Auditorium

“Il concetto di musica sul quale mi baso non è certamente quello convenzionale, stretto, dove la musica resta circoscritta ai fenomeni sonori, ma il «concetto allargato di musica» come si trova nella teoria musicale antica, medioevale o cinese, secondo cui il termine «musica» può designare l’interazione fra praticamente tutti i cicli a bassa frequenza – quelli che si trovano al di sotto del limite superiore di udibilità e comprendono dunque le oscillazioni audio, i ritmi musicali, i cicli cronobiologici, ambientali e sociali, che siano udibili o no. [...] Il «concetto allargato di musica» può fornirci utili modelli per un nuovo approccio all’interazione dell’uomo con le temporalità naturali e ai ritmi sociali e per l’introduzione di criteri qualitativi nell’organizzazione del nostro tempo.” (Albert Mayr)

La biografia definitiva di Nico (1938-1988), giovane modella tedesca, poi attrice in La dolce vita di Fellini, Superstar alla Factory di Andy Warhol e cantante con i Velvet Underground di Lou Reed e John Cale, compagna di Brian Jones, Jim Morrison, Iggy Pop e di Philippe Garrel con cui gira diversi film sperimentali. Questa è la biografia di una donna forte in un mondo di uomini, di un'artista determinata e originale che ha piegato gli eventi della storia alla propria disperata personale visione della vita.

“Questa non è una semplice biografia di Tom Waits. È un libro d’invenzione. Di fiction, come si dice. Però ogni cosa scritta qui del musicista e cantante americano Tom Waits è vera. O per vera mi è stata raccontata. E c’è anche dell’altro, nient’affatto inventato. Veramente accaduto. Spero che possa interessare tutti quelli che amano Tom Waits e tutti quelli che, più semplicemente, amano ascoltare la sua musica. Ora vorrete sapere cosa ho da dirvi che voi non sappiate già. Tutto è iniziato così...” Oltre vent’anni dopo la sua prima pubblicazione, ora in una nuova edizione aggiornata l’originale e affascinante guida all’universo poetico di Tom Waits, con riferimenti al cinema, alla letteratura, alle molte suggestioni che rendono unica la musica dell'artista americano.

Dagli sguardi affascinati alle “stupende batterie nelle vetrine londinesi di metà anni ‘50” al rientro in Italia e gli esordi con la batteria, l’autore racconta le sue prime esperienze con il jazz e la fotografia in teatro, cui seguiranno la partecipazione come batterista nel quartetto di Giorgio Gaslini per il film “La Notte” di Michelangelo Antonioni; la realizzazione della serie fotografica “Double Exposure” (doppia esposizione: due immagini scattate da posizioni diverse, sul medesimo fotogramma) l’assidua presenza ai concerti, che gli consente di creare, nei decenni, un imponente archivio sui più grandi jazzisti della storia, tra i quali: Duke Ellington, Thelonious Monk, Bud Powell, Dizzy Gillespie, Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Stan Getz, Dave Brubeck, Coleman Hawkins, Max Roach, Art Blakey, Elvin Jones, Tony Williams e molti altri. Le note sui musicisti qui ritratti lasciano trasparire, pur nella loro concisione, la dedizione, la passione e il rispetto con le quali l’autore sfiora le loro storie. Con un saggio inedito di Luca Bragalini su fotografia e musica jazz.

Nel 1990, in quella che sarebbe poi stata la sua ultima intervista, Piazzolla dichiarò: “Ho una speranza, che la mia musica verrà ascoltata nel 2020 – e nel 3000, anche. A volte ne sono certo, perché la mia musica è differente; nel 1955 un tipo di tango stava cominciando a morire e così ne nacque uno nuovo”. Questo libro racconta e analizza la parabola artistica di un musicista che ha seguito la propria stella con caparbia determinazione, s dando le critiche dei suoi innumerevoli detrattori soprattutto in madrepatria. Oggi in Argentina Astor Piazzolla è venerato come un eroe nazionale.

«Nel suo ultimo anno di vita, «andando avanti stoicamente», com'era solito dire, Gianni Lenoci non si dedicava solo, con la consueta passione, all'attività didattica e concertistica, prodigandosi in iniziative e progetti che partoriva instancabilmente e con lampi di genialità, ma sentiva anche il bisogno, ineludibile, di fare il punto sulla sua musica, di mettere a fuoco idee, riflessioni e intuizioni che lo avevano accompagnato in tutto il suo percorso artistico e creativo. E per rispondere a tale bisogno che ha cominciato a dare forma al suo autoritratto ideale di pianista e compositore, da cui è nato questo libro oggi per noi così prezioso poiché ci offre, nella raffinata concisione del dettato stilistico, una immagine dell'autore ricca di dettagli e spunti nei quali siamo portati a riconoscere, con emozione, i temi che gli stavano a cuore, di cui parlava spesso e che lo appassionavano come intellettuale, come uomo e come poliedrico musicista che ha coniugato l'identità del pianista classico con stimoli e rivelazioni derivanti dal mondo del jazz...» (Dalla Prefazione di Paolo Testone)

"Se e vero che esiste una folta e mitica letteratura sul jazz europeo grazie ad alcuni film e alle storie di Chet Baker, Miles Davis E Dexter Gordon, è vero che una delle porte del jazz europeo è stata proprio la Scandinavia, che del resto tuttora rimane, assieme all'Italia, non solo il luogo dove si produce (e si consuma) più jazz, ma il luogo dove questo raccoglie il suo significato originale di musica dinamica che si sposta attraverso i crocevia del pianeta, divenendo così linguaggio contemporaneo egeograficamente incircumnavigabile. Per questo il testo di luca vitali sul jazz norvegese è non solo importante ma diviene lente d'ingrandimento della nuova realtà jazzistica europea. Perché racconta quanto un relativamente piccolo mondo come la Norvegia possa nutrirsi con i nuovi linguaggi solo se è in grado di relazionarsi con il mondo più ampio. Se questo accade e se questo è accaduto, si potrà affermare, senza ombra di dubbio, che esiste un jazz europeo e dunque un jazz del mondo. Capace di contraltare con quello americano ad armi pari e capace di dare un senso a quelle migrazioni del secolo scorso che hanno aperto le porte dei continenti e abbattuto le barriere degli oceani." (Dalla prefazione di Paolo Fresu)

Singolare destino quello di Sergej Prokof'ev (1891-1953), talento precoce che suscita clamore nella Russia dell'ultimo zar per le sue opere iconoclaste e il virtuosismo pianistico, ma che dopo aver lasciato la Russia nella primavera del 1910 non conoscerà più la serenità dei primi anni. Al rientro in URSS nel 1936 Prokof'ev dovrà fare i conti con il regime stalinista, pur cercando di preservare sempre la propria indipendenza artistica; il rifiuto delle scuole e delle teorie, manifestato fin dalla giovinezza, continuerà così per tutta la vita, per quanto possibile anche sotto il controllo del "realismo socialista". In questa biografia il tragico e il comico dialogano, la vena epica affianca quella lirica, ma l'ultima parola spetta sempre all'elemento giocoso - in rapporto ludico con l'esistenza - a volte teatrale ma sempre profondamente umano.

David Byrne incontra Brian Eno la prima volta nel maggio del 1977. I Talking Heads stanno suonando nel regno unito come supporter dei Ramones e John Cale porta end a vedere il loro show a Londra. Dopo il concerto, Eno invita Cale e Byrne nel suo appartamento, dove trascorrono la notte a parlare e ad ascoltare dischi. Tra gli album che Eno mette sul giradischi c'è Afrodisiac del nigeriano Fela Kuti, che diventerà il modello per Remain in light: è la fine dell'art-rock e la musica world entra a pieno titolo sulla scena del rock internazionale, ma questo accadrà nel 1980. Tutto il resto è iniziato un po' prima, a partire dal CBGB di New York, con una strana e nevrotica canzone: "Fa fa fa fa, fa fa fa fa fa fa...".

Dopo aver affrontato il ruolo dell'improvvisazione nella musica moderna in "E non chiamatelo jazz" e aver celebrato l'ascolto quale momento indispensabile di una fenomenologia del discorso musicale in "Tragicommedia dell'ascolto", completando una originale trilogia sulla musica del nostro tempo, in questo volume Giancarlo Schiaffini affronta le forme della composizione contemporanea - esperite in prima persona nella propria musica e a fianco dei più innovativi autori del novecento - in uno stile discorsivo adatto agli specialisti quanto al più curiosi appassionati di nuova musica.

Martedì 12 marzo 1985, a poco più di dieci anni dal debutto come interprete delle proprie canzoni, Paolo Conte si esibisce per la prima volta a Parigi, nello storico e centralissimo théàtre de la ville, è una "prima" molto parigina, la sala è gremita di un pubblico attento e per l'occasione anche le firme della critica, alcune venute in precedenza a conoscere l'artista nei concerti di Roma e di Milano, sono chiamate a raccolta. Paolo Conte entra in scena insieme al quintetto che lo accompagna. Mentre i musicisti gli si dispongono intorno a semicerchio, il musicista piemontese siede al pianoforte a coda al centro del palco e attacca con "Hemingway"... è l'inizio di una storia d'amore lunga e avvincente, costellata di incontri e sorprese.