Libri di A. Fiz

Monografia pubblicata in occasione della mostra di Fabrizio Plessi alle Terme di Caracalla, Roma (18 giugno - 29 settembre 2019). Il nuovo progetto di Fabrizio Plessi, artista legato a Roma da precedenti esperienze di grande rilievo e successo a partire dalla mostra Mediterraneo ai Mercati di Traiano del 1991, prende spunto dal recente restauro e dall'apertura al pubblico dei sotterranei delle Terme di Caracalla, straordinario tesoro riaperto proprio in occasione di questa mostra. Nelle gallerie sottostanti l'esedra del Calidarium, un tempo cuore del sistema idraulico delle antiche Terme, si snoda, per oltre 200 metri, un percorso immersivo e spettacolare, che tocca elementi e temi da sempre al centro del lavoro di Plessi: Fuoco, Acqua, Vento, Mosaico, Colonna, Teste, Classico, Lava, Lampi, Otri, Fumo sono i soggetti delle videoinstallazioni che danno vita a un'esperienza sensoriale di notevole impatto e profonda suggestione. Qui, come scrive Plessi, "il fiume della storia non si ferma e attraversa impaziente altre storie". Il volume presenta, fotografate in loco e valorizzate dal grande formato, le videoinstallazioni di Plessi, completandone la presentazione attraverso importanti contributi testuali e una ricca documentazione iconografica (fotografie, progetti e disegni), che contestualizzano questo nuovo lavoro nell'ambito della ricerca, ormai pluriennale, di Plessi. Non semplicemente il catalogo di una mostra, dunque, ma una vera e propria monografia aggiornata su uno degli artisti più interessanti del panorama artistico contemporaneo.

Il catalogo rende conto di una tra le più ampie retrospettive finora proposte in Italia su Jean Arp (1886-1966), in occasione dei cinquant'anni della sua scomparsa. Il progetto è ideato in collaborazione con la Fondation Arp di Clamart (Francia) allo scopo di proporre una riflessione storico-critica aggiornata su uno dei maggiori protagonisti del Novecento. La rassegna, con oltre 120 opere (alcune mai esposte in precedenza) tra sculture, dipinti, rilievi, arazzi provenienti dalle maggiori collezioni europee, presenta i differenti aspetti di una ricerca articolata che ha saputo cogliere l'energia cosmica e le forze creatrici connesse con la natura, il divenire dell'esistenza, la sua precarietà e l'eloquenza del mondo sinuoso delle forme: una ricerca individuale, nomadica, scevra da ogni dogmatismo, che ha consentito ad Arp di dialogare con avanguardie, quali ad esempio il surrealismo e il costruttivismo, come sa dimostrare il curatore nel saggio introduttivo.

Il volume, a cura di Alberto Fiz, realizzato in collaborazione con la Fondazione Mimmo Rotella e la Galleria Tega di Milano, propone una linea d'indagine del tutto innovativa in cui la figura di Mimmo Rotella viene posta in relazione con il contesto culturale del dopoguerra in un excursus compreso tra il 1948 e il 1970. Intorno al maestro del décollage e alle sue tre città di riferimento, Roma, Parigi e New York, una ricerca approfondita mette in rilievo, attraverso un ricco apparato iconografico di oltre quattrocento immagini e molti documenti inediti, alcune questioni nevralgiche del dibattito artistico e dà vita a un viaggio in cui, come in un dialogo a più voci, gli interlocutori di Rotella sono, di volta in volta, Kurt Schwitters, Achille Perilli, Piero Dorazio, Robert Rauschenberg, Alberto Burri, Lucio Fontana, Andy Warhol, Robert Indiana, Yves Klein, César e Arman.

La pittura di Domenico D'Oora si offre senza limiti, in un territorio che non è certo quello della narrazione. Nella mostra fiorentina, intitolata Colore pensiero concreto, sono due le tipologie di opere, quelle di diversi materiali, in cui talvolta è inserito anche il plexiglass, e quelle su tela grezza, preparata sia nella parte anteriore che posteriore. Coinvolgente è il ponderato incontro tra un'arte senza tempo, la pittura, che è nella storia dell'uomo, e i materiali tecnici che richiamano al tempo in cui viviamo. La storia dell'arte, che mai per l'artista è citazione, è stata studiata e metabolizzata nel corso degli anni, sin dai tempi del liceo artistico e dell'Accademia.

Il volume costituisce un'ampia monografia dedicata alla Pittura Analitica, un movimento che, nell'Italia degli anni settanta, ha inaugurato una nuova fase nel panorama artistico, operando sulla rinnovata consapevolezza del linguaggio attraverso una sperimentazione di tecniche e materiali, oltre che di codici e di processi. Il superamento del dogma minimalista, il rigore metodologico e il desiderio di riappropriarsi del mezzo pittorico sono elementi centrali nelle opere storiche degli artisti del gruppo. Il volume ripercorre quindi le vicende del movimento dagli anni settanta sino a oggi, mostrando lo slancio creativo dei suoi protagonisti, quali Carlo Battaglia, Enzo Cacciola, Vincenzo Cecchini, Paolo Cotani, Marco Gastini, Giorgio Griffa, Riccardo Guarneri, Elio Marchegiani, Paolo Masi, Carmengloria Morales, Claudio Olivieri, Pino Pinelli, Claudio Verna, Gianfranco Zappettini.

Enzo Cacciola (Arenzano, 1945) ripercorre in questo volume quarant'anni di attività, da cui emerge la peculiarità di un'indagine complessa sviluppatasi intorno al tema della pittura. Come spiega l'artista, ciò che dà significato al dipingere è il processo operativo con cui questo si attua. Le varie fasi del lavoro partecipano in egual misura alla produzione del concetto che si vuole esprimere, dalla costruzione dei telai alla stesura del colore. I materiali che Cacciola utilizza sono di tipo industriale: tele, telai, viti, bulloni, cementi, resine e colori stessi provengono dalla manifattura industriale, e si trasformano in mezzi di acuta provocazione pittorica, dove la ricerca va di pari passo con le problematiche di una società in continua trasformazione. Il catalogo è accompagnato da una conversazione con Cacciola raccolta da Alberto Fiz, e da testi dell'artista stesso.

Il volume è un omaggio alla figura di Alessandro Mendini (Milano, 1931), architetto e designer tra i più celebri a livello internazionale. Sono oltre ottanta le opere presentate tra dipinti, disegni, progetti, sculture, mobili, oggetti d'arredo creati dall'inizio degli anni settanta sino a oggi, in un percorso che si caratterizza per una serie di incontri e contaminazioni con grandi esponenti della letteratura, del design e dell'arte. Ogni capitolo fa riferimento a un autore che Mendini considera parte integrante del suo processo creativo, ovvero Marcel Proust, Ettore Sottsass, Kazimir Malevich, Alberto Savinio, Frank Stella e Maurizio Cattelan. Come afferma il curatore Alberto Fiz "non c'è alcuna forma di anacronismo o di citazionismo fine a se stesso, ma ogni volta si sviluppa una differente forma di empatia". Emblematico è il caso di Marcel Proust, a cui è legata una delle opere più famose di Mendini, la Poltrona Proust del 1978, o Kazimir Malevich, la cui teoria del colore viene applicata da Mendini a Neo Maleviè, una scultura in cartapesta dipinta a mano. Il volume accoglie un saggio di Alberto Fiz, un contributo critico di Daria Jorioz e una raccolta di testi di Alessandro Mendini.

Il volume è dedicato ad Agostino Bonalumi (Vimercate, 1935 - Monza, 2013), artista che, tra i maggiori protagonisti del secondo dopoguerra, ha impostato la Pittura-Oggetto come segno linguistico di riferimento della sua riflessione, insieme a Piero Manzoni ed Enrico Castellani. Il catalogo presenta una selezione di cinquanta opere che spaziano dalle prime esperienze nell'ambito dell'informale - come Rosso del 1957 - per giungere all'indagine dell'ultimo decennio, rappresentata da Bianco, un trittico del 2009. Il volume offre un'occasione per riflettere sul percorso artistico di Bonalumi, basato sull'estensione tridimensionale dell'impianto pittorico: dalle prime estroflessioni sino alle variazioni realizzate nei decenni seguenti, sempre con il medesimo rigore formale e poetico. Il volume raccoglie una selezione di testi scritti da Agostino Bonalumi dagli anni sessanta sino a oggi in gran parte inediti. Completano il volume un saggio di Alberto Fiz e un'intervista con Fabrizio Bonalumi, figlio dell'artista.

Sono trascorsi diciassette anni dalla scomparsa di Angelo Savelli (1911-1995) e la sua figura è ancora avvolta da un velo di mistero. Eppure si tratta di una personalità che ha occupato un posto di assoluto rilievo nell'arte del dopoguerra, come dimostrano la partecipazione a cinque Biennali di Venezia, dove nel 1964 ha vinto il Gran Premio della Grafica e i numerosi riconoscimenti quali la Guggenheim Fellowship e il premio dell'American Academy of Arts and Letters di New York assegnato su segnalazione di Robert Motherwell. In dialogo con le avanguardie italiane e americane, da Lucio Fontana a Barnett Newman, da Piero Dorazio a Ad Reinhardt, elogiato da Giulio Carlo Argan e dalla critica più sensibile, questo volume consente di riscoprire il grande artista calabrese che per quarant'anni ha fatto del bianco la sua cifra stilistica di riferimento. Oltre ai testi introduttivi, sono accolte nel volume un'ampia antologia critica, una raccolta di testi dell'artista, interviste e apparati biobibliografici. Intervista ad Angelo Savelli di Teodolinda Coltellaro. Intervista a Piero Dorazio di Antonella Soldaini. Testi: Alberto Fiz, Luigi Sansone, Tonino Sicoli, Gianni Schiavon, Fabrizio D'Amico, Attilio Podestà, Kenneth B. Sawyer, Giulio Carlo Argan, Vanni Scheiwiller,

Catalogo della mostra presso la Galleria di arte moderna e contemporanea Santo Ficara (Firenze, 16 maggio - 30 giugno 2009). Il maestro Zappettini è già attivo negli Anni Sessanta e all'inizio degli Anni Settanta si afferma a livello nazionale e internazionale grazie ai suoi lavori che, insieme ai contributi scritti, costituirono la base teorica della Pittura Analitica, intesa come un ritorno al lavoro del pittore e ad una riflessione sul linguaggio dell'arte figurativa. Nel 2003 il maestro ha dato vita alla Fondazione Zappettini per l'Arte contemporanea, istituzione che nelle sue sedi di Chiavari e Milano si dedica allo studio, alla ricerca e all'archiviazione della Pittura Analitica degli Anni Settanta, tramite l'organizzazione di mostre personali e collettive. Come scrive lo stesso Zappettini: "Il processo artistico riflette il processo cosmogonico per cui, dall'indifferenziazione iniziale configurantesi come pura possibilità e testimoniata in alcune opere dai colori primari, giallo, rosso, blu stesi ai margini della tela, si organizza il cosmo che, come un tessuto, è foggiato da una trama e da un ordito".

Rotella è uno straordinario inventore di forme, un giocoliere talvolta ironico che non si lascia imbrigliare da schemi eccessivamente rigidi o dogmatici. In questa onnivora vena sperimentale è possibile rintracciare la peculiarità della sua opera pittorica e grafica (Rotella è un eccellente disegnatore) che evita l'identificarsi con uno stile in una perenne ambiguità dialettica. Famoso soprattutto per i suoi dècollage, la produzione su carta sembra indipendente dalla sua attività principale, eppure documenta una fase molto creativa della sua carriera.