Libri di Gianluca Marziani

"Don't Forget Me!" è una frase ricorrente, come una supplica ripetuta più volte, una formula litanica di espiazione che Pecci fa pronunciare ad un sorridente Winnie, rivolto allo spettatore oppure ad un altro inquietante personaggio, tra i protagonisti dei propri quadri, la zanzara gigante. Questa richiesta pone all'attenzione già una serie rilevante di riflessioni legate al più umano dei desideri, quello di "esserci", di rimanere sempre presente, di perpetuare la propria immagine e scongiurare l'oblio."

Un viaggio nel circuito biologico del riuso attivo, nei materiali saggi di una campagna generosa, pronta ad offrire lo spunto testuale, l'escamotage figurativo, la chiave concettuale. Quando parliamo di campagna s'intende, in realtà, il serbatoio continuo di scarti agricoli, meccanici, idraulici ed elettrici, che una tenuta nel verde produce a ciclo continuo. Immaginate una fucina in cui gli scarti vengono divisi per tipologia di materiale, un posto di attrezzi e macchinari da cui pescare con vorace energia. Adesso pensate a Sergio Russo, che gestisce quei frammenti con le sue mani flessuose, capaci di trattare il ferro e il legno con morbida passione. La fucina si trova nella campagna laziale, dove l'artista ha costruito il suo rifugio straordinario. Qui, seguendo le vicende cromatiche del paesaggio, Russo sviluppa le sue forme sinuose, i colori mai casuali, i prelievi di frammenti che giungono dal paesaggio. Qui sta nascendo un giardino tra land art e botanica visionaria, un luogo sorprendente, che rimanda ai singoli pezzi di una visione poetica tra natura e artificio.

Da una parte Brigita Huemer usa i pattern naturalistici (cortecce, pelli di animali, tracce) come ispirazione iniziale per le sue elaborazioni pittoriche. Le fotografie di natura sono, infatti, il prologo di un metodo sinuoso tra manualità e tecnologia, una combinazione estetica che trasforma l'origine figurativa in una riflessione oltre la geometria, oltre la soglia del visibile. Dinamismi circolari e flussi cinetici catapultano l'occhio dentro mondi paralleli, spazi mentali, geografie dei sensi. Dall'altra Angelica Romeo, i cui cicli registrano la disciplina del gesto sotto controllo, di una felice lentezza che ipnotizza il colore in modo mineralizzato, come se quel grumo fosse una stalattite che narra di antichi organismi dal colore massiccio. Le gamme prescelte sono nette, eppure vibranti al proprio interno, simili a pietre preziose che si accendono nel buio pur conservando sottotraccia la loro genealogia. Quei segni pittorici non cercano enfasi o vertigini, al contrario suonano note elementari nel bianco che accoglie qualsiasi differenza.

Come spiega Gianluca Marziani: "Due artisti, due personali ogni tre mesi: da una parte la pittura, dall'altra la fotografia. Un viaggio figurativo che è una sfida estetica tra linguaggi, tematiche e formule concettuali". Da una parte Gabriele Simei dialoga fluidamente con i materiali e la loro indole aperta. Parla in modo diretto, ma complesso, agli elementi fisici che diventano ingredienti elettivi della scultura. Nel farlo stabilisce una conversazione privilegiata tra il suo modus operandi e la radice plasmabile del metallo, del legno, del plexiglas... il colloquio che ne scaturisce indica un'attitudine alla manualità demiurgica, al rito plastico del modellare la base primordiale di una materia. Dall'altra Francesco Patriarca, il quale nasconde un processo artistico estremamente coerente ed unitario. Le singole opere agiscono, infatti, come tessere sagomate di un grande puzzle, che è l'artista stesso, la sua coscienza biografica, il suo universo di riferimenti metabolici. Dipingere su svariate superfici con tecniche diseguali significa proprio ricomporre una visione, organizzando l'impianto dello sguardo, la radice della molteplicità, l'imprinting della forma. Stesso discorso per i temi che l'artista affronta: sono cicli con una propria cronistoria, autonomi tra loro, eppure collegati da un identico sguardo metabolico, da un'attitudine che unisce contesti, visuali, interpretazioni.

Li Xiangyang è un artista cinese, appartiene alla media generazione (1957), oggi adulta, quella che era giovane poco prima del boom capitalista, formatasi nel solco finale delle tradizioni maoiste, nel periodo in cui tutto stava cambiando, quando le merci aumentavano la loro spinta globale, il mercato si apriva e il progresso accelerava l'onda d'urto planetaria. Li Xiangyang è un artista che conosce e ama l'Italia: ha studiato a Roma, esposto nella capitale, ma non solo, nella penisola ha trascorso svariati anni e qui torna con ciclica regolarità, sentendo la spinta dell'iconografia classica, il peso specifico dei secoli illuminati, la valenza educativa delle nostre avanguardie. Emerge qui un principio di ampliamento e completamento: Xiangyang ha sintonizzato Cina e Italia sul valore metafisico della pittura, confermando la nostra primogenitura iconografica, quell'ispirazione figurativa con cui un artista straniero traccia nuove traiettorie del pensiero pittorico. Egli somiglia a una coscienza amplificata del presente, un radar psicanalitico che spezza la retorica attorno alla Cina, distillando sul quadro ciò che televisione o cinema quasi mai colgono.

A Palazzo Collicola Arti Visive ci sono attimi più intensi degli anni, interventi sul corpo del luogo, sopra la sua pelle, lungo le muscolature e i sistemi ossei, oltre ad opere sulla misura sartoriale degli spazi individuati, creando inserimenti visivi senza rigetto, tatuando l'opera come una visione tra arcadia e futuro. Il 25 giugno 2010 si aprì ufficialmente il nuovo corso del museo e il primo grande muro era pronto. L'immagine mentale aveva un titolo: Collicola OnTheWall. Sono passati cinque anni e la prima fase (quella dentro la struttura) giunge oggi al suo culmine naturale: diciotto artisti ci offrono il resoconto creativo di una mappatura complessiva del Palazzo.

Remo Remotti (Roma, 16 novembre 1924) è umorista, poeta, attore, pittore, scrittore, scultore, cantante, drammaturgo. Adesso, però, viene presentato un Remotti da studio, intimo solo perché l'arte visiva esige una solitudine, uno spazio concluso senza conclusioni affrettate, un cielo calpestabile in cui risuoni lo stridio alato dei materiali, dei colori, delle forme plastiche. Gli esordi lo vedono alle prese con la pittura, in sintonia con gli andamenti tipici del Dopoguerra, tra imprescindibili scie informali e l'eco del Pop, in arrivo seriale sul mercato dello sguardo. I quadri giovanili risentono di voci gradualmente digerite: Remotti sembra ascoltare gli espressionismi del gruppo Cobra di Karel Appel e Asger Jorn, altre volte si orienta verso Mario Mafai e Scipione, in generale verso le gesta di una Scuola Romana dai caratteri irascibili e incendiari. Su ogni visione mette qualcosa di personale, un'intimità urlante ma trattenuta, come se il colore fosse pronto a schizzare gocce su Roma, sulle sue ferite aperte, sulle rovine di una città decadente eppure ammaliante. È una pittura che lancia il grido attraverso figure che pescano dai ricordi adolescenziali, dai tramonti capitolini, dal Barocco e dai barattoli sugli scaffali, da officine e botteghe, mare e campagna, amici e conoscenti. Mostra e catalogo festeggiano i 90 anni di Remo Remotti.

Come spiega Gianluca Marziani: "In uno dei più prestigiosi circoli sportivi italiani, dove la sfida tra giocatori diventa una sorta di codice etico per gli iscritti, arriva l'arte contemporanea con lo stesso spirito di un match tennistico. Due artisti, due personali ogni tre mesi: da una parte la pittura, dall'altra la fotografia. Un viaggio figurativo che è una sfida estetica tra linguaggi, tematiche e formule concettuali". Da una parte Carlo D'Orta, "biologo" del paesaggio contemporaneo, un ricercatore sottocutaneo che scava sotto il primo strato dell'apparenza urbana, dove le strutture diventano sinapsi architettoniche, dove i macroelementi richiamano il micromondo cellulare. Il suo occhio ragiona con un principio scientifico e un'attitudine pittorica, secondo equilibri complessi mai automatici, sul filo di una razionalità che interpreta i codici del reale, scovando l'ambiguità praticabile tra figurazione e astrattismi. Dall'altra Giacinto Occhionero, che procede nella sua indagine pittorica attraverso simboli inseriti allo scopo di catturare l'attenzione e la curiosità dell'osservatore secondo la metafora simbolista, surrealista e, in certi casi, preraffaellita. Nella rappresentazione dell'enorme albero di baobab, per esempio, l'artista rivisita la mitologia africana e la contestualizza nel mondo occidentale, industrializzato, abitato da un uomo ormai lontano dalla natura, e ci ricorda che le leggende ancestrali fanno parte dell'ellissi del nostro DNA.

Matteo Basilé (1974) vive e lavora a Roma. Inizia la sua carriera a metà degli anni '90 ed è tra i primi artisti in Europa a fondere arte e tecnologia. Basilé possiede la straordinaria capacità di conciliare idee opposte come il bello e il grottesco, reale e surreale, naturale e artificiale. Esplorando le nature dell'essere umano, l'artista sviluppa il suo racconto dividendo il suo lavoro in capitoli: The Saints are Coming (2007), Thisoriented (2009), Thishumanity (2010), Landing (2012), UNSEEN (2014), una serie di passaggi indipendenti in cui l'artista negozia la sua percezione dell'esistenza. La ricerca di Basilé è un'interfaccia tra Oriente e Occidente, una dialettica interposta che opera come una collisione situata tra tradizione e modernità, tra sacro e profano. Il Glossario di Basilé si basa non solo sui segni e valori senza tempo e multiculturali, ma comprende visivamente un linguaggio totalitario in cui il sogno non è più il soggetto della foto, ma incarna una narrazione del tutto riconoscibile, senza limiti. I suoi (anti eroi) ritratti minuziosi ci rimandano alla storia classica, ma contemporaneamente trasmettono lo spirito del nostro tempo.

Fabrizio Campanella in questo volume sistema la biblioteca mentale della sua carriera, compiendo un utile resoconto chirurgico, frutto di elaborazioni teoriche che accompagnano le tecniche, la scansione cromatica, i modelli compositivi del suo dipingere. Si parte dal 1991 per arrivare al 2014, oltre vent'anni in cui la pittura ha dimostrato resistenza e curiosità, plasmando il proprio potenziale tecnologico, le innate contaminazioni, la rigenerazione endogena. Un viaggio nel tempo e nell'arte di Campanella che indaga le connessioni tra opera e opera, riflessioni e risultati, idee e percorsi.

Una mostra personale alle Fruttiere di Palazzo Te dell'artista romano di "Piazza del Popolo" Renato Mambor. A cura di Gianluca Marziani, il catalogo è la testimonianza di un percorso pittorico e scultoreo che parte da "Diario 2007" per sconfinare nella "Quadreria infinita", di recente progettazione e presentata in anteprima al pubblico mantovano. Si tratta di una quadreria modulare con logica non più addizionale ma moltiplicatoria. Qui Mambor tocca il punto più estremo della sua attitudine: campionare il campione. Altre sezioni del catalogo sono: "Papier maché", "Ambienti fotografati", "Azioni fotografate", "Separè", "Quadreria", "Collezione privata".