Taschen: Basic Art

Il Surrealismo ha attraversato con successo gli anni venti sospinto anche dalle idee di André Breton e Sigmund Freud influenzando profondamente il mondo dell'arte fino ai giorni nostri. Dalì, Ernst, e Magritte hanno lasciato tracce ben visibili nel cinema, nel teatro, nella letteratura e in tutte le correnti di pensiero moderne.

Autore di rigorose teorie e svariate migliaia di dipinti, disegni e acquerelli, Paul Klee (1879–1940) è considerato uno degli esponenti più cerebrali e prolifici dell'arte europea del Novecento. Pur essendo solitamente di piccole dimensioni, le sue opere sono straordinarie per la raffinatezza concettuale e le meticolose sfumature di tratto, colore e tonalità. A influenzare la formazione stilistica di Klee furono la precoce adesione al gruppo espressionista tedesco Der Blaue Reiter e, soprattutto, un viaggio in Tunisia nel 1914 che ne mutò radicalmente l'uso del colore. Dopo la guerra, Klee insegnò presso la prestigiosa scuola del Bauhaus, dove le sue lezioni (come pure la progressiva affermazione della sua produzione artistica) sottolineavano il potenziale simbolico della sfumatura, del tratto e della geometria. A ispirare Klee furono anche il cubismo, la poesia, la musica, la letteratura, il linguaggio e la forza semplicistica del disegno infantile. Celebre per le sue figure stilizzate, Klee coniugò spesso un candore apparentemente fanciullesco con il rigore della composizione e il valore intellettuale. Questo volume offre una selezione delle opere più importanti di Klee per presentarne lo stile e l'influenza. Tra paesaggi assolati ed enigmatici giochi di parole, scopriamo un mondo al contempo semplicistico, simbolico e straordinariamente pittoresco.

Dalle strade di New York alle pareti delle più importanti gallerie, il giovane graffitista e artista Jean-Michel Basquiat (1960-1988) venne catapultato alla ribalta della fama internazionale quando aveva poco più di vent'anni e morì per overdose a 27 anni. Protagonista di un film biografico diretto dall'artista e collega Julian Schnabel, Basquiat è uno degli artisti più ammirati tra quelli emersi nel corso del boom delle arti negli anni '80. Questo libro esplora la sua breve ma prolifica carriera.

Andy Warhol (1928-1987) è oggi riconosciuto come il più importante esponente del movimento della Pop Art. Ha ribaltato la tradizionale comprensione dell'arte rimpiazzandola con una visione che sconfessa l'individualità dell'artista. Warhol è stato un osservatore critico della società americana, che ha esposto il consumismo dei suoi compatrioti nei suoi dipinti (le serie Campbell e Brillo), nonché la loro fascinazione per il giornalismo sensazionalistico. Nel 1963 Warhol fondò la sua Factory a New York, letteralmente una fabbrica di idee e di lavoro, che influenzò il cinema degli anni Sessanta. Pubblicò l'influente rivista Interview nei tardi anni Settanta e produsse anche la propria opera d'arte: Warhol concepì l'idea, e un lavoratore della sua factory la mise in pratica. L'opera rimase (volutamente) anonima, cosa che nondimeno nulla tolse alla reputazione di Warhol. Il quale una volta osservò cinicamente che i ricchi abitanti di New York avrebbero volentieri appeso la sua Sedia elettrica in soggiorno, a patto che i colori si intonassero con tende e carte da parati.

Alvar Aalto (1898–1976) ha lasciato un segno unico nel panorama modernista. Influenzato tanto dal paesaggio quanto dall'indipendenza politica della Finlandia, suo Paese natale, ha progettato edifici caldi, sinuosi, attenti all'uomo e completamente agli antipodi dei lavori patinati, meccanici e geometrici che caratterizzavano buona parte della pratica architettonica europea del periodo. Che si trattasse di una chiesa, una villa, una sauna o una biblioteca pubblica, le strutture organiche di Aalto tendevano a sostituire intonaco e acciaio con legno e mattoni, spesso includendo forme curve, simili a onde, che comparivano anche nelle sedie, nella cristalleria e nelle lampade che progettava. Sempre fedele al dettaglio, Aalto insisteva sull'umanità del proprio lavoro, sostenendo che “architettura moderna non significa utilizzare materiali nuovi e immaturi, bensì lavorare con i materiali esistenti in modo più umano”. Molti degli edifici pubblici progettati da Aalto, come il Municipio di Säynätsalo, l'auditorium del Politecnico di Otaniemi, l'Istituto nazionale di previdenza sociale e la Casa della Cultura di Helsinki, si possono considerare pietre miliari non soltanto fisiche ma anche psicologiche della ricostruzione in Finlandia dopo le devastazioni della guerra.

Universalmente riconosciuto come il più grande architetto d'America, Frank Lloyd Wright (1867-1959) è stato un autentico pioniere, sia a livello artistico sia tecnico. In un'epoca in cui il cemento armato e l'acciaio erano considerati materiali propri dell'edilizia industriale, Wright compì la scelta coraggiosa di utilizzarli per costruire case private. Il concept delle prairie houses - abitazioni basse e a pianta irregolare basata su una semplice forma a Loat- è stato il punto di partenza per realizzare alcune delle sue case più famose ed è diventato un modello per l'architettura rurale in tutta l'America. I progetti di Wright per edifici pubblici e di uffici furono altrettanto unici e all'avanguardia. Dalla Casa sulla cascata al Guggenheim Museum di New York, le sue opere sono tra le più famose nella storia dell'architettura.

Mark Rothko fa parte della generazione di artisti americani che ha completamente rivoluzionato l'essenza della pittura astratta. La sua evoluzione stilistica, nel passaggio da un repertorio visivo figurativo a uno stile astratto radicato nel rapporto attivo tra l'osservatore e il dipinto, incarna la visione radicale di un rinascimento in pittura. Rothko ha descritto questa relazione come "una consumata esperienza tra la pittura e l'osservatore". Le sue forme cromatiche attirano letteralmente l'osservatore in uno spazio riempito di una luce interiore. Rothko ha sempre respinto qualunque tentativo di interpretare i suoi dipinti. A interessargli erano soprattutto l'esperienza dell'osservatore, la fusione tra opera e supporto al di là della comprensione verbale. Rothko era un intellettuale, un pensatore, un uomo molto istruito. Amava la musica e la letteratura ed era appassionato di filosofia, specie delle opere di Friedrich Wilhelm Nietzsche e dell'antica filosofia e mitologia greche. Rothko fu protagonista del movimento dei pittori americani che divennero noti come espressionisti astratti. Formatosi originariamente a New York City nel periodo tra le due guerre, questo gruppo era anche definito la New York School. In tutta la storia dell'arte, furono i primi artisti americani a ricevere un riconoscimento internazionale come movimento significativo. Molti di loro, incluso Rothko, sono ormai figure leggendarie.

L'impatto dell'opera di Joseph Mallord William Turner (1775–1851) è simile a quello che si proverebbe acquistando improvvisamente la vista. I suoi paesaggi terrestri e marini bruciano l'occhio con una luce e un colore tanto incantevoli e una forza tanto primordiale che sembra sia il sole stesso a proiettare i suoi raggi oltre la cornice. Noto a ragione come “il pittore di luce”, Turner realizzò stampe, acquerelli e oli per trasformare il paesaggio passando da calme scene contemplative a quadri che palpitano di vita. Pur legando indissolubilmente la propria opera al Tamigi e al mare, nel contesto storico della rivoluzione industriale l'artista inserì anche imbarcazioni, treni e altri segni di attività umana, così da contrapporre la spinta della civiltà alle forze della natura. Questo volume offre una panoramica del celebre e vasto repertorio di Turner per presentare un artista che ha saputo coniugare un genere tradizionale con un radicale modernismo.

Claude Monet (1840-1926) è stato il pittore impressionista più originale e rappresentativo. Ha dedicato la sua lunga vita all'esplorazione pittorica delle sensazioni che la realtà, e in particolare il paesaggio, offre all'occhio umano. Ma, mentre il pittore Monet portava avanti i suoi temi con fiducia e perseveranza, la sua vita personale si svolgeva all'insegna dell'irrequietezza. Parigino di nascita, scoprì la pittura en plein air durante la sua giovinezza in provincia, dove una delle sue case, ad Argenteuil, è divenuta emblematica della fioritura artistica e della consacrazione ufficiale dell'impressionismo come movimento, con Monet come suo leader creativo. Nel suo tentativo di catturare il volto sempre mutevole della realtà, Monet andava al di là dell'impressionismo e quindi oltre i confini della pittura su tavola autosufficiente: a Giverny dipinse le serie dei Pioppi, Covoni e della Cattedrale di Rouen in cui declinava un soggetto in variazioni sempre nuove. Anche qui Monet rappresentò il famoso giardino con lo stagno delle ninfee che avrebbe dipinto su grandi tele verso la fine degli anni Venti. Quindi cercò di rendere non la realtà come esperita in senso oggettivo, bensì quella che si svolge "tra il soggetto e l'artista". Con la loro struttura aperta e solo vagamente rappresentativa nonché le dimensioni impressionanti, i dipinti di Monet dedicati alle ninfee indicano la strada agli sviluppi del futuro.

Con un acuto senso di osservazione e soggetti che spaziano dalla biblica torre di Babele alle feste di paese della vita contadina, il maestro disegnatore Pieter Bruegel il Vecchio fornisce una testimonianza unica sia dei costumi religiosi che della cultura popolare del suo tempo.

Enfant terrible della pittura barocca italiana, Caravaggio (1571-1610) sta finalmente ottenendo il riconoscimento che merita. Per quanto il suo nome sia ben noto, la sua opera è stata a lungo avversata e tenuta nell'oscurità. Non era solo il suo realismo teatrale a essere fuori moda per la sua epoca: violente critiche suscitavano anche i suoi soggetti ritratti in maniera anticonvenzionale e l'abitudine di impiegare come modelli persone appartenenti ai ceti popolari. L'eccezionale opera di Caravaggio ha dovuto superare secoli di discredito ed è stata riscoperta, ormai postuma, solo nel XIX secolo, quando al pittore è stato finalmente riconosciuto lo status di maestro. Caravaggio è oggi considerato il più importante pittore del primo Barocco, senza il quale non ci sarebbero stati Ribera, Zurbarán, Velázquez, Vermeer o Georges de La Tour. E le opere di Frans Hals, Rembrandt, Delacroix e Manet sarebbero certo state diverse. In questo libro troverete oltre 50 tra i migliori dipinti di Caravaggio, testimonianza di un genio che ha saputo trascendere la sua epoca.

La fama imperitura di Gustav Klimt (1862-1918) testimonia non solo il fascino particolare dei suoi dipinti sontuosi ma anche l'universalità dei temi affrontati: amore, bellezza femminile, invecchiamento e morte. Figlio di un orafo, Klimt creava superfici ornate e una luminosità sfarzosa che rivelano l'influenza dell'arte egizia e giapponese. Le sue opere - dipinti, murali e fregi - si caratterizzano per i colori radiosi, le linee fluide, gli elementi floreali e i motivi simili a mosaici. Con i numerosi soggetti che affrontano i temi della sensualità e del desiderio così come dell'ansia e della disperazione, tutto questo splendore visivo non era privo di un contenuto sentimentale. Le molte immagini di donne, caratterizzate da forme morbide, carni tenere, labbra vermiglie e guance arrossate, erano cariche di passione in un'epoca in cui un erotismo così esplicito era ancora un tabù per le classi medio-alte della società viennese. Questo libro presenta una selezione delle opere di Klimt e introduce il suo mondo pittorico fatto di decorazione e desiderio, così come la sua influenza sugli artisti venuti dopo di lui.