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Preziosi oggetti e arredi di epoca rinascimentale, con particolare attenzione al mondo orientale, rappresenteranno l'occasione per rivelare i rapporti tra la Corte urbinate e l'Oriente durante la grande stagione del Montefeltro, in una affascinante mostra: "Il Montefeltro e l'Oriente Islamico. Urbino 1430-1550. Il Palazzo Ducale tra Occidente e Oriente". Il desiderio del direttore della Galleria Nazionale delle Marche, Peter Aufreiter e di Alessandro Bruschettini, dell'omonima Fondazione per l'Arte Islamica ed Asiatica, è quello di mostrare come il Palazzo Ducale di Urbino, soprattutto attraverso l'arredo tessile, - in primis arazzi e tappeti -, fosse un luogo di ineguagliabile splendore al tempo di Federico e del primo periodo roveresco.

Bozar di Bruxelles e Musei Reali di Torino si uniscono per costruire un omaggio alla Spagna attraverso il racconto della nascita e dello sviluppo della natura morta, genere nel quale i due paesi vantano una consolidata tradizione artistica. Ma proprio il caso spagnolo, con la sua commistione di influenze fiamminghe e italiane, rappresenta una peculiarità nel panorama europeo. Intorno alle prove di grandi artisti come Cotán, Velásquez, Meléndez e Goya, la mostra traccia il percorso di sviluppo di questo genere attraverso due secoli di produzione. Dalla silente concentrazione delle tele del Seicento, con l'indagine accurata e preziosa degli oggetti della vita quotidiana e della natura, attraverso le trionfanti composizioni barocche, ricche di decorazioni floreali e intrise di significati simbolici, si arriva all'età delle accademie e alla consacrazione del genere all'interno dei canoni artistici. Un itinerario che attraversa 35 opere provenienti da grandi musei d'Europa e d'America e da importanti collezioni private, suddivise in sette sezioni che marcano le fasi salienti della storia: le origini; i bodegones; i floreros; tavole e cucine; le vanitas; il primo Settecento...

Quello dei giardini è il tema cui Lawrence Beck si è dedicato negli ultimi cinque anni di lavoro e rappresenta il culmine della sua visione artistica che parte dal concetto tradizionale di fotografia come documento. In questo ciclo Beck si dedica al rapporto tra uomo e natura, concentrandosi su paesaggi in cui s'inseriscono alcuni dei capolavori più importanti dell'architettura italiana. Il percorso espositivo, infatti, parte idealmente da Villa Pisani di Stra (VE) progettata da Andrea Palladio, per poi toccare Villa Bardini di Firenze, Villa Reale di Marlia (LU), Villa Lante di Viterbo che conserva uno dei più famosi giardini manieristi del XVI secolo, la settecentesca residenza di Villa Della Porta Bozzolo alle porte di Varese, Villa Sorra di Castelfranco Emilia, significativo esempio del barocchetto emiliano, per chiudersi a Palazzo Ducale di Sassuolo con la sua facciata barocca disegnata da Bartolomeo Avanzini. Conosciuto per le sue fotografie di larghe dimensioni, Lawrence Beck da anni immortala paesaggi naturali illuminati da una luce diffusa e soffice che fotografa con il metodo tradizionale della pellicola, producendo così effetti molto diversi dalle istantanee.

Stanziale a Nizza dal 1986, Armand Scholtès è uno tra gli artisti francesi più conosciuti, la cui arte abbraccia più di cinque decenni. Il suo lavoro è proteiforme: dall’olio su tela alle installazioni, dalla scultura alle opere su carta. Per i primi 10 anni dalla riapertura del Museo Internazionale della Profumeria, presenta una selezione di opere grafiche a tema paesaggio. Al contempo viene presentato un giardino di forme: un’unica installazione che combina tra loro piani colorati e piani vegetali, collocata nei giardini del Museo Internazionale dei Profumi a Mouans-Sartoux. Il catalogo rappresenta una rassegna delle sue opere più significative, incluso il modello del giardino di forme.

Il volume prende in considerazione la cupola del più importante edificio sacro genovese: la Chiesa Metropolitana di San Lorenzo, Cattedrale di Genova. La struttura, recentemente sottoposta ad un accurato intervento di restauro, costituisce anche la prima opera genovese dell'architetto perugino Galeazzo Alessi, che la edificò intorno alla metà del XVI secolo, introducendo così questo archetipo architettonico nella città, dove in precedenza era sconosciuto. Il volume contiene anche un resoconto molto accurato del complesso intervento di restauro, concluso nei primi mesi del 2018, che ha comportato una serie di capillari analisi diagnostiche e la risoluzione di una vasta gamma di problematiche strutturali, conservative, tecniche ed estetiche. Sostituendo il tiburio di origine medievale con questo nuovo tipo di coronamento della parte sommitale degli edifici sacri, basato sui modelli illustri dell'architettura romana rinascimentale, Alessi apriva così la via ai successivi sviluppi dell'edilizia sacra genovese seicentesca.

Questo volume si snoda, per campionature, su un doppio binario, percorre una doppia strada all’interno della variegata opera di Alighiero e Boetti. La strada maestra del ricamo e quella altrettanto importante, parallela e quasi speculare della biro. “Quel che la biro rappresenta (rappresentava) per un occidentale, per un afghano è il ricamo, che come una memoria sovraindividuale reca in sé parti della biografia collettiva” ha scritto Jean Christophe Amman, sottile interprete del lavoro di Alighiero Boetti. Si tratta di un concetto che Boetti aveva espresso più volte, ma che Amman mette a fuoco nell’aspetto principale: l’essere ambedue espressioni di memoria collettiva, media attraverso cui un’intera comunità parla. L’aspetto dell’anonimato era fondamentale per l’operazione di Alighiero. È il concetto che rende possibile il suo ruolo di regista, di centrale creativa, sulla base del principio di delega alla manualità altrui. Le mani che intessono gli umili fili di cotone colorato e che vergano i tratti della più povera delle penne infondono all’opera energie che vanno a moltiplicare in modo esponenziale l’energia dell’artista che viene restituita a tutti noi liberandosi nel tempo.

Il Museo Nazionale del Bargello ospita la più importante raccolta di sculture robbiane al mondo. In esposizione temporanea (novembre 2017 - aprile 2018) la lunetta Resurrezione di Giovanni della Robbia che torna in Italia per la prima volta, dopo oltre un secolo, concessa in prestito dal Brooklyn Museum di New York. La mostra è realizzata in collaborazione con Marchese Antinori Spa, che ha finanziato il restauro della lunetta nel 2016. Insieme alla lunetta saranno presentate una tela di John Singer Sargent e un'installazione di Stefano Arienti.

La stagione del Barocco genovese ha in Domenico Piola (1628-1703) il rappresentante più significativo. Il contatto con stimoli di alto livello - dalle proposte di Rubens alla produzione di Giulio Cesare Procaccini, dalla riscoperta degli emiliani rinascimentali (Correggio e Parmigianino) al recepimento delle novità giunte dalla Roma berniniana - rese possibile un precoce legame con il geniale Valerio Castello, formalizzato in una collaborazione che, tra la fine degli anni quaranta e l'intero decennio centrale del secolo, diede vita a una nuova proposta di decorazione. La morte improvvisa di Castello (1659) significò per Piola l'avvio di un monopolio incontrastato nei maggiori cantieri dell'affresco, aperti in palazzi, ville, chiese e monasteri della città, e di una produzione straordinariamente ingente di pale d'altare e di tele per quadrerie, realizzate con l'apporto dei numerosi membri della sua casa-bottega.

Siamo abituati a pensare a Santa Margherita come ad un'amena località marittima, con una specifica vocazione turistica di alto livello, che trova nelle splendide architetture novecentesche di villa e di albergo la sua cifra espressiva più nota. Ma il topos dell'immaginario mediterraneo contemporaneo come borgo di marinai e pescatori trasformato in perla turistica dal sistema dell'hotellerie internazionale della Belle Epoque non rispecchia affatto la lunga storia civile e artistica di Santa Margherita, che questo libro ci restituisce nella sua complessità. Il volume rappresenta l'esito di un'imponente opera di restituzione della memoria culturale di Santa Margherita, condotta dai curatori Stefania Bianchi e Giorgio Rossini. Il fatto che quest'ultimo sia stato a lungo Soprintendente per i beni architettonici e paesaggistici della Liguria non appare certamente secondario in questo processo, collegandosi direttamente alla sua azione di tutela e a quella delle Soprintendenze gli interventi di indagine e restauro sugli edifici e le opere d'arte descritti in questo libro.

Corrado Cagli è il maestro che supera il secolo cui ha dato luce, perché moderno per il tempo a venire, per testimoniata eticità e per avere intuito, per altezza d’ingegno e personale concezione dell’arte, che, nel vivente universo, macrocosmo e microcosmo hanno d’immutabile solo il mutamento. Le sue logiche multiple sono indicativamente esemplari per l’arte che oggi fa i conti con la realtà. Ricerche spaziali, motivi cellulari, esperienze informali, danno l’esempio di un fervore immaginativo aperto alla più ampia ricerca. Il maestro indiscusso passa dal totemismo ai grandi poeti, dalla figurazione allegorica ai labirinti di Psiche, dai ritratti alle logiche ritmico strutturali, ai miti mediterranei, alle maschere, alle scene e costumi teatrali, irripetibile, indocile alle sovrastrutture, laico e forte di una religiosità aperta, conciliata a ogni ricchezza spirituale. Cantò la natura, investigò nel cuore dei poeti, interpretò la cronaca e la storia, rese onore agli eroi, quelli ignoti e quelli celebrati dal mito, incontrò contadini, guerrieri e briganti.

"Mangiare con gli occhi" indaga i rapporti tra il cibo e la sua rappresentazione nell'arte attraverso temi e soggetti iconografici ricorrenti, e le loro differenti modalità rappresentative, in un percorso nel tempo che mette a confronto il vasto repertorio delle opere del passato con la contemporaneità. I pittori hanno spesso proposto la sensorialità del cibo come seduzione: "gustare" l'opera d'arte, "assaporarne" i dettagli, diventa un gioco estetico oltre che un modo inconsueto di accostarsi alla sua comprensione. Gli alimenti, i rituali della tavola, l'arte del mangiare e della condivisione del cibo che gli artisti hanno rappresentato, svelano infatti tradizioni, stili di vita, relazioni affettive e sociali.