Silvana: Arte

Nata a Marina di Massa nel 1901, e giunta a Torino durante la Grande guerra, Nella Marchesini appartiene alla cerchia intellettuale dei giovani raccolti intorno a Piero Gobetti e alle sue riviste. Prima allieva di Felice Casorati, concepiva la pittura come "stella polare", una dedizione costante, armonizzata con la vita degli affetti, una pratica riflessiva e narrativa, fondata sul dialogo tra storia dell'arte e autobiografia. Il volume a lei dedicato, corredato dai testi critici di Giorgina Bertolino e Alessandro Botta, e da un ricco apparato documentario, raccoglie dipinti e disegni che ricostruiscono le stagioni della sua arte e le tappe della carriera espositiva.

Traendo ispirazione dall'immaginario quotidiano femminile e dall'esperienza di una dittatura oppressiva e censoria – quella in Brasile dal 1964 al 1984 – Anna Maria Maiolino realizza opere ricche di energia vitale, che fondono in uno stile inimitabile la creatività italiana e la sperimentazione delle avanguardie brasiliane. Attraversata dal tema dell'amore – per le sue origini, la sua famiglia, la sua terra d'adozione e il suo lavoro – l'opera di Maiolino indaga i rapporti umani, le difficoltà comunicative e di espressione, percorrendo il labile confine tra fisicità e sfera intima e spirituale. Con oltre 400 opere, dai primissimi disegni fino alle ultime creazioni, il volume, curato da Diego Sileo, racconta per decadi una storia artistica iniziata nei primi anni Sessanta e ancora oggi attuale e fertile, in grado di influenzare molti artisti delle nuove generazioni.

Il volume, dal taglio monografico, è dedicato a Emilio Scanavino (Genova, 1922 - Milano, 1982), indiscusso protagonista della stagione informale italiana. Le opere presentate, introdotte da numerosi interventi critici, raccontano il percorso dell'artista, indagando la pluralità espressiva che ha caratterizzato la sua produzione pittorica. Nelle tele, spesso di grande formato, l'artista riversa le sue inquietudini, che prendono forma nel simbolo del nodo: un elemento ricorrente a partire dagli anni sessanta, e che è alla base degli intrecci, segreti e misteriosi, in cui si riconosce l'animo umano. Il volume, corredato da fotografie storiche e arricchito da una conversazione con l'artista del 1961, è completato da una cronologia selezionata. Testi di: Greta Petese, Federico Sardella, Sara Uboldi; conversazione con Antonella Zazzera; intervista a Emilio Scanavino.

Originario di Alessandria ma attivo a Milano, Giovanni Migliara (1785-1837) è uno dei maggiori e più versatili interpreti della veduta prospettica in Italia nell’età romantica. Formatosi all’Accademia di Brera, si dedica alla scenografia e in seguito alla pittura, specializzandosi inizialmente in composizioni di fantasia – i cosiddetti ‘capricci’ – che fondono insieme architetture reali e di invenzione. Al contempo l’artista dà vita a immagini veritiere di città e monumenti, scene animate dalla presenza di numerosi personaggi impegnati nelle loro attività quotidiane. Non mancano echi dalle vicende storiche e dall’evoluzione del progresso tecnologico e industriale del tempo, come testimonia la celeberrima tela con la filanda Mylius di Boffalora. Migliara è anche uno degli esponenti più significativi in Italia del gusto troubadour, un fenomeno culturale di derivazione francese che propone un appassionato revival del Medioevo tragico e avventuroso tramite la rievocazione delle vicende dei personaggi della storia e della letteratura del passato. Celebri e ricercati dalla committenza aristocratica, tra cui Casa Savoia, sono i suoi fantasiosi interni di conventi, impreziositi dalla perfezione della prospettiva e dalla straordinaria resa della luce. Attraverso una serie di viaggi nelle principali città d’Italia – Venezia, Firenze, Genova, Roma, Napoli… – l’artista realizza, infine, molteplici vedute a olio, all’acquerello e anche fixés sous verre (sofisticate miniature a olio su seta applicata su vetro) che offrono un variegato panorama della Penisola in quell’epoca.

Il volume raccoglie le serie pittoriche realizzate da Andrea Chiesi, dal 2000 al 2018. Il titolo Eschatos - 'Ultimo' - rimanda all'attitudine propria dell'uomo, che da sempre si è interrogato sul destino ultimo, sulla fine delle cose, sul senso dell'esistenza anche attraverso l'arte. Con una pittura realista, intrisa di malinconia, Andrea Chiesi indaga strutture architettoniche di una modernità velocemente obsoleta, dipingendo il tempo dell'abbandono. Ogni serie è introdotta da un testo dell'artista. Il volume accoglie inoltre una lettera introduttiva di Giovanni Lindo Ferretti, un intervento di Maria Grazia Calandrone e un'intervista raccolta da Franco Fanelli, ed è completato da apparati biografici. "Considero questo libro, selezione e raccolta di tuoi dipinti, olio su tela, del terzo millennio, un po' riflessione teologica un po' testo devozionale: il libro dell'abbandono." (Giovanni Lindo Ferretti)

Maurizio Pellegrin appartiene alla rara categoria degli artisti intellettuali e occupa un posto singolare nel panorama attuale: troppo realista in filosofia per essere un concettuale tipico, troppo cosmopolita per indulgere a un'arte vernacolare (semmai la sua nativa Venezia gli ha offerto un ponte verso un Oriente zenizzante), troppo culturalmente ed esteticamente raffinato per sconfinare in esperienze pop, minimal o poveristiche. Opera sottilmente sul crinale tra realismo e astrazione. Dal mondo nella sua datità trae i materiali che lascia anche assomigliare al dato fenomenico, ma ne scaturisce un'energia che ne decreta la vitalità e il fascino. Non fotografa la realtà, ma si inventa un realismo evocativo, evitando l'illustrazione dell'oggetto. L'effetto delle immagini così composte è altamente estetico, comunicativo e catartico, tanto da non richiedere la conferma del confronto con la realtà stessa. Ampi assemblage composti da oggetti o loro frammenti formano icone grandiose, non semplici archivi o cataloghi di una memoria parziale. Nelle opere il mondo non è né illustrato né narrato, ma intuito e mostrato come si dà in senso fenomenologico ed esistenziale. Attraverso il suo raffinato operare Pellegrin porta un nuovo ordine nella realtà effettuale, caotica e dispersiva delle cose incorporandovi anche elementi di disordine, caso e istintualità. Un brano di realtà riassuntivo di un pezzo di mondo fenomenico, ricostruito nella memoria, appare in una forma che colpisce per la sua forza 'ontologica': è come se gli oggetti imparassero a esistere nel nuovo ordine in cui l'artista li fa dialogare nello spazio. E con essi, attraverso l'impatto dell'opera, è l'uomo che impara a essere, oltre che nello spazio, nel tempo, grazie alla memoria che gli dà il senso della continuità e un'identità.

Teresa Margolles (Culiacán,1963) è un'artista messicana che vive e lavora tra Città del Messico e Madrid. Con una particolare attitudine al crudo realismo, le sue opere testimoniano le complessità della società contemporanea, sgretolata da un’allarmante violenza che sta lacerando il mondo e soprattutto il Messico. Vincitrice del Prince Claus Award 2012, Teresa Margolles ha rappresentato il Messico nella 53° Biennale di Venezia nel 2009 e le sue opere sono state esposte in numerosi musei, istituzioni e fondazioni internazionali. Con uno stile minimalista, ma di forte impatto e quasi prepotente sul piano concettuale, le 14 installazioni presentate al PAC esplorano gli scomodi temi della morte, dell'ingiustizia sociale, dell'odio di genere, della marginalità e della corruzione generando una tensione costante tra orrore e bellezza.