Donzelli: Saggi. Arti e lettere

Due tesi ardite sostengono questo libro di Julia Kristeva - semiologa, scrittrice, grande intellettuale e interprete del disagio dei nostri tempi: la prima è che la "melanconia" degli antichi, la "atra bilis" studiata da Aristotele, da Ippocrate e da Galeno, indagata nel Rinascimento da Marsilio Ficino e immortalata da Dürer, pur restando sostanzialmente la stessa, abbia assunto ai giorni nostri il volto di una malattia riconoscibile: la depressione. La seconda è che quest'ultima, proprio perché sperimenta l'inconsistenza del senso delle cose, sia capace di una trasformazione rivoluzionaria: di cambiare il pensiero e le forme artistiche. Un viaggio affascinante, quello di Julia Kristeva, attraverso la psicoanalisi, la filosofia, l'estetica letteraria, la storia, l'arte. Dopo avere affrontato tre figure della depressione femminile - casi clinici narrati come tre cronache Kristeva si confronta con le storie di quattro grandi artisti, nei quali la malinconia ha prodotto opere di alto valore simbolico, in epoche e contesti differenti: Hans Holbein, Gérard de Nerval, Fédor Dostoevskij e Marguerite Duras. Spaziando dall'idea del sublime a quella di morte, dalla nostalgia al dolore della mente, "Sole nero" costituisce un'indagine sulla sofferenza contemporanea e sui suoi effetti sulla società.

Se c'è un genere che sin dalla notte dei tempi riesce a far presa sull'immaginazione degli esseri umani in ogni angolo della terra, quello è senza dubbio la fiaba. Eppure, malgrado il proliferare degli studi in materia, tuttora si stenta a ricostruirne le origini, l'evoluzione e i modi di diffusione. Perché mai la fiaba esercita da sempre un fascino irresistibile, quale che sia la forma o il mezzo attraverso cui giunge fino a noi? Uno dei massimi studiosi a livello internazionale propone in queste pagine un originale approccio allo studio della fiaba, nel tentativo di spiegare le ragioni del suo inesauribile propagarsi, fino a diventare parte essenziale delle culture di tutto il mondo, duttile al punto da prestarsi a continue reinvenzioni e ri-creazioni. Attingendo alle scienze sociali e naturali, non meno che a quelle cognitive, alla psicologia evolutiva e alla biologia, Zipes rintraccia le origini della tradizione orale della fiaba nell'antichità, e ricostruisce la sua evoluzione dapprima nel passaggio alla scrittura e alla stampa, e via via attraverso i continui adattamenti ai nuovi mezzi di comunicazione, dal teatro al cinema, dalla tv all'animazione. In questo percorso un ruolo, spesso dimenticato, hanno avuto le donne: sia le tante raccoglitrici e narratrici di storie, sia i personaggi femminili che di queste storie, non a caso, sono protagoniste.

Il Collodi disegnato da Mazzanti e da Chiostri, il De Amicis illustrato da Ferraguti e da Sartorio, il Salgari di Gamba o di Zanetti; e ancora Yambo, Canevari, Pinochi, Tofano... Tra la fine dell'Ottocento e la metà del Nove-cento, gli illustratori italiani dei libri per bambini hanno fatto ben più che aggiungere le "figure" ai testi che dovevano corredare. Hanno dato forma e colore al mondo del nostro immaginario. Hanno raccontato, con quella schietta determinazione che è indispensabile per conquistare i bambini, le nostre emozioni più profonde, le nostre sensazioni più vere: i dubbi e le paure, le gioie e le allegrie. Messe in fila una dopo l'altra, le illustrazioni di quei "figurinai" compongono, meglio forse di ogni altro materiale, i tratti del nostro carattere nazionale, i contorni della nostra formazione identitaria. Antonio Faeti può a buon diritto essere definito l'insuperato scopritore di questo mondo. Quando, nel 1972, vide la luce la prima edizione del suo libro, nessuno aveva ancora avviato una riflessione del genere. E a ben vedere, a distanza di quarant'anni, pochi l'hanno saputa davvero proseguire. Questa edizione, che l'autore ha voluto corredare di una nuova, densissima introduzione, è l'occasione per riaprire il ragionamento, per rifare il punto. Nelle parole dell'autore questo libro non è "né una storia della letteratura per l'infanzia, né una storia delle illustrazioni dei libri per bambini", è molto di più.

Gli scritti raccolti in questo libro, che propongono al lettore italiano un percorso critico di Comolli dal 1988 a oggi, vengono a costituire un corpus teorico di estremo spessore sulle questioni fondamentali aperte dalla produzione d'immagini oggi. Al centro della ricerca il funzionamento del dispositivo cinematografico, il rapporto tra i linguaggi visivi e l'apparato sociale ed economico dominante, la posizione dello spettatore come punto di vista centrale per rileggere la modernità del cinema.

A giudicare dai consumi culturali degli ultimi anni, il genere poliziesco sta conoscendo in Italia una nuova età di successi. Ma esiste da noi una più che secolare tradizione del giallo, o sono nel giusto quanti sostengono l'estraneità e la refrattarietà della nostra cultura e della nostra stessa indole rispetto a tale genere? Questo libro sostiene la prima tesi attraverso un'attenta ricognizione critica sugli autori che, a guardar bene, già nella seconda metà dell'Ottocento si fanno promotori di trame caratterizzate da elementi di mistero, delitto, indagine.

Questo volume raccoglie tutti gli scritti di Rothko dal suo debutto, nel 1934, fino al 1969, un anno prima del suo suicidio. Ne emergono le ambizioni e lo spessore teorico di una personalità artistica che ha rivoluzionato la pittura del Novecento. Per Rothko l'arte si rivela come uno spazio di interscambio. È la creazione di un immaginario spazio di comunicazione tra l'artista, la pittura e lo spettatore. L'opera d'arte crea un evento miracoloso. "Nell'istante in cui il quadro è compiuto, l'intimità tra la creazione e il creatore è finita. Quest'ultimo è un estraneo. Il quadro deve essere per lui, come per chiunque altro ne farà esperienza più tardi, la risoluzione inattesa e senza precedenti di un bisogno eternamente familiare."

Petrarca e Avignone sono i simboli universalmente riconosciuti dell'umanesimo, laddove al primo se ne attribuisce la paternità e alla seconda i natali. L'autore, autorevole studioso americano della cultura rinascimentale europea, rimette in discussione in questo volume tali coordinate identitarie, retrodatando di quasi un secolo la nascita dell'umanesimo e ricollocandola in Italia. A Padova, dapprima, con i letterati Lovato dei Lovati e Albertino Mussato e a Firenze, più tardi, dove l'umanesimo spiegò a pieno le sue ali grazie a Leonardo Bruni. Witt ripercorre lo sviluppo di un movimento letterario sbocciato grazie a un cenacolo di latinisti e divenuto il sostrato formativo delle élites dei grandi comuni italiani del Quattrocento.

Il comico è un genere che ha disseminato i suoi frutti lungo tutto l'arco della storia della letteratura italiana. Alcuni tra i più autorevoli studiosi italiani danno vita tra le pagine di questo volume a un discorso polifonico sulla comicità. Da Boccaccio a Goldoni, da Porta a Verga, da Dossi a Belli, da Piradello a Palazzeschi, dal futurismo a Svevo. E poi ancora Petrolini, Zavattini, Gadda, Brancati, Scialoja, Celati e Camilleri. È il Novecento, ovviamente, il più ricco di magistrali esempi, poiché il comico in tutte le accezioni - dall'umorismo, al nonsense, al grottesco - ne ha segnato la svolta culturale e artistica, incarnando una delle tendenze più rappresentative della modernità.

Julia Kristeva si sta da anni dedicando alle biografie di figure geniali della cultura femminile. Dopo aver studiato la figura di Hannah Arendt e di Melanie Klein, è la volta di affrontare il tema della felicità di vivere grazie alla scandalosa Colette. Il ritratto offerto dalla Kristeva coniuga la ricostruzione della vicenda biografica della scrittrice, amante insofferente e anticonformista di donne come di uomini, con lo scandaglio della sua opera letteraria.