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Due gemelli e la moglie di uno di loro accudiscono un misterioso personaggio che vive la propria decadenza in una stanza contigua, senza mai mostrarsi, ma esercitando su di loro un’influenza inquietante. La scenografia presenta un ambiente che si va deteriorando, specchio di una realtà postindustriale in rovina. Un cattivo odore, di origine indefinita, permea l’aria, divenendo un segnale di decomposizione e una potente metafora. Ispirata al teatro dell’assurdo, l’opera esplora la crisi del potere, le reazioni umane di negazione e di desiderio di fuga che suscita, e le dinamiche di dominio e sottomissione che caratterizzano le relazioni interpersonali. La vicenda si propone come una riflessione sulle difficoltà dell’essere umano ad affrontare la realtà e il cambiamento, offrendo una critica della condizione socio-politica contemporanea.

Nei testi di Igor Esposito, come scrive Matteo Palumbo, si invera un’idea di teatro civile e morale. In questa raccolta, in cui si alternano raffinati registri linguistici e mirabili invenzioni drammaturgiche, quale sia l’ambientazione (dall’antica Grecia al medioevo epico-cavalleresco), si mettono in realtà in scena il mondo contemporaneo e i suoi mostri, una sostanza dolorosa, violenta, cupa dell’esistenza, che viene esasperata fino al punto in cui i conflitti esplodono e sopravvivono le macerie di un mondo empio e malato. Come segnala la critica Sara Chiappori su «la Repubblica», leggendo i testi di Esposito siamo di fronte a «una lingua teatrale formidabile, scolpita nella materia poetica di un dire che ha l’immediatezza del linguaggio parlato senza naturalismi spiccioli. Una lingua in ebollizione, precisa, immaginifica, modulata su ogni personaggio come una veste mitica declinata al contemporaneo».

Da più di dieci anni Il Mulino di Amleto porta avanti una ricerca e una sperimentazione che mirano a sviluppare e alimentare una profonda capacità di ascolto: della realtà, dell’essere umano, che sia esso autore, personaggio, attore, regista o spettatore. Attraversando testi differenti per epoca, autore, stile e in differenti modi, che mai hanno creato una "moda" Marco Lorenzi e Barbara Mazzi (fondatori e direttori della compagnia), assieme a un ensemble oramai quasi stabile, hanno disegnato un percorso continuamente in divenire ma ben poggiato su una poetica e un processo di lavoro dai contorni via via più netti e specifici. È per ricostruire i fondamenti, gli sviluppi e gli esiti di questa poetica e di questo processo che nasce questo volume.

Singolar tenzone nasce con l’intento di fare memoria attiva di una delle forme cardine della scena contemporanea, il monologo. Con uno sguardo rivolto ai primi vent’anni del ventunesimo secolo, il progetto si rivolge ai teatranti che scrivono e mettono in scena i loro testi, che attraversano sia la pagina che la scena. Tra il 2022 e il 2024 il Teatro Metastasio ha messo in programma dieci autori e autrici che hanno segnato, con i loro spettacoli solisti, la memoria della comunità teatrale. Altrettanti critici hanno conversato con loro, ripercorrendo la storia di spettacoli memorabili e del loro approccio alla scrittura teatrale. Quelle conversazioni diventano ora due libri, incentrati rispettivamente sugli anni Zero e sugli anni Dieci. Le interviste di questo volume sono a cura di Federico Berti, Doriana Legge, Oliviero Ponte di Pino, Attilio Scarpellini e Elena Scolari.

Testo fondamentale che esplora la teoria e le pratiche della recitazione cinematografica. Naremore analizza le tecniche attoriali che hanno segnato la storia del cinema, evidenziando come i diversi stili recitativi siano modelli influenzati dai cambiamenti tecnologici e culturali. Il libro esamina performance imprescindibili, offrendo approfondimenti su attori leggendari, come Charlie Chaplin, Katharine Hepburn e Marlon Brando, e discute l’evoluzione delle tecniche di recitazione. Ricco di analisi dettagliate e riflessioni teoriche, il libro è una risorsa preziosa per studenti di cinema, attori e appassionati del grande schermo, che desiderano comprendere meglio l’arte e la scienza della recitazione cinematografica.

Da una misteriosa intrusione domestica che sconvolge la routine di una famiglia apparentemente serena, alla vicenda di una suora in lotta contro l’ambiente ecclesiastico, fino alla riapparizione di una maestra elementare nella vita di suoi ex studenti ora adulti, i protagonisti dei testi di Miró si muovono in un costante conflitto – gerarchico, familiare, generazionale – spesso costretti ad arrendersi all’impossibilità di risolvere gli enigmi che la vita presenta. In questa raccolta è condensata l’arte drammaturgica del pluripremiato artista catalano, autore capace di creare affascinanti storie dove «la verità non si vede mai alla luce del sole ma la si intravede, forse, nella penombra del vissuto dei personaggi».

Tra i più importanti drammaturghi del secondo Novecento, con il suo teatro Lars Norén ha saputo descrivere con impareggiabile efficacia la crisi e lo sfaldamento della società svedese di fine millennio. Nel volume si presentano tre testi del filone dei cosiddetti Quartetti borghesi, pièces che trattano con ironia e acume piccoli e grandi drammi familiari del cetomedio, e, in chiusura, il fluviale componimento Sezione 3.1, straordinario affresco della vita degli emarginati e tossicodipendenti nelle strade della Stoccolma contemporanea.

Dalla prima metà degli anni Sessanta alla fine degli anni Settanta, il western è stato uno dei generi più popolari e redditizi del nostro cinema. E anche uno di quelli più articolati e diversificati. Questo libro intende innanzitutto ricostruirne la storia culturale, l’impatto sulla società del tempo e le ragioni di un consumo che è continuato fino a oggi. Evita i luoghi comuni e dimostra come vi sia sempre stata una critica – a partire da Vittorio Spinazzola – in grado di capire e valorizzare la novità del genere fondato da Per un pugno di dollari. Dedica pari attenzione al classici, da Sergio Leone a Sergio Corbucci; alla vena politica e rivoluzionaria di Damiano Damiani e di Sergio Sollima; agli esperimenti d’avanguardia di Giulio Questi; e alle trasformazioni comiche con Bud Spencer e Terence Hill. E si serve di materiali d’archivio e inediti per analizzare dieci film esemplari.

Frutto di una serie di interviste rilasciate all’amico e critico Costanzo Costantini, il volume restituisce un Fellini in larga parte inedito in cui a riflessioni su come le proprie geniali opere sono nate e si sono sviluppate, si alternano a ricordi e giudizi su attori, produttori, sceneggiatori e tutti gli abitanti che popolano il microcosmo del set. Dai toni nostalgici della Rimini dell’infanzia, all’arrivo a Roma e agli studi di Cinecittà, fino ai successi mondiali de La dolce vita e Otto e mezzo, le parole del regista ripercorrono in tono ironico e disilluso cinquant’anni di cinema.

Tutto il teatro di Cechov è qui raccolto in unico volume che offre al pubblico italiano, per la prima volta, l’intero arco della sua produzione drammaturgica: dai giovanili lunghi drammi, Platonov, Spirito del bosco, Ivanov (quest’ultimo testo riportato sia nella prima versione del 1887, che nella seconda largamente riscritta del 1889), passando per gli ironici atti unici (come L’orso, L’anniversario, Una domanda di matrimonio, Le nozze), fino a Il gabbiano, Zio Vanja, Tre sorelle e Il giardino dei ciliegi, capolavori universalmente conosciuti. Cechov, anticipando temi fondamentali della drammaturgia moderna, modella i suoi testi teatrali sulle piccole pene umane e sul tragico quotidiano, in un’architettura scenica dove, fra incontri, separazioni e addii, si muovono personaggi alla ricerca di una ragione di vita e spesso destinati all’incomunicabilità. Questi i testi contenuti nel volume: “Platonov”, “Ivanov-Commedia”, “Ivanov-Dramma”, “Spirito del bosco”, “Il gabbiano”, “Zio Vanja”, “Tre sorelle”, “Il giardino dei ciliegi”, “Sulla strada maestra”, “I danni del tabacco”, “Il canto del cigno”, “L’orso”, “La domanda di matrimonio”, “Tragico suo malgrado”, “Le nozze”, “Tat’jana Repina”, “La notte prima del processo”, “L’anniversario”.

Rafael Spregelburd è una delle voci più originali del teatro contemporaneo. In questi scritti, l’autore esplora le tensioni, le ispirazioni e le sfide che attraversano il suo processo creativo, svelando le dinamiche che animano il suo teatro. Con uno stile provocatorio e intellettualmente vivace, Spregelburd riflette su temi come la frammentazione della narrazione, l’interazione tra caos e ordine, e l’impatto del contesto sociale e politico sulla scena teatrale. La raccolta offre al lettore un’immersione nella mente di un drammaturgo innovativo, mostrando come il teatro possa essere un luogo di contagio intellettuale e di disintegrazione delle forme tradizionali.

I Laboratori di Nerval Teatro hanno stabilito una continuità aperta alle possibilità dell’interazione sociale e animata da dinamiche di ricerca e sperimentazione; al suo interno si è venuta a individuare una linea beckettiana, che rovescia le nozioni diffuse sulla drammaturgia di questo autore fondamentale. Beckett, a contatto con attori diversamente abili, si è infatti rivelato un maestro del comunicare e del mettersi in relazione. In questo volume, Gerardo Guccini e Marco Menini raccolgono e percorrono trasversalmente testi drammatici, studi e testimonianze, ricostruendo il lungo e organico processo che, nato dall’incontro fra opera beckettiana, Nerval Teatro e diverse abilità, ha saputo saldare drammaturgia, presenza, formazione artistica e cura della persona.