Libri di Lóránd Hegyi

Opalka, Kounellis e Kabakov hanno influenzato i padigmi, gli strati referenziali, le narrazioni del pensiero artistico, nonché le forme, i contesti e i materiali usati nell'espressione artistica degli ultimi cinquant'anni. Questo saggio è una riflessione e un'analisi su ciò che hanno in comune questi tre maestri, il tempo come metafora centrale del significato dell'opera d'arte, nell'ottica dello sviluppo temporale del processo percettivo inteso come esperienza intellettuale, emozionale, e persino catartica.

Non è esagerato affermare che il disegno austriaco del Ventesimo secolo gode di una fama leggendaria. I suoi grandi maestri, dall'inizio del secolo fino agli ultimi decenni, con le loro figure autentiche, bizzarre, talvolta eccentriche, hanno creato un'aura di straordinarietà e di interiorità, le cui radici affondano nella storia culturale austriaca, nel Barocco, nel Romanticismo e nel Simbolismo, nonché nelle teorie della psicoanalisi e dell'antroposofia. Sembra che un elemento stabile dell'orientamento etico ed estetico degli artisti austriaci del dopoguerra, fino al termine del secolo scorso, sia costituito da una tendenza quasi ossessiva all'autoriflessione o all'autorivelazione, all'atteggiamento psicologico, a cui mai si è voluto rinunciare, così denso di significati spirituali e filosofici. Quest'obiettivo impegnativo, combinato a una costante autoriflessione che non ammette compromessi, caratterizza i sistemi linguistici di mediazione visiva e condiziona i diversificati canali della percezione, nonché le potenziali sfere dell'empatia. Il libro non avanza alcuna pretesa di esaustività storico-artistica, non propone dunque una panoramica completa di un'intera epoca dell'arte austriaca del disegno, ma si concentra piuttosto sull'operato e sulla visione etica ed estetica dei grandi maestri da Alfred Kubin, Arnulf Rainer, Günter Brus, Hermann Nitsch e di artisti più giovani, quali Birgit Jürgenssen, Alois Mosbacher, Maria Bussmann. Si tratta dunque di una selezione di artisti significativi, il cui lavoro si distingue per l'elevata qualità estetica, per l'autenticità individuale e poetica, nonché per la notevole influenza esercitata sul mondo artistico, tanto austriaco quanto internazionale.

«….vorrei osservare che a mio avviso ci stiamo approssimando sempre più all'epoca del compositivo consapevole, razionale, che presto il pittore sarà orgoglioso di poter spiegare le sue opere in senso costruttivo (in contrasto con gli impressionisti puri i quali erano al contrario orgogliosi di non saper spiegare nulla), che già ora siamo vicini al tempo della creazione in vista di uno scopo e infine che questo spirito nella pittura sta in una connessione organica diretta, con la costruzione, già iniziata, del nuovo regno dello spirito, poiché questo spirito è l'anima dell'epoca del grande spirituale.» (Vasilij Kandinskij)

Il volume raccoglie questa serie di opere di Salvatore Garau - pittore, ma anche musicista e scrittore, caratteristiche non secondarie per comprenderne la poetica - in cui un ossessivo monocromatismo, fatto di sfumature di rosso, sembra evocare lo spirito delle lotte mitiche degli eroi di Wagner. Accompagnano le opere i testi critici di Lóránd Hegyi e dello stesso Garau.

"Significanti incertezze" è il primo volume della collana "Arte e identità visiva", curata da Lóránd Hegyi e dedicata all'arte contemporanea. Questo saggio critico di Lóránd Hegyi sul disegno contemporaneo utilizza in modo quasi didattico il percorso artistico di alcune fra le più interessanti figure della scena artistica. È "in questo contesto (che) l'operato artistico di Ugo Giletta, Veronika Holcova, Marine Joatton, Christian Lhopital, Barthélémy Toguo, Sandra Vásquez de la Horra e Fabien Verschare ci appare particolarmente autentico e considerevole, significativo, poiché riflette in modo estremamente radicale sulla liberazione dell'immaginazione e sulla contestualizzazione delle narrative per immagini nell'ambito di una referenzialità ricca e sempre più diffusa". "'Farcela con il poco', dice Benjamin. Il poco significa riduzione, concentrazione, compressione; significa creare un'immagine forte, semplice, spoglia e per così dire barbarica che, senza abbellimenti e orpelli, senza legittimazioni derivanti da tradizioni e convenzioni, soprattutto senza legittimazioni dovute alla bellezza, rivela l'aspetto elementare, contemporaneo per eccellenza, inevitabilmente vero".

Il volume intende far scoprire in Italia e in Europa Wang Luyan, un importante artista cinese contemporaneo, ripercorrendone l'evoluzione artistica attraverso le tappe di una riflessione culturale che lo ha portato a sviluppare gli elementi cardine della sua filosofia dell'arte, con le sue "regole" e con il suo necessario impegno etico e sociale. Tali elementi concorrono a promuovere una "visione scettica", una sorta di "espressione emotiva" trasformata dalla ragione e dotata di una forma di bellezza che differisce dalla catarsi poiché racchiude il carattere inalienabile e irriducibile di una visione "confusa". Wang Luyan si serve dell'arte come di uno strumento educativo, un mezzo per portare alla luce e svelare, attraverso la creazione di figure inverosimili e provocatorie, alcune verità nascoste e latenti, una forma di partecipazione critica agli eventi e alla storia, quasi una sorta di "attivismo". I disegni di Wang Luyan costituiscono uno studio rigoroso e senza compromessi di ciò che il lavoro artistico può e deve fare per affrontare le questioni fondamentali che orientano la nostra vita.