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Il libro offre una documentazione del laboratorio Superficies/Quarta Parete, che si è svolto da aprile a luglio 2024 negli ambienti del Teatro Litta a Milano e ha indagato il tema delle opere d’arte come spazi di mediazione tra lavoro artistico e sguardo dello spettatore. A teatro la “quarta parete” è la zona semipermeabile immaginaria che divide la realtà della scena da quella della platea; in essa si può cogliere un analogo della parte esposta di ogni opera d’arte. Promosso dal Dipartimento di Arti Visive - Scuola di Pittura dell’Accademia di Brera, al workshop hanno partecipato 13 studenti. Nel libro si affrontano problematiche essenzialmente pittoriche: l’investigazione del rapporto tra superficie e profondità, tra processualità e ultimazione, la messa in scena e correlazione di materie operative che si offrono o si sottraggono alla visione di uno spettatore. Vi sono esercizi di autopresentazione, testimonianze dai luoghi personali in cui si conduce il lavoro artistico, letture di gruppo di testi tratti dalla letteratura artistica (G. Pane, E. Delacroix, C. Monet), bozzetti di opere realizzate e non. Corredato da una fascetta e da un manifesto, è stampato in 150 copie numerate.

50 opere a colori di scrittura asemica. Con saggi introduttivi di A. De Pirro, G. Garrera, M. Giovenale, P. Polidori.«la figura, l’immagine del crinale, ma più ancora quella del varco, è ben utile, si può pensare, nel caso delle iscrizioni asemiche su pietra di Fabrizio M. Rossi. niente come la pietra incarna l’immagine di un accesso definitivamente chiuso, e niente come la grafia, magari incisa (magari su ferite preesistenti), suggerisce un passaggio di senso, uno spiraglio, qualche itinerario nel labirinto» (M. Giovenale).«I sassi vanno raccolti in angoli di strada, tra cespugli, anfratti, erbaccia, vicino a torrenti e rii, già come metafora di marginalità e, sempre, come pietre scartate dai costruttori, e cioè fuori dai sistemi ufficiali e amministrativi delle scritture e degli scribi del faraone. Le scritture asemiche, o meglio tutte le dedizioni e raccolte di scritture di scarto e inutilizzabili per la comunicazione e che rientrano nei valori dell’ingiustificabilità e dell’inservibilità della parola, cercano di aggirare la scrittura, ogni scrittura, come ordine e dettatura del faraone, e la condizione di scrittori, intellettuali e poeti come scribi del faraone» (G. Garrera).

Il cofanetto "Quel che non puoi vedere/Tentativi di visione" è la restituzione in forma cartacea di quanto emerso grazie all'omonima performance ideata da Federica Luzzi e Naoya Takahara (Roma 2022, Galleria AOC F58, con F. Arcangeli, M. Lohman, S. Pappalardo, M. Sambati, P. Polidori). Al centro della performance, il particolare acustico reso dal pavimento in legno di AOC, che al passaggio di una persona emette un suono; proprio come "uguisubari", il pavimento dell'usignolo, presente in molti antichi templi, castelli o residenze nobili giapponesi: mediante un sistema di morsetti e chiodi, ogni volta che le travi vengono calpestate producono un suono simile al canto di questo volatile, avvisando i residenti che qualcuno è entrato. Il libro raccoglie i contributi di G. Dalesio, G. Garrera, A. Kerr, M. Vacca e quelli degli artisti coinvolti, toccando temi come spiritualità, psicologia, letteratura, filosofia. Il cofanetto invita il lettore ad associare liberamente i vari materiali (oltre al libro, 22 foto, 3 haiku e 3 racconti tradizionali). Un viaggio in un’atmosfera onirica e meditativa, un’immersione inedita e profonda nella cultura giapponese in dialogo con quella occidentale.

Il volume raccoglie una selezione di immagini dal progetto “Ultimate Landscapes” di Claudio Orlandi, che dal 2008 fotografa i ghiacciai del nostro arco alpino nel periodo estivo, quando sono ricoperti da speciali teli geotessili studiati appositamente per limitarne lo scioglimento causato dalla crisi climatica. «Gli scatti di Orlandi non rivelano immediatamente ciò che in realtà rappresentano. L’abile lavoro del fotografo consiste nel suggerire agli occhi di chi osserva forme e linee che deviano lo sguardo, affascinando sia con i giochi di contrasto e cromie, sia attraverso l’astrazione geometrica (A. Locatelli)». «Si possono ammirare superfici che paiono […] silenti composizioni senza tempo, tra pendenze impressionanti e assesti transitori, e soprattutto panneggi marmorei di estrema drammaticità emotiva. Quello che di fronte a queste fotografie emerge però più di tutto, è la magnificenza di un paesaggio che, pur se sfregiato, in bilico, mantiene intatta la sua bellezza, la sua memoria primigenia» (B. Martusciello). Il racconto visivo di Claudio Orlandi è meditato, intriso di poesia, l’interpretazione artistica di ogni suo scatto dona un’esperienza sensoriale di grande impatto.

Questo catalogo rende omaggio all’attività artistica di François Canavy (1941-2021) a tre anni dalla scomparsa. Dagli anni ’70 ai ’90 documentarista e decoratore presso la maison Van Cleef et Arpels, raffinato collezionista di dipinti, sculture e pregiati manufatti, Canavy ha parallelamente portato avanti la sua personale ricerca artistica, il cui autentico interesse è testimoniato dall’apprezzamento che Jean Dubuffet ha manifestato in un insieme di lettere, pubblicate per la prima volta in Italia in questo volume (grazie alla Fondation Dubuffet) nella loro versione originale e nella traduzione italiana. Il titolo “Corrispondenze” riguarda anche il rapporto di amicizia e dialogo artistico che Canavy ha intessuto con Francesco Proia, ideatore e curatore del catalogo e dell’omonima mostra romana, al quale, nel corso di vari decenni, sono destinate via posta le opere di mail art qui raccolte, collage su buste in cui indirizzo e affrancatura sono integrati nella composizione. Nel catalogo sono presenti anche tre opere recenti di Proia, che fanno da contrappunto a quelle di Canavy. Il volume contiene gli scritti di Isabelle Léonard, Stefano Geraci, Pasquale Polidori, Francesco Proia.

«Equilibri, curvature, magnetismo, attrito, induzione, trazione, gravità: sono processi fisici reali, misurabili nel nostro Universo ed esplicitamente dichiarati tra gli elementi primari di cui si compongono le opere di Emmanuele De Ruvo.[…] L’attrito a cui sono soggette le sue opere è un impedimento alla libertà personale, l’attrazione magnetica una forza che costringe, il punto di equilibrio di un oggetto uno stato emotivo fragile o soggetto a una rottura, mentre alcune opere possono essere metafore di lutti familiari o tragici eventi storici. Come dichiara lui stesso, le sue opere possono rappresentare "l’essere umano sottoposto alle forze incombenti della società" o perfino "smascherare e denunciare i "sistemi di controllo" della società contemporanea e la conseguente creazione e imposizione del limite"» (Marco Tonelli).

Una disamina serrata e feroce sulla pedofilia, la pederastia e la pratica della sodomia. Giuseppe Garrera affronta, alla luce di Pasolini e attraverso documenti e testimonianze, i temi più scabrosi e ottusi del dibattito intorno allo scrittore. Nel saggio, le indagini di Pasolini sulla famiglia vengono indicate come tra le più illuminanti e sconcertanti mai svolte intorno al funzionamento delle strutture del potere e dell'inganno della libertà sessuale: l'insincerità della coppia, la falsa tolleranza verso i gay, l'impostura della lingua e della norma eterosessuale, il potere patriarcale, le madri serve dei figli e responsabili della trasmissione dei valori del maschilismo. «La società borghese tollera e accetta gli omosessuali, o meglio è arrivata a tollerarli e accettarli a condizione che entrino nel perimetro moralistico e ingiuntivo borghese, che mostrino di aspirare alle gioie dell'eterosessualità come ideologia. In primo luogo devono formare una coppia […]. Ci si auspica poi, e così sarà, che all'interno della coppia gay sia possibile riconoscere per i parenti, i condomini, per tutti, chi è "la femmina", e chi"“il maschio", chi fa di fatto il marito e chi la moglie».

Il catalogo, pubblicato in occasione della mostra di Bruno Lisi promossa dal Polo Museale della Sapienza nel decennale della scomparsa dell'artista, propone uno sguardo d'insieme su oltre cinque decenni di attività. La ricerca di Lisi — sempre aggiornata, ma leggermente fuori sincrono rispetto alle mode del momento, autonoma e solitaria — può essere letta come un continuum di rimandi e rielaborazioni che dai particolari naturalistici passa per la figura umana sempre più dissezionata e osservata in maniera talmente ravvicinata da diventare talvolta indecifrabile (Francesca Gallo). Dagli anni Ottanta, senza abbandonare il lavoro pittorico, Lisi si allontana progressivamente dalla figurazione: dai monocromi blu, in cui permane un’eco ancora naturalistica, alle variazioni sul segno lineare, lungo un percorso che, come scrive Marisa Volpi nell’intervista del 1984, è sinonimo di libertà e azzeramento. I testi in catalogo sono di Camilla Boemio, Patrizia Ferri, Francesca Gallo, Francesco Moschini, Marcello Venturoli, Marisa Volpi.

Libri dimenticati sono quelli che rimangono dalla chiusura di Aelia Laelia, la casa editrice fondata nel 1982 da Carlo Bordini insieme a Giorgio Messori, Daniela Rossi e Beppe Sebaste. Ne ricostruisce la storia Silvia Bordini, sullo sfondo di ricordi personali e del clima culturale e ideologico di tempi passati, per delineare un ritratto inedito e intenso del fratello Carlo, scomparso nel 2020. Il libro è un tributo a un poeta che si era affermato nel mondo letterario «in una maniera appartata, tenace e selettiva tutta sua» e che aveva dato vita a un’avventura editoriale i cui protagonisti «volevano essere diversi, autonomi dalle maglie del sistema letterario, liberi di scegliere libri "impubblicabili" da proporre come "libri felici" e come "doni"». In questo volume si intrecciano la voce narrante dell’autrice, quella dei fondatori di Aelia Laelia e quella di un piccolo gruppo di amici scrittori che raccontano ciascuno il proprio “libro dimenticato”. Questa polifonia ci ricorda che le intermittenze tra scrittura e memoria funzionano come un organismo in divenire in cui dialogano presenze e assenze, tracce del tempo, situazioni, immagini e persone.

L’intensa esperienza artistica che tra il 1970 e il 1974 precede il disegno e la pittura – la primitiva fase comportamentale di Ferruccio De Filippi, oggetto di questo "Solventi" – si distilla nei nuclei che corrispondono alle sezioni del volume: il corpo dell’artista equivalente al seme di un’archeologia futura e punto di origine di un tempo aperto all’imponderabile arrivo del senso; crisi della lettura in quanto atto di visione lineare; il concetto di posizione di sé, figura e statua, assunto fra i princìpi strutturali del fare artistico; formazione di un lessico operativo che include cose e persone, libri e materie viventi, forme geometriche e forme narrative. All’esposizione di questo percorso attraverso gli scritti di De Filippi e le oltre centoquaranta fotografie, per la gran parte inedite, scattate da Mariella Bolzoni, fanno da contrappunto costante le riflessioni di Pasquale Polidori, nei modi di un dialogo tra artisti che intende l’interpretazione, la scrittura e la cura editoriale come componenti dell’opera visiva. Il libro, corredato da una fascetta e da un piccolo manifesto, è stampato in 250 copie numerate e confezionato come un vero e proprio oggetto d'arte.

Claudioadami esordisce collocandosi vicino alla “Nuova Pittura” romana. Alla fine degli anni '70, con la fotografia, attua un processo di riproducibilità che lo conduce all’annullamento dell’immagine e poi all’idea di trasporre reiteratamente su vari supporti gli scritti di Samuel Beckett, verso un lavoro che privilegia il suo procedere, dove la parola si tramuta in segno grafico e, nel suo accumularsi, diventa superficie dipinta. «In questo procedimento di regole rigorosamente definite è possibile scorgere, nell’esercizio quotidiano, un fatto privato e intimo, quasi meditativo, una necessità per l’artista, che attraverso questa strada introduce tratti della sua esistenza» (D. Borromeo). «Le opere di claudioadami ci fanno cogliere il tempo come dissolto proprio nel momento in cui ci imbattiamo nell'incertezza, nell’aporia dell’immagine e della rappresentazione. È come se, ogniqualvolta proviamo a percepire il tempo in presa diretta, ci rendessimo conto che non possiamo esperire alcun evento senza collocarlo all’interno di una “scena” che lo contenga e che ne accolga il significato» (M. de Candia).

Nel percorso artistico di Luigi Battisti – attivo a Roma dagli anni Novanta dopo essersi formato all'Accademia di Belle Arti dell'Aquila – il ciclo pittorico di Ninfee è una tappa fondamentale: un imponente insieme di grandi carte su cui si depositano controllate velature di acquerello che all’interno di una griglia predefinita definiscono una composizione a schema ortogonale in cui a un’osservazione prolungata dalla giusta distanza si rivelano le forme a losanga. La vibrazione cromatica delle Ninfee riporta alla memoria dell’occhio la pulsazione tra piano e tridimensionalità e con essa la medesima esigenza di mobilità dello sguardo.