Electa: Cataloghi di mostre. Arte

Il catalogo è edito in occasione della partecipazione dell'artista Manal AlDowayan al Padiglione nazionale saudita alla 60 Esposizione Internazionale d'Arte, Venezia, 20 aprile - 24 novembre 2024. L'opera, "Shifting Sands: A Battle Song", propone una riflessione sul ruolo in evoluzione delle donne saudite nella sfera pubblica e al loro continuo viaggio per affermare il loro posto e rimodellare le narrazioni che le hanno storicamente definite. Nell'installazione il pubblico è invitato a farsi strada attraverso un labirinto di seta stampata su larga scala, di elementi scultorei simili a petali che prendono le loro forme dalla rosa del deserto. La superficie di queste sculture è serigrafata con testi scritti sulle donne saudite, una cacofonia di opinioni mediatiche, che hanno avuto un profondo impatto sulla loro percezione e hanno oscurato la loro stessa auto-rappresentazione. Giunti al centro dell'opera, avviene uno spostamento: le donne saudite si proclamano coraggiosamente, lanciando un grido di battaglia di coraggio e solidarietà. Preziose le parole dell'artista: "Spero che quest'opera d'arte incoraggi le donne a guardare dentro se stesse e ad appoggiarsi alla loro comunità femminile, a trovare la loro voce e il loro spazio all'interno di questo nuovo capitolo della storia, gran parte del quale è ancora non scritto". I testi sono di: Jessica Cerasi, Maya El Khalil, Iwona Blazwick, Ruba Al-Sweel, Camille Morineau, Ghada AlMuhanna, Fawziyya AbuKhalid.

Il cofanetto racchiude due volumi pubblicati in occasione della mostra L'ultimo ritratto: Mazzini e Lega, storie parallele del Risorgimento , allestita a Roma al Vittoriano dal 31 maggio all'8 settembre 2024. Il primo volume, a cura di Edith Gabrielli e con la consulenza storica di Giuseppe Monsagrati, fa perno su Gli ultimi momenti di Giuseppe Mazzini , il celebre dipinto di Silvestro Lega, eccezionalmente concesso in prestito dal Museum of Art, Rhode Island School of Design di Providence, negli Stati Uniti, al VIVE - Vittoriano e Palazzo Venezia. La pubblicazione contiene saggi di Edith Gabrielli, Giuseppe Monsagrati, Maria Pia Critelli, Marco Pizzo, Giovanni Belardelli, Tsugumi Maki, Maureen C. O'Brien e Elisabetta Matteucci. I loro contributi da un lato approfondiscono il ruolo che Mazzini attribuì alla comunicazione tradizionale e di massa, come pure al controllo e alla diffusione della propria immagine pubblica, dall'altro illustrano l'importanza de Gli ultimi momenti nel percorso stilistico di Silvestro Lega e nell'intero immaginario del movimento repubblicano. Il secondo, intitolato Giovanni Spertini e un inedito busto di Giuseppe Mazzini del 1878 , è interamente dedicato a un'importante e recente acquisizione del VIVE. Il testo di Edith Gabrielli inserisce il busto marmoreo nel percorso artistico e professionale di Spertini, mettendola in relazione con le altre opere dedicate a Mazzini e, più in generale, ai protagonisti del Risorgimento. Entrambi i volumi sono contraddistinti da un ricco apparato illustrativo: il primo, in particolare, contiene una sequenza dei ritratti di Mazzini realizzati con diverse tecniche artistiche e un vero e proprio album sul dipinto di Silvestro Lega; il secondo, gli esiti della campagna fotografica realizzata per l'occasione da Mauro Magliani.

Il volume è il catalogo della mostra omonima allestita a Nizza, presso il Musée des Beaux-Arts Jules Chéret dall'8 giugno al 29 settembre 2024, in occasione dei centocinquanta anni della nascita dell'impressionismo. Rifiutati dal Salon ufficiale che riuniva artisti legati all'Académie des Beaux-Arts della capitale francese, 30 giovani pittori si riuniscono nello studio del fotografo Felix Nadar, dove espongono 63 opere. Tra i giovani dissidenti Edgar Degas, Paul Cézanne, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Claude Monet. E una sola pittrice: Berthe Morisot (1841-1895). La mostra e il catalogo che l'accompagna evocano i due soggiorni di Morisot in Costa Azzurra negli inverni 1881-1882 e 1888-1889 durante i quali la luce, la vegetazione e la stessa città di Nizza furono la sua fonte di ispirazione. Attraverso più di 80 opere, documenti fotografici e d'archivio emergono, toccando aspetti inediti, l'intera carriera e vita privata di Morisot, che ha condiviso il suo percorso intimo, familiare e professionale non solo con i più grandi artisti dell'epoca, ma anche con scrittori come Stéphane Mallarmé ed Emile Zola. Il catalogo, riccamente illustrato, dà conto delle più recenti novità scientifiche e contiene il corpus integrale della corrispondenza della pittrice durante i soggiorni in Costa Azzurra, nonché un quaderno di schizzi inedito e un vasto corpus documentario. L'esposizione sarà allestita successivamente a Genova, presso il Palazzo Ducale, dall'11 ottobre 2024 al 23 febbraio 2025, accompagnata dall'edizione italiana del catalogo.

Due sedi, un progetto unitario, un catalogo unico. Attraverso i due appuntamenti "La luce e il colore" (Firenze, Palazzo Pitti, Andito degli Angiolini, 16 aprile - 30 giugno 2024) e "La forma e il simbolo" (Venezia, Ca' Foscari Esposizioni, 17 aprile - 29 settembre 2024), promossi e sostenuti dalla Fondazione per lo Sviluppo dell'Arte e della Cultura dell'Uzbekistan (ACDF), per la prima volta in Europa si presenta l'affascinante sviluppo della pittura in Uzbekistan dalla fine del XIX secolo, quando si avvia in Centro-Asia un'esperienza di pittura da cavalletto, a dopo la metà degli anni '30, il momento che segna l'avvento dei dettami del Realismo Socialista. In poco più di vent'anni si compie una straordinaria e feconda interazione tra le tendenze artistiche più aggiornate dell'avanguardia europea, filtrate dal milieu artistico e culturale russo, con la cultura artistica islamica, che da secoli dominava l'Asia centrale, e con la lunga tradizione uzbeka dell'ornamentalismo, che connotava l'arte, l'architettura e le arti applicate di quelle terre. Dopo la Rivoluzione d'Ottobre il Commissariato del Popolo per l'istruzione invia in Uzbekistan una cinquantina di opere dell'Avanguardia storica; dalla fine degli anni '50 Igor' Savickij raccoglierà a Nukus una enorme quantità di reperti archeologici, manufatti di artigianato e arte popolare, opere e fogli di grafica di artisti uzbeki e sovietici, dando vita alle straordinarie raccolte del museo che oggi porta il suo nome. L'esito di questa commistione sono le straordinarie raccolte dei musei di Stato uzbeki di Nukus e Tashkent, di cui viene presentata un'accurata selezione, esposta e pubblicata per la prima volta in Europa. Il catalogo, curato da Giuseppe Barbieri e Silvia Burini, professori dell'Università Ca' Foscari di Venezia e direttori del Centro Studi sull'Arte Russa, affronta, attraverso una serie di saggi, la contestualizzazione storica e culturale di questa fittissima fase, illustrandola con le 175 opere in mostra.

Marco (I Mark) e Marco (We Mark) nascono, nel 2019, dall'invito dell'artista al fratello Marco Toderi, agronomo, a realizzare una serie di immagini volte a registrare spazi deserti, scelti e "marcati" dal passaggio e dal proprio sguardo. Tali immagini proiettate evocano la terra o i meandri più nascosti del corpo umano, altri pianeti o le profondità del cosmo. Appaiono sistemi di misura. Luminosi goniometri e mirini attraversano lo spazio dell'Accademia Nazionale di San Luca incrociando i corpi dei visitatori e rendendoli consapevoli della propria natura di portatori di luce e ombra.

Il volume è il catalogo della mostra "Il tocco di Pigmalione. Rubens e la scultura a Roma" alla Galleria Borghese di Roma (14 novembre 2023 - 18 febbraio 2024). La pubblicazione restituisce l'intenso dialogo di Rubens con la scultura: non solo quella antica, appassionatamente 'riportata in vita' dall'artista fiammingo nei disegni realizzati nel corso del suo importantissimo soggiorno italiano (1600-1608), ma soprattutto quella moderna. Della produzione plastica rinascimentale (in primis Michelangelo) Rubens fu tenace osservatore, di quella a lui contemporanea fu fervido ispiratore e spesso un inatteso punto di riferimento anche per gli scultori italiani. Grazie al suo patrimonio straordinario, il museo romano mette in scena confronti altrove impossibili, a iniziare da quelli tra la grafica di Rubens e i marmi di Gian Lorenzo Bernini. Inoltre, la mostra e il catalogo valorizzano l'importanza per l'artista di Anversa del modello tizianesco, ancora compulsato dai suoi seguaci fiamminghi negli anni venti proprio dentro alle sale della dimora pinciana. Con un percorso inedito, non privo di affondi leonardeschi e caravaggeschi, la pubblicazione celebra Rubens e il suo tocco di Pigmalione, alla ricerca di una nuova definizione del naturalismo seicentesco.

Il volume è il catalogo della mostra "Il tocco di Pigmalione. Rubens e la scultura a Roma" alla Galleria Borghese di Roma (14 novembre 2023 - 18 febbraio 2024). La pubblicazione restituisce l'intenso dialogo di Rubens con la scultura: non solo quella antica, appassionatamente 'riportata in vita' dall'artista fiammingo nei disegni realizzati nel corso del suo importantissimo soggiorno italiano (1600-1608), ma soprattutto quella moderna. Della produzione plastica rinascimentale (in primis Michelangelo) Rubens fu tenace osservatore, di quella a lui contemporanea fu fervido ispiratore e spesso un inatteso punto di riferimento anche per gli scultori italiani. Grazie al suo patrimonio straordinario, il museo romano mette in scena confronti altrove impossibili, a iniziare da quelli tra la grafica di Rubens e i marmi di Gian Lorenzo Bernini. Inoltre, la mostra e il catalogo valorizzano l'importanza per l'artista di Anversa del modello tizianesco, ancora compulsato dai suoi seguaci fiamminghi negli anni venti proprio dentro alle sale della dimora pinciana. Con un percorso inedito, non privo di affondi leonardeschi e caravaggeschi, la pubblicazione celebra Rubens e il suo tocco di Pigmalione, alla ricerca di una nuova definizione del naturalismo seicentesco.

Il volume è il catalogo della mostra omonima che la Casa di Goethe dedica a un eccezionale artista modernista: Max Peiffer Watenphul (Weferlingen,1896 - Roma, 1976). Irrequieto, indipendente ed eclettico, fu studente del Bauhaus di Weimar, dove sviluppò un singolare stile figurativo. Finora poco considerato dalla storia dell'arte, Max Peiffer Watenphul era molto ben inserito nell'avanguardia artistica degli anni Venti. Era un pittore di città e di paesaggi, un appassionato fotografo di soggetti dall'identità idiosincratica e un vivace viaggiatore, soprattutto dopo che un suo dipinto fu esposto alla mostra "Arte Degenerata" nel 1937. Per Peiffer Watenphul l'Italia era una meta prediletta che visitò molte volte e dove visse dopo il 1945.

Il volume accompagna la mostra a cura di Clemente Marconi allestita al MANN dal 5 aprile al 27 agosto 2023, in occasione del cinquantesimo anniversario della morte di Pablo Picasso. Il catalogo, come la mostra, intende ricostruire il clima generale delle visite a Napoli dell'artista e l'incontro con una città le cui tradizioni suggerirono motivi d'ispirazione che si ritrovano frequentemente nelle sue opere e, allo stesso tempo, vuole presentare il MANN come allestito all'epoca della visita di Picasso, ricostruendo, di fatto, le suggestioni visive che lo influenzarono, istituendo un dialogo diretto tra le opere antiche e quelle picassiane. L'impatto del viaggio in Italia del 1917 sulla produzione dell'artista è da tempo noto e riconosciuto da diversi studiosi e lo stesso vale, all'interno di quel viaggio, per i due soggiorni dell'artista a Napoli, quando ebbe l'occasione di visitare sia il Museo archeologico sia gli scavi di Pompei. Le opere d'arte di Roma, Napoli e Firenze hanno portato a un decisivo rafforzamento della tendenza di Picasso verso il naturalismo, che si è manifestato in forme esplicitamente classicheggianti, ben riconoscibili nella grande maggioranza dei dipinti e disegni non cubisti degli anni dal 1917 al 1925, il "secondo periodo classico", e quindi nell'opera grafica classicheggiante degli anni Trenta. "Siamo di fronte al più raffinato dialogo mai composto fra i disegni e le opere del Maestro e le statue e gli affreschi delle collezioni Farnese e pompeiane. Nessun museo al mondo poteva costruire una simmetria del genere. L'esposizione ribadisce l'assoluta continuità del pensiero artistico fatto di lasciti e rielaborazioni innovative." (Paolo Giulierini, direttore del MANN).

Jan Fabre torna a Napoli con due nuove installazioni permanenti, veri e propri omaggi alla tradizione e alla spiritualità della città partenopea tradotti nel linguaggio simbolico e poetico del grande artista fiammingo. Dopo aver realizzato quattro sculture in corallo per il Pio Monte della Misericordia, in dialogo con il capolavoro di Caravaggio Sette Opere di Misericordia, Fabre è chiamato ora a misurarsi con due luoghi estremamente importanti per la città e per i suoi abitanti: la cappella di San Gennaro e la chiesa di Purgatorio ad Arco. Il corallo è protagonista anche in questi due sorprendenti nuovi lavori, che attingendo alla tradizione locale della lavorazione di questo materiale spingeranno ai massimi livelli il suo utilizzo in arte contemporanea. Il libro raccoglie saggi critici su questi nuovi lavori di Jan Fabre e contributi storico-artistici sui due luoghi di culto e la loro storia, nonché un'ampia documentazione fotografica delle opere allestite, rivelando il suggestivo dialogo con particolari architettonici e scultorei della Cappella di San Gennaro e della chiesa del Purgatorio ad Arco.

Il volume è il catalogo della mostra, promossa dalle Gallerie degli Uffizi e dal Museo dei Bozzetti di Pietrasanta, allestita nella città della Versilia dal 19 novembre 2022 al 19 febbraio 2023. La mostra ha come protagonisti dodici celebri artisti: Francesco Messina, Costantino Nivola, Ugo Guidi, Pietro Consagra, César Baldaccini, Arturo Carmassi, Marcello Tommasi, Dani Karavan, Niki de Saint Phalle, Jean Michel Folon, Igor Mitoraj, Helidon Xhixha, i quali nel corso delle loro carriere hanno trascorso periodi più o meno lunghi a Pietrasanta, lavorando a stretto dialogo con gli artigiani toscani e creando un dialogo prezioso fra la tradizione scultorea e artigianale e i linguaggi della contemporaneità. Tale tangenza è restituita in mostra e nel catalogo, dagli autoritratti di questi protagonisti dell'arte del Novecento, ora parte delle Collezioni delle Gallerie degli Uffizi, affiancati ai bozzetti, custoditi nel museo di Pietrasanta nonché da un ricco corredo documentario che testimonia ulteriormente la vicinanza e la collaborazione con cultura artigianale e artistica locale. Il catalogo è introdotto da tre saggi storico-curatoriali a firma di Monica Alderotti, Vanessa Gavioli, rispettivamente assistente del direttore e curatore delle Gallerie degli Uffizi e Chiara Celli, direttrice del Museo dei Bozzetti ed è arricchito da puntuali schede dedicate alle opere esposte, importante strumento di conoscenza delle collezioni. Edizione in inglese, traduzione di Sonia Hill per Scriptum, Roma.

Il volume è il catalogo della rassegna dedicata a Francesco Somaini, allestita a Milano dal 1° luglio all' 11 settembre 2022 in tre sedi: Palazzo Reale, Museo del Novecento e Fondazione Somaini. Una mostra diffusa, che ripercorre l'opera del maestro conosciuto a livello mondiale, a partire dagli anni della formazione e fino all'ultima stagione, dando conto dei vari ambiti della sua multiforme ricerca creativa, talora condotta in collaborazione con protagonisti della cultura milanese, come Lucio Fontana e Luigi Caccia Dominioni. La plurale articolazione della mostra è restituita e ulteriormente sviluppata nella pubblicazione che si propone come un'approfondita monografia, più che un tradizionale catalogo. I tre nuclei espositivi si ritrovano in tre principali affondi storico critici, a firma di Francesco Tedeschi, Fulvio Irace e Alessandro Del Puppo, a loro volta completati da una serie di approfondimenti monografici su specifiche vicende della carriera dello scultore e opere particolarmente rilevanti come il celebre Monumento ai Marinai d'Italia. Tali cammei monografici sono a firma di Paolo Campiglio, Giovanna Calvenzi, Danka Giacon, Emanuele Greco, Marco Sammicheli e Chiara Rampoldi. La pubblicazione è poi completata da una ricca sezione di apparati.