Libri Scheiwiller

Chi era davvero Caravaggio? Un uomo violento in un tempo di ordinaria violenza? O un pazzo vittima di una società del pregiudizio? Il libro di Giovanni De Plato nasce da questa domanda, proponendosi di illuminare il chiaroscuro che domina nella vita, nell’opera e nel caso clinico di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio. Sono tuttora in discussione i dati più elementari della sua biografia, attraversata da una battaglia ininterrotta fra la luce geniale della sua arte (il chiaro) e l’irruenza notturna di una personalità complessa (lo scuro): il grande, acclamato e conteso artista è un uomo accusato di essere un “maledetto”, un “delinquente”, un “assassino”, mentre ancora oggi alcuni psichiatri e psicologi lo ritengono affetto da “malattia mentale”. Avvalendosi di documenti e testimonianze d’epoca, Giovanni De Plato, attraverso una narrazione in forma di romanzo, ricostruisce la vera storia di Caravaggio, dando voce ai personaggi che contornarono la sua vita, nel tentativo di scoprire se esistano buone ragioni per assolvere l’artista dall’accusa di crimini infamanti e riscattarne la figura dal marchio della psicopatia. La ricerca parte dall’analisi dei primi vent’anni della vita di Caravaggio, poco esplorati ma fondamentali per capirne l’evoluzione umana e artistica.

Cento disegni di Andrea Branzi, cento vere e proprie opere d’arte con al centro un unico soggetto, il burattino di legno più noto di sempre: Pinocchio. La storia di Collodi, eliminate le edulcorazioni operate nel tempo che l’hanno trasformata in una favola innocua, è in realtà una storia amara, fatta di ladri, di freddo, di povertà, di buio, dove il Re non esiste e il grillo parlante è ucciso a martellate. Andrea Branzi percorre un viaggio all’interno della storia dell’arte, trasformando nei suoi disegni i protagonisti di molti capolavori assoluti in tanti Pinocchio conducendoci in una ricerca e una riflessione sulla verità e la menzogna.

Questo libro pionieristico rappresenta la trattazione più completa delle vite, delle idee e delle opere d’arte dello straordinario gruppo di donne che furono parte essenziale del movimento surrealista. Leonora Carrington, Frida Kahlo e Dorothea Tanning, tra le tante, hanno incarnato la loro epoca lottando per la maturità artistica e la propria “liberazione dello spirito” nel contesto della rivoluzione surrealista. Le loro storie e i loro successi sono presentati qui sullo sfondo dei decenni turbolenti degli anni ‘20, ‘30 e ‘40 e della guerra che costrinse il Surrealismo all’esilio a New York e in Messico. Whitney Chadwick nel corso della sua ricerca ha intervistato e corrisposto con la maggior parte delle artiste stesse. Le donne artiste e il movimento surrealista ora rivisto con una nuova prefazione della storica dell’arte Dawn Ades, contiene una grande quantità di estratti di scritti inediti e numerose illustrazioni mai riprodotte prima. Dalla sua prima pubblicazione, questo libro ha acquisito l’innegabile status di classico tra artisti, storici dell’arte, critici e storici della cultura. Ha ispirato e reso necessaria una revisione della storia del movimento surrealista. Prefazione di Dawn Ades.

Il metodo Albini è un potente strumento di trasformazione e cambiamento. Franco Albini è stato un maestro dell’architettura moderna, rinomato in Italia e nel mondo, che ha generato cambiamento, nuove abitudini e innovazione. Il metodo Albini consiste nell’affrontare le sfide scomponendole in parti, osservandone una per una con un diverso sguardo per comprendere l’essenza del problema e ricomporre la nuova consapevolezza in una soluzione innovativa. Il libro analizza la teoria del metodo e presenta progetti e casi pratici. I princìpi del suo metodo non solo hanno dato origine a opere innovative che “ispirano” ancora oggi ma sono strumenti universali e imperituri che, sostenuti da tecniche interdisciplinari, contribuiscono a generare consapevolezza, innovazione, spirito di squadra e di iniziativa in ogni ambito tecniche interdisciplinari, lead to generate awareness, innovation, team spirit, motivation.

Una monografia, punto di arrivo di una pluriennale e approfondita ricerca, che mette a frutto un’imponente mole di documenti, nonché di scritti e testimonianza dell’artista stesso. Scultore, architetto, illustratore, scenografo e grafico, Achille Funi è stato uno dei personaggi di spicco della pittura italiana della prima parte del XX secolo, aderendo al movimento Novecento di Margherita Sarfatti. Oltre alle tradizionali opere da cavalletto, si è dedicato appassionatamente alla pittura murale, tecnica antica e gloriosa, caduta in disuso nella modernità, ma riportata in auge nel corso degli anni ’30 e ’40, sulla scorta dell’esempio trascinante di Sironi. Da annoverare tra le figure più autorevoli del panorama artistico italiano: intellettuale di spicco, voce autorevole del dibattito culturale, Funi nel 1939 diventa docente presso l’Accademia di Belle arti di Brera, incarico nel quale emerge “la capacità di Funi di formare personalità differenti, e non repliche di se stesso […] segno della sua efficacia di maestro.” Basterà ricordare che sono stati suoi allievi non solo i figurativi Adami e Mariani, ma artisti cinetici appartenenti al Gruppo T (Grazia Varisco, Boriani, Anceschi, Gianni Colombo) e firmatari del manifesto spazialista come Crippa, Dova e Peverelli. Il volume rientra nella collana Scheiwiller, "L’arte e le arti", nella serie in collaborazione con l’Accademia di Belle arti di Brera.

Ma in che modo le marche possono oggi muovere i loro primi passi nel metaverso? E cosa significa fare storytelling negli ambienti virtuali? Passando dai media classici ai media digitali, la comunicazione di marca è molto cambiata. I brand, abituati per decenni a raccontare le loro storie in TV e sulla carta stampata, hanno dovuto apprendere velocemente a fare storytelling nei social media e nei mezzi digitali. Ora si prepara un’altra svolta, probabilmente ancora più decisiva. Per quanto alcuni nutrano dubbi in merito, il metaverso sta arrivando. Esso è al centro della realtà del gaming da vari anni a questa parte. E soprattutto sta emergendo con rapidità vertiginosa in molti altri ambiti grazie allo sviluppo inarrestabile delle tecnologie. Perché questo è importante? Perché nei prossimi anni cambierà profondamente il modo in cui comunichiamo, socializziamo, ci divertiamo, lavoriamo, acquistiamo, e creiamo valore. In questa nuova dimensione i brand non potranno mancare, in quanto farlo rappresenterebbe un grande rischio. Difatti, le nuove generazioni di consumatori in gran parte saranno lì, pronte a sposare con disinvoltura le tecnologie e le forme di relazione degli ambienti digitali immersivi, così diverse da quelle del passato.

In questo volume dedicato al teatro Fabio Francione riflette, insieme a sedici tra i maggiori interpreti della scena teatrale italiana e internazionale, sulla situazione attuale del teatro e sulle prospettive future, toccando temi di pungente attualità, resi ancor più cruciali dalle contingenze determinate dalla pandemia, che ha colpito con particolare virulenza il settore delle arti dello spettacolo. Dalle diverse voci interrogate dall’autore emerge un’idea forte del teatro come luogo di incontro, confronto e talvolta di scontro tra la piccola comunità della compagnia drammaturgica e la collettività, non solo e non tanto alla ricerca di divertimento e svago per dimenticare le contingenze quotidiane, ma per ascoltare una parola in cui la comunità possa ritrovarsi e conoscersi. Ne discutono con l’autore, fra gli altri, Josep Maria Miró e Ascanio Celestini, Massimo Popolizio e Tiago Rodrigues, Pascal Rambert e Romeo Castellucci, oltre ai fondatoridi alcune delle compagnie d’avanguardia più importanti degli ultimi anni, da Anagoor alla Compagnia della Fortezza, dal Teatro delle Ariette a lacasadargilla. Il libro si chiude poi con la voce del grande maestro del teatro mondiale Eugenio Barba.

Un’opera completa e inedita che raccoglie interventi e interviste dell’artista dal 1976 al 1996, curata da Silvia Fabro in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Brera. Luciano Fabro, scultore e scrittore, è stato tra i fondatori del movimento dell’Arte Povera, nel corso della sua carriera ha sperimentato e utilizzato materiali diversi, marmo, ferro, vetro, carta attribuendo a ciascuno di essi un preciso compito espressivo. Presente sulla scena artistica italiana ed estera – le sue opere sono esposte nei musei più prestigiosi –, Fabro è sicuramente da annoverare tra le figure più autorevoli del panorama artistico italiano: intellettuale di spicco, voce autorevole del dibattito culturale, è stato anche docente all’Accademia di Belle Arti di Brera che ne omaggia la grandezza con questa opera che raccoglie le interviste che l’artista ha rilasciato, gli interventi a convegni e dibattiti a cui ha partecipato dal 1976 al 2000.

Nel periodo di massima creatività (1880-1890) fu sottoposto a ripetuti ricoveri, ogni volta con una diagnosi diversa. Dopo la sua morte, il giallo s’infittisce con nuove “accuse”: schizofrenia, malinconia, depressione, personalità borderline, sifilide, etilismo. Come mai un pittore, che in circa dieci anni crea 823 dipinti e scrive 821 lettere, è ritenuto dall’illustre psichiatra Karl Jaspers affetto da schizofrenia? Su questo mistero entra in gioco l’autore che affida al dottor Emil Moreno, giovane psichiatra di Basilea, il compito di chiarire se Vincent fosse schizofrenico o un uomo normale dalla genialità incompresa. L’allievo Moreno si scontrerà con il suo maestro Jaspers, autore del saggio "Il caso Van Gogh" del 1922. Come finirà lo scontro? La trama descrive le vicende intime e traumatiche di Van Gogh, sempre sottovalutate dai medici. Il lettore potrà parteggiare per la difesa della normalità sostenuta dal dottor Moreno e per l’accusa di schizofrenia motivata dal professor Karl Jaspers.

Una stimolante riflessione sulla rivoluzione urbana in corso, invisibile e inavvertita ai più, ma lucidamente riconosciuta e minutamente analizzata dallo sguardo critico e disincantato dell'autore. A partire dalla messa a fuoco iniziale, nel primo capitolo, di un nuovo modello di modernità debole e diffusa, con il correlato smottamento funzionale di tutti gli apparati architettonici e urbani, Andrea Branzi approfondisce nei successivi capitoli il processo storico di progressiva integrazione tra spazi interni e spazi esterni. Il discorso procede muovendosi originalmente sia in senso geografico, spaziando tra le civiltà non architettoniche - dagli insediamenti neolitici dei primi sapiens a quelli tradizionali del continente africano - a quelle a noi più vicine, fondate invece sul modello urbano, sia in senso cronologico, mettendo in evidenza come i differenti modelli storici di progettazione degli spazi interni derivino da fondamenti culturali autonomi rispetto agli usuali modelli teorici dell'architettura e dell'urbanesimo. L'ultimo capitolo propone una "Nuova Carta di Atene", che sostituisce ai dieci principi dello storico documento, espressione del Movimento Moderno, dieci consigli per il presente scenario urbano nell'epoca della Terza Rivoluzione Industriale e della globalizzazione.

Ars factiva è arte efficace, produttiva. È arte che dialoga con il mondo delle imprese, della tecnologia, dell'educazione, della società, ma che sa produrre se stessa in maniera creativa e innovativa. Il tema della "necessaria inutilità" dell'arte è antico ed è stato dibattuto varie volte, ma nella nostra società acquisisce nuovi significati. Il sottotitolo, provocatorio, sta a sottolineare come nella società contemporanea, caratterizzata da progressi scientifici e tecnologici mai visti prima, l'arte può assumere un nuovo ruolo. Ars factiva non è un saggio curatoriale, ma un approfondimento su come arte contemporanea e società possano essere strettamente correlate. Parliamo di appagamento estetico, ma allo stesso tempo di funzionalità a qualcosa - se non altro dal punto di vista educativo e della comprensione - in campi quali il mondo delle particelle, i big data, il rapporto con la natura, l'architettura e lo spazio, la comprensione del corpo umano, la psicologia, oltre che in generale la scienza e la tecnologia. Dopo una panoramica in ognuno di questi ambiti, per capire il nesso con il mondo dell'arte, un capitolo è dedicato a una installazione per ciascuna di queste relazioni, un'opera che esprime al meglio tale rapporto, da Iñárritu a Ikeda, da Gormley a Tresoldi. È quindi anche un'opportunità per presentare alcune opere e installazioni che usano un linguaggio estremamente avanguardistico e multidisciplinare. Quindi intrigante.

Un documento imprescindibile per comprendere il pensiero e l’opera di un maestro fra i più grandi del Novecento. Nell’ottobre 1917 Piet Mondrian (Amersfoort, Olanda 1872 - New York 1944) pubblica sulla rivista “De Stijl” il primo articolo in cui definisce la sua visione del mondo e dell’arte, chiarendo gli ideali della tendenza da lui fondata, il neoplasticismo. Lo scopo della vita e della nuova pittura, scrive, è abolire il tragico. Una trentina di anni prima un altro artista olandese, Van Gogh, aveva portato il tragico nel cuore dell’arte moderna. Ora, quasi come un contrappasso, Mondrian aspira a un’arte libera dal dolore. Per far questo crea un linguaggio, basato unicamente sulla geometria e sulle linee rette, che si stacca dalla natura e dall’io e coglie le strutture dell’essere. Il volume, con un’introduzione di Elena Pontiggia, raccoglie gli scritti più importanti e rivelatori del padre del neoplasticismo, presentati in una nuova traduzione. Pubblicati tra il 1917 e i primi anni venti, i testi sono un documento imprescindibile per comprendere il pensiero e l’opera di un maestro fra i più grandi del Novecento.