Alvivo Edizioni

Il labirinto è una leggendaria costruzione architettonica caratterizzata da una pianta così tortuosa da rendere difficile l’orientamento e, di conseguenza, l’uscita. È un simbolo molto antico che ricorre con frequenza nella storia dell’umanità e nella storia dell’arte. In generale, rappresenta i percorsi che conducono alla consapevolezza del sé e alla conoscenza. Nel labirinto non ci si perde, nel labirinto ci si ritrova. Per Aviero, il labirinto corrisponde a una struttura archetipica che riflette e determina il nostro modo di pensare il mondo, il nostro rapporto con le sfide della quotidianità, con la presa di coscienza di tutte le questioni e le problematiche che condizionano la nostra esistenza. È come se i suoi racconti visivi si mettessero in contatto diretto con il destino, con le logiche dei valori che disciplinano l’esistenza, con quella necessità espressiva che asseconda l’innata tensione verso le forme che prendono consistenza davanti ai nostri occhi e ci preparano ad esperienze estetiche sempre nuove.

Questo libro, dedicato al Medioevo pistoiese (arte, architettura, personaggi, avvenimenti) per il periodo che va dall’Alto Medioevo a pochi anni dopo il 1400, vuole essere uno strumento agile, immediato e documentato, rivolto a studiosi e appassionati di storia locale. Sono secoli in cui si creano e si disfano piccoli contesti urbani, vivono e agiscono personaggi, si costruiscono i primi grandi e piccoli edifici religiosi e civili, si realizzano le grandi opere artistiche, si formano le strutture politiche e sociali. Anni in cui, in tutta Italia, si assiste alla nascita e al processo di crescita, maturazione e ineludibile trasformazione, di una città.

La stupefacente ambiguità dello specchio è un elemento ricorrente nella cultura occidentale, con implicazioni a livello simbolico e metaforico che hanno avuto precisi risvolti sul piano iconografico. Pochi oggetti hanno una così grande moltitudine di significati simbolici: nel corso della storia, infatti, lo specchio è stato rappresentato come allegoria della vanità, della superbia, della conoscenza, della prudenza e dell’inganno, ma anche della dimensione in cui si forma l’io e la coscienza del sé. Per la maggior parte degli artisti, lo specchio apre a mondi altri e consente di indagare la contrapposizione tra il guardare e l’osservare, tra il vedere e il comprendere, tra l’esteriorità e l’interiorità, tra l’essere e l’apparire. La superficie riflettente consente di alterare lo spazio aprendo le porte dell’altrove.

Così scrive l’autore in apertura di volume: «Sono versi che sono stati composti ponendo in un angolo le vesti di scienziato, quale pare io sia. Sono divisi in due porzioni: una di natura “politica“ perché stimolata da eventi contingenti ma che, per loro natura, racchiudono temi universali; un’altra include versi più intimi, non per questo di minore aspirazione universale, di certo lontani da una visione ombelicale delle cose del mondo; riguardano il vivere, semplicemente questo. La loro scrittura non ha seguito regole metriche, semmai la traccia di una sonorità interiore nel momento della scrittura. Può darsi che i versi qui raccolti abbiano qualche debito con alcune cadenze “sonore” di Dylan Thomas, sia pur interpretate con imperizia. D’altra parte, chiunque scriva lo fa sul terreno delle sue letture e sulla loro stessa altrui interpretazione può finire per influire, in dipendenza da quanto permangono nella coscienza di altri le parole che pone su carta, sempre che qualcuno le legga».

"La Pittura è attuale e la Pittura astratta è ancora più attuale e più libera, apre ampi spazi all’immaginazione e offre più possibilità di interpretazione per l’osservatore che diviene in questo modo partecipe e in parte coautore dell’opera. Nonostante le nuove tecnologie che giornalmente ci accompagnano, ci stupiscono e potenziano le nostre possibilità, abbiamo ancora bisogno di forme e di colori da vedere e di materie da toccare capaci di farci pensare ma anche sognare". Così Stefano Turrini, a commento del suo libro – testimonianza del lavoro degli anni più recenti – che ospita anche testi critici di Andrea Granchi e Carlo Frittelli, ne sintetizza il contenuto.

La “Fondazione Francis Bacon, Centro di storia e filosofia delle scienze e della cultura” inaugura la collana ‘Ingenio ludere’ con questa raccolta di poesie di Marco Spiga. La Fondazione si occupa di educazione e di lettura in una prospettiva transdisciplinare in cui scienze e Humanities affrontano insieme i problemi della conservazione e della trasmissione di conoscenze e di valori culturali essenziali all’insegna di una “sostenibilità” che non sia soltanto economica ma anche esistenziale, etica ed “estetica”. Alessandro Pagnini, suo presidente, chiosa così sui versi raccolti in questo libro: «La poesia di Marco è materia, è “lavoro”, è intelligenza cinestetica. Arriva al corpo e reclama una percezione piena e partecipe».

Nella Grecia antica si credeva che tutte le anime finissero in un regno sotterraneo governato dal terribile Dio Ade e dalla moglie Persefone. Secondo Aristotele l’anima era indipendente dal corpo perché conteneva l’intelletto produttivo (Divino). Con il Cristianesimo il concetto di anima si modificò fino ad arrivare ad essere considerata la realtà più prossima a Dio, la via d’accesso al mondo divino. Solo l’anima coincideva con la verità ed era immortale. Sant’Agostino affermava che solo coloro che conoscevano l’essenza della realtà potevano ambire alla salvezza dell’anima. Pasquale Galbusera è stato un artista legato alla spiritualità, consapevole che con il termine “anima” si indichino sia l’attività in piena coscienza del genere umano sia il principio di vita di ogni essere vivente. Chi si dedica all’arte con autenticità, e come prezioso strumento connesso al proprio “essere”, è coinvolto in un processo interiore che mira, con più o meno coscienza, a scandagliare ciò che di più profondo c’è in ogni individuo: l’anima.

Ilaria Minghetti introduce così il volume: «Lori Banci porta nella sua poesia la volontà di comunicare e condividere con ogni lettore la propria esperienza esistenziale e la propria valutazione dell’esistente a lei intorno. "Fili d’erba" è il titolo della raccolta: ogni uomo è un filo d’erba, tanti fili formano il prato dell’umanità, realtà delicata e forte nello stesso tempo, continuamente soggetta a nascita e morte del singolo, ma elemento eterno del grande disegno della natura. “In” e “Con” sono le sezioni: due vissuti. “In”, titolo che indica la lettura di sé, è un susseguirsi di poesie che, attraverso il ricordo, fanno scorrere nella mente e nel cuore della poetessa momenti della vita, con la riflessione del già avvenuto e la capacità del poter valutare e giudicare. “Con”, titolo che indica la poetessa in rapporto con la società, vede proposto un genere umano dipinto a tinte fosche: egoismo, ambizione, isolamento, solitudine, ingiustizia, perdita di valori sono le accuse che vengono mosse. Attraverso la conoscenza molto, anche se non tutto, può divenire traguardo raggiunto, capacità di affrontare i mostri che ingabbiano le idee della mente e i sogni del cuore».

Catalogo dell’omonima mostra tenutasi a Pescara (Museo delle Genti d’Abruzzo) dal 18 maggio al 3 giugno 2024. Simone Frittelli, nelle note critiche del volume, descrive così il lavoro di Pispoli: “Quello che troverete in questa mostra è una magia tessuta con sapienza, un insieme di formule alchemiche, caratteri tipografici e tecniche di stampa, sperimentazioni sulla composizione e sul linguaggio. La sua ricerca affonda le radici nel nostro bisogno di essere guardati: voglio che tu mi veda perché ti interessa ciò che ti mostro di me. Negli ultimi anni Mauro è uscito dai confini della grafica commerciale per sviluppare una riflessione sul mestiere del grafico, del designer, del copywriter, dell’illustratore, dell’art director. Da un lato si è dedicato all’insegnamento, mentre dall’altro ha creato senza vincoli di committenza, trasformando il suo lavoro in arte. Le sue opere sorprendono e affascinano anche prima di comprenderne appieno il significato. Forse è il suo interesse per la tipografia, la sua curiosità per la cultura popolare, l’amore per il medium stampato o chissà quale altra forza ad attirarlo nella pulsione che anima la sua ricerca senza fermarsi al risultato”.

Ognuno di noi è consapevole che la vita ha un inizio e una fine, ma è altrettanto cosciente che siamo parte di un Tutto che ci sovrasta. È stato chiesto a sette artisti contemporanei di raccontare il proprio concetto di tempo. Ne sono scaturite opere imprevedibili che dialogano con le diverse concezioni del tempo e ci raccontano la storia del genere umano. Con questo catalogo dell'omonima mostra, tenutasi presso Spazio Zero – Arte Contemporanea (PT) da marzo a maggio 2024, si apre la collana editoriale “Aqua”, che vuole indagare il qui e ora attraverso gli artisti visivi, da sempre considerati sismografi del proprio tempo.

Catalogo dell'omonima mostra tenutasi presso Spazio Zero – Arte Contemporanea da settembre 2023 a gennaio 2024. È un invito a mettersi in gioco, a riscoprirsi e a rigenerarsi, ma anche ad analizzare il tema dell’identità fra apparenza e sostanza, nella mutevolezza del tempo e nella dinamica delle vicissitudini del mondo. L’organza di Federica Gonnelli, le installazioni di Sara Lovari e la pittura di Elisa Zadi si confrontano all’unisono fra autoritratti, frammenti, carte che raccontano, istantanee di vita vissuta, scatti che lasciano il segno.

Si fa presto a dire zucche! In questo "Zuccario" trovate Zuccovasi e Zuccoteste, frutto della fantasia, dell'estro e dell'inventiva del designer Massimo Mariani. Sono manufatti colorati con colori vivaci che captano la curiosità del lettore, sollecitando i suoi sensi. Biologici perché fatti con prodotti della natura, ma trattati secondo la spietata logica dell'artefatto. A cosa servono? A nulla o a ospitare un fiore. O meglio a ricordarci che sono le cose che non servono a niente le più importanti a mantenere il fragile equilibrio della nostra esistenza. Un libro in cui perdersi come in un viaggio tra il chimerico e il fantastico.