Taschen: Basic Art

Tanto criptici quanto irresistibili, i capolavori di Hieronymus Bosch (ca. 1450–1516) restano tra gli enigmi più tenaci del mondo dell'arte. Il loro contenuto intricato, allegorico e spesso sconcertante ha affascinato non solo gli storici dell'arte, ma anche designer della moda, rockstar, scrittori e musicisti punk, come pure innumerevoli suoi eredi in epoca moderna e contemporanea. Benché radicato nella tradizione dei Primitivi fiamminghi, Bosch sviluppò uno stile personalissimo estremamente suggestivo per raffigurare tanto la celestiale beatitudine del Paradiso quanto i grotteschi supplizi dell'Inferno, realizzati con particolare meticolosità nel celeberrimo Trittico del Giardino delle delizie. In questa come nelle altre opere note di Bosch, il suo linguaggio artistico coniugò scrupolosa modestia e umorismo tagliente, inscenando spesso trasposizioni pittoriche di proverbi e modi di dire a lui contemporanei. Questo libro raccoglie le fila sfuggenti della produzione di Bosch per offrire un'introduzione concisa a un universo pittorico al contempo inquietante e di grande fascino.

Oggi le opere di Vincent van Gogh (1853–1890) sono tra le più note e celebri al mondo. In tele come la serie dei Girasoli, Notte stellata, Autoritratto con l'orecchio bendato e tanti altri disegni e dipinti, possiamo riconoscere un artista straordinariamente abile a raffigurare luoghi e stati d'animo a matita, acquerello, gesso o carboncino. Tuttavia, mentre sperimentava i colori sgargianti, le pennellate decise e le forme dai contorni netti che l'avrebbero reso famoso, Van Gogh non lottava solo contro il disinteresse del pubblico a lui contemporaneo, ma anche contro terribili accessi di infermità mentale. Alla fine, gli attacchi di depressione e ansia di cui soffriva gli furono fatali quando, nel 1890, si suicidò poco dopo aver compiuto 37 anni. Questa introduzione a Vincent van Gogh, ricca di illustrazioni, ne ripercorre la storia dai primi dipinti raffiguranti contadini e braccianti al brillante periodo parigino, per approdare infine alla febbrile esplosione di creatività nel sud della Francia, durante i suoi ultimi due anni e mezzo di vita.

Pur contando appena 35 opere note, la produzione di Johannes Vermeer (1632–1675) è acclamata come una delle più importanti e suggestive della storia dell'arte. I suoi dipinti hanno ispirato un best seller del New York Times, un film con Scarlett Johansson e numeri record di visitatori nei musei di Amsterdam e Washington. I soggetti di Vermeer sono intenti in attività domestiche quotidiane come scrivere una lettera, suonare uno strumento o preparare da mangiare. Le scene lasciano stupefatti per la meticolosità dei dettagli, la maestosità dei piani di luce e la straordinaria capacità di Vermeer di far emergere intrecci narrativi. In dipinti molto amati come Donna in piedi alla spinetta, Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica e, soprattutto, l'enigmatica e affascinante Ragazza col turbante dagli occhi spalancati, Vermeer rievoca non solo gli effetti di materia e tessitura, ma anche le numerose storie e i segreti che si celano al di sotto della superficie. Corredata di riproduzioni di tutte le opere note di Vermeer così come di testi concisi e alla portata di tutti, questa introduzione fondamentale esamina il ruolo preminente di Vermeer nella storia dell'arte e la sua straordinaria capacità di trasformare la pittura a olio in scene di umanità dotate di vita propria.

L'opera della coppia di artisti formata da Christo (1935–2020) e Jeanne-Claude (1935–2009) sfugge a ogni classificazione. È un ibrido di arte, urbanistica, architettura e ingegneria, ma più di ogni altra cosa è l'affermazione di un'estetica assolutamente unica: interventi paesaggistici surreali ed eterei che hanno abbellito in egual misura monumenti, parchi cittadini e centri di potere. Questo volume compatto abbraccia l'intera carriera della coppia di artisti nati lo stesso giorno che, dopo essersi conosciuti a Parigi, si innamorarono e formarono un team creativo senza eguali. Ricco di illustrazioni, il libro spazia dai primi progetti degli anni '50 a The Floating Piers, installazione realizzata nel 2016 sul Lago d'Iseo. Oltre a celebrare tutti i più famosi interventi ecologisti della coppia, come The Gates a Central Park (New York) e Wrapped Reichstag a Berlino, il libro include anche foto di famiglia e alcuni dei primi disegni sconosciuti al grande pubblico.

Deriso in vita per lo stile e la scelta dei soggetti, Édouard Manet (1832-1883) è oggi considerato una figura cruciale nella storia dell'arte per il suo ruolo decisivo nel passaggio dal realismo all'impressionismo. Nelle sue opere, Manet combinò la tecnica pittorica con immagini straordinariamente moderne di vita contemporanea, tratte soprattutto dall'ambiente urbano parigino. Egli raffigurò i parchi, i bar e i cabaret della città, spesso con un gusto particolare per il trasgressivo e il provocatorio. La Colazione sull'erba fu rifiutato al Salon per l'accostamento di uomini completamente vestiti e una donna nuda, mentre Olympia, rielaborazione assai moderna della Venere di Urbino di Tiziano, fece scandalo per lo sguardo fisso e la posa sfrontata della prostituta ritratta. Questo libro, ricco di illustrazioni, offre un'introduzione all'opera di Manet e alla sua peculiare combinazione di realismo, impressionismo e rivisitazione di vecchi maestri, che avrebbe fornito modelli del tutto nuovi alle future generazioni di modernisti.

Deriso in vita tanto per lo stile quanto per i soggetti delle sue tele, il pittore francese Édouard Manet (1832–1883) è oggi considerato una figura cruciale nella storia dell'arte per il ruolo giocato nel passaggio dal realismo all'impressionismo. L'opera di Manet coniugò la tecnica pittorica con immagini straordinariamente moderne di vita contemporanea, ispirate soprattutto dall'ambiente urbano parigino. L'artista raffigurò i parchi, i bar e i cabaret della città, spesso indulgendo al brivido di contenuti trasgressivi o provocatori. Così, per esempio, il Salon rifiutò Colazione sull'erba per l'accostamento di uomini completamente vestiti e una donna nuda, mentre Olympia, rielaborazione assai moderna della Venere di Urbino di Tiziano, fece scandalo per lo sguardo fisso e la posa sfrontata della prostituta ritratta. Questo libro, ricco di illustrazioni, offre un'introduzione all'opera di Manet e alla sua combinazione straordinariamente influente di realismo, impressionismo e rivisitazione degli antichi maestri che avrebbe fornito modelli del tutto nuovi alle future generazioni di modernisti. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative

Nei progetti di Richard Neutra (1872-1970), interno ed esterno trovano la loro perfetta armonia modernista, grazie a superfici lisce che riflettono il sole californiano e grandi vetrate che offrono vedute panoramiche di monti, giardini, palme e piscine. Neutra lasciò Vienna, sua città natale, nel 1923, per trasferirsi a Los Angeles. Mostrò ben presto la sua attitudine scenografica con casa Lovell, posta su una collina affacciata sull'oceano Pacifico e le Santa Monica Mountains, e continuò a fondere arte, paesaggio e comfort anche negli edifici successivi, come casa Kaufmann e casa Nesbitt, spesso facendo compilare ai propri clienti questionari dettagliati per stabilire con precisione le loro esigenze. Questa introduzione riccamente illustrata presenta le opere principali della carriera di Neutra, strutture dai contorni netti immerse in paesaggi meravigliosi, e celebra un ramo particolarmente olistico del modernismo, che combina le linee frastagliate e i colori cangianti della natura con la geometria essenziale dello Stile internazionale.

Il progetto Case Study House (1945–1966) è stato un evento unico nella storia dell'architettura statunitense. Finanziato dalla rivista Arts & Architecture, si proponeva di rispondere al boom edilizio del dopoguerra con case-modello moderne facilmente riproducibili e all'immediata portata dell'americano medio. Concentrate nel distretto di Los Angeles, le Case Study Houses consistevano in 36 case-modello commissionate a importanti architetti dell'epoca come Richard Neutra, Raphael Soriano, Craig Ellwood, Charles e Ray Eames, Pierre Koenig, Eero Saarinen, A. Quincy Jones e Ralph Rapson. Le linee guida del programma prevedevano, tra le altre cose, “l'utilizzo, nei limiti del possibile, di tecniche e materiali nati dallo sforzo bellico e pertanto particolarmente adatti a esprimere la vita dell'uomo nel mondo moderno”. I risultati del programma avrebbero ridefinito la casa moderna ed esteso la propria influenza non soltanto da un capo all'altro degli Stati Uniti ma in tutto il mondo. Oltre a presentare tutte le Case Study Houses con oltre 150 foto e planimetrie, questa guida compatta è corredata di una mappa in cui è indicata l'ubicazione di tutti gli edifici, compresi quelli che non esistono più.

An Expressionist before the term was coined, James Ensor (1860–1949) was the classic insider-outsider enigma. He knew all the right art-world figures but loathed most of them. His style lurched from the Gothic fantastical to the Christian visionary. He was a cosmopolitan trailblazer of modernism, but lived reclusively in an attic room in the resort town of Ostend. For all his elusiveness, Ensor influenced generations of artists through his vivid often gruesome paintings, prints, and drawings. He is cited in particular for his use ofdark satire and allegory, his innovative lighting, and for his interest incarnival and performance, showcased in The Entry of Christ into Brussels in 1889 as well as in his repertoire of self-portraits in which he employsmasking, travesty, and role-playing to adopt such varied guises as Christ on the Cross and a gender-bending dandy. This introduction to Ensor explores the richness and variety of his imagery through key examples of his macabre, maverick oeuvre.

Con Picasso e Braque a fare da apripista, il Cubismo è stato il primo movimento d'avanguardia del XX secolo. Pesantemente influenzato dall'asprezza dell'arte e della scultura africane e dei nativi americani, il Cubismo destruttura le convenzioni di punto di vista e prospettiva, rivoluzionando la pittura e l'arte occidentale in generale. Con le sue forme piatte, geometriche, sovrapposte, semplificate e i piani spaziali frammentati, il Cubismo è diventato uno dei movimenti più influenti e di vasta portata dell'arte moderna. Questo libro narra la storia ed espone la teoria dietro il Cubismo, ed esamina l'opera dei suoi primi esponenti, e degli artisti che li seguirono. Gli artisti: Pablo Picasso, Edmond Fortier, Paul Cézanne, George Braque, Henri Le Fauconnier, Jean Metzinger, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Henri Laurens, Salvador Dalí, Brassaï, Robert Delaunay, Raymond Duchamp-Villon.

La pop art, che raggiunse l'apice negli anni '60 del XX secolo, iniziò come rivolta contro gli approcci convenzionali all'arte e alla cultura e finì per mettere ampiamente in discussione la società moderna, la civiltà dei consumi, il ruolo dell'artista e la definizione stessa di opera d'arte. Dal momento che si concentrava sulle questioni del materialismo, della fama e dei media, la pop art attingeva alle fonti del mercato di massa, dalle immagini pubblicitarie ai fumetti, dai volti più famosi di Hollywood al materiale da imballaggio dei generi di consumo, incarnati alla perfezione dai barattoli di zuppa Campbell di Andy Warhol. Oltre a contestare l'establishment nobilitando queste e altre immagini popolari, ordinarie e kitsch, la pop art impiegò anche metodi di produzione di massa, ridimensionando il ruolo del singolo artista grazie a tecniche meccanizzate come la stampa serigrafica. Corredato di riproduzioni delle opere di artisti come Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg e Roy Lichtenstein, questo volume illustra tutta la portata e l'influenza di uno dei movimenti modernisti più significativi.

Figura chiave dell’avanguardia internazionale, Piet Mondrian (1872–1944) è stato allo stesso tempo un pittore straordinario e un teorico dell’arte la cui influenza è ancora molto intensa oggi come allora. Per Mondrian, “L’emozione della bellezza è sempre impedita dalla presenza dell’oggetto, che deve perciò essere eliminato dalla rappresentazione figurativa”. Dopo aver coniato il termine De Stijl, o Neoplasticismo, portò avanti uno stile pittorico composto unicamente da colori primari (rosso, giallo, blu) su una griglia di linee verticali e orizzontali nere su sfondo bianco. Nella visione di Mondrian, questo tipo di pittura essenziale avrebbe contribuito al raggiungimento di una società in cui l’arte fine a se stessa non ha spazio, ma esiste piuttosto per la totale realizzazione della “bellezza”. Agli occhi dei contemporanei, Mondrian rappresentava un artista di assoluta modernità ma anche di grande integrità. Oggi rimane uno degli esponenti più originali di tutta l’arte moderna, una star celebrata in mostre in tutto il mondo, e una duratura fonte di ispirazione per il mondo della moda, dell’arte, dell’architettura e del design, dalle copertine degli album di gruppi come i White Stripes agli abiti di Yves Saint Laurent.