950- 1976), anch'esse ampiamente documentate. Il volume, oltre a uno scritto del curatore Marco Pierini, accoglie l'introduzione di Nicholas Fox Weber, Executive Director della Josef & Anni Albers Foundation e una selezione di alcuni testi teorici di Albers, mai precedentemente tradotti in italiano.

La presenza del sacro nell'arte contemporanea è il tema cui è dedicato questo volume, edito in occasione di una mostra ospitata alla Galleria Civica di Modena. Sacro nel significato etimologico di recintato, isolato, separato dall'umano - e quindi tendente al divino - ben si presta a interpretare un aspetto fondamentale della creazione artistica: l'opera d'arte è un prodotto che necessariamente tende ad "altro", che si pone come ponte, come mediazione fra la sfera umana e quella, appunto, sacra. Nell'arte contemporanea però il sacro non si esprime più attraverso il convenzionale linguaggio religioso, come accadeva nei secoli passati, ma spesso veste forme diverse, anche apparentemente profane. Le opere presentate nel volume, che appartengono ad alcuni fra i più noti artisti della scena contemporanea internazionale, offrono un interessante spunto di riflessione su questo tema. Essi guideranno i lettori verso una più ampia comprensione dei limiti, dei significati e delle possibilità che la parola sacro ancora conserva ai nostri giorni. Il catalogo è completato da apparati biografici.

Il volume documenta l'opera "Due minuti e trentadue secondi", che l'artista Marzia Migliora (Alessandria, 1972) ha realizzato per l'edizione 2009 di Forme nel Verde, la rassegna d'arte contemporanea allestita ogni estate nei cinquecenteschi Horti Leonini di San Quirico d'Orcia. L'istallazione si compone di quattro strutture poste attorno alla statua in marmo di Cosimo III, assai simili a piccole giostre, sulle quali è possibile lasciarsi trasportare, in una lenta rotazione di 360°, e astrarsi per un istante dalla realtà, quasi rispondendo al lontano invito di Diomede Leoni che volle costruire il giardino non solo per sé ma per "li viandanti".

Il volume accompagna l'evento espositivo dedicato in Italia all''anarchitetto' Gordon Matta-Clark (New York, 1943-1978), attraverso il quale si ricostruisce la parabola della sua carriera che, a partire dalla fine degli anni sessanta fino alla prematura scomparsa, ha spaziato fra i linguaggi e i mezzi espressivi più diversi. Sin dai primi esperimenti Matta Clark impronta la propria attività ai criteri della destrutturazione, della rottura, dello spostamento fisico e semantico di elementi architettonici, creando forme innovative di convivenza tra l'uomo e il reale. I primi a essere documentati come Garbage Wall (1970) - sono gli interventi che, intrapresi nei cosiddetti 'non luoghi', come cortili derelitti, discariche o zone malfamate in totale abbandono, segnano l'avvento della coscienza e della consapevolezza ecologica nell'arte e che, intersecandosi con la Land Art, aprono la strada all'indagine successiva, incentrata sui cambiamenti nel tessuto urbano e architettonico. Particolare attenzione è stata posta, infine, ai famosi 'tagli', con cui Matta Clark seziona pareti, solai e interi edifici, secondo geometrie precise che ne alterano la percezione: una sorta di chirurgia dello spazio, che scompone e ricompone la materia. Il catalogo accoglie interventi critici di James Attlee, Jane Crawford, Louise Désy e Gwendolyn Owens, Lorenzo Fusi, Marco Pierini e un'intervista all'artista realizzata nel 1978 da Judith Russi Kirscher, ed è completato da apparati biobibliografici.