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Antonella Dicuonzo I violini di Paolo VI. Storia di un dono-simbolo per i suonatori “nomadi” Toni Casalonga et Ugo Casalonga «L’antica cetra» en Corse: renaissance d’un instrument oublié Jacopo Strada Una esperienza di categorizzazione del timbro tramite test di definizione operativa Giuseppe Sanfratello Un’altra Grecia? Turismo e pratiche musicali nelle Isole Ionie Claudio Angeleri Per una storia della didattica jazz

Giovannella Berardengo I dodici concerti per violoncello e orchestra di Luigi Boccherini: tratti idiomatici della scrittura strumentale e peculiarità stilistiche Marco Mangani «La verità della cosa che si va a rappresentare»: Boccherini e la musica “altra” Chiara Bertoglio Bach addobbato, Bach sfrondato: trascrizioni italiane per flauto e per pianoforte dei Sei Solo e delle Suites per violoncello Giorgio Astrei Di vento, fiori e spighe – da un canto popolare della mia terra (2020) Serge Lemouton Les instruments du quatuor augmenté. Une rétrospective des résultats de la recherche musicale sur les instruments à archet à l’Ircam au XXIème siècle Gastone Pietrucci Violini e violoni nei canti di questua del Fabrianese, nelle Marche Vincenzo Caporaletti Free music italiana nei primi Settanta del secolo scorso: “old fashioned”? L’assolo di Bruno Tommaso in “Old Fashioned”.

Angela Buompastore Dalle Lettres d’un bachelier ès-musique: la Milano musicale di Liszt e Marie d’Agoult Mariateresa Dellaborra «Farò quanto potrò come i tenori indisposti»: la corrispondenza tra Antonio Bazzini e Ugo Bassani Teresa Chirico Il Concorso Liszt della Casa Boisselot di Marsiglia al Liceo musicale di Roma Giacomo Franchi Le tracce della forma sonata in Après une lecture du Dante di Franz Liszt.

Francesco Morlacchi (Perugia 1784-Innsbruck 1841) fu un compositore di rilievo nel complesso panorama musicale dei primi decenni dell’Ottocento che ricoprì la carica di maestro di cappella alla corte di Dresda dal 1810 alla morte. Compose venticinque melodrammi creati per importanti teatri in Italia (tra questi l’Argentina a Roma, il S. Carlo a Napoli, la Scala a Milano, la Fenice a Venezia, il Carlo Felice a Genova) e per il teatro di corte a Dresda; oratori e musica sacra; romanze e cantate per diversi organici destinate per lo più a celebrare le occasioni della vita di corte ed eventi napoleonici ai cui ideali improntò la sua carriera.

Il 26 settembre del 2005, presso l’Isaac Stern Auditorium della Carnegie Hall in New York City, Keith Jarrett tenne un memorabile concerto di creazioni in tempo reale, pubblicato dalla ECM nel settembre dell’anno successivo. L’opera discografica è stata articolata in dieci parti, con l’aggiunta di alcuni pezzi di encore. Il primo brano, Part I, che consta di 9 minuti e 18 secondi, è stato interamente trascritto in notazione standard da Vincenzo Caporaletti (con playback del programma di notazione informatica sincronizzato con la fonte audio per garantire la piena congruenza trascrittiva) e pubblicato in questa edizione anche per un utilizzo eventualmente performativo.

Anna Valentini Antonio Goretti (1571–1645) «huomo degno, onorato, intelligente di musica»: collezionismo, mecenatismo e promozione delle arti a Ferrara Luca Ambrosio Il dramma per musica a Roma dopo Giulio Rospigliosi (1668–1689): tipologie drammaturgiche e aspetti performativi Tiziana Affortunato Circolazione di cantate italiane a metà Seicento: i casi di Carlo Caproli e Girolamo Pignani Alessandro Sanguineti Bernardo Sabadini’s solo-obbligato bass violin arias Anna Giust Nikolaj Petrovič Šeremetev e Monsieur Hivart: un caso di cooperazione internazionale nel teatro russo del Settecento.

Si tratta di una nuova edizione del celeberrimo Dizionario ragionato del livornese di Ettore Borzacchini, storico collaboratore e anima del “Vernacoliere”, che esce con la prefazione di un musicista e musicologo livornese illustre, Federico Maria Sardelli, autore pure delle spiritose illustrazioni. Come risorsa lessicale anche la parolaccia è inerte: allora ha bisogno di vita, ha bisogno di esplodere per tempismo che appaia non calcolato; e lo stesso deve accadere della più complessa locuzione pesantemente oscena. Borzacchini infiora del suo bruciante commento ogni voce e ogni espressione del vernacolo livornese che viene proposta e analizzata, e lo fa con estro, intelligenza perfino raffinata, sapiente moderazione, ma anche senza filtri: il simulato linguaggio tecnico dotto che improvvisamente sfocia nella battuta incontenibile, se necessario irriverente e sbracata più della voce presa in esame sono una cifra della sua scrittura colta e irriverente. “Cosi egli volge in giulivo ridere perfino l'invettiva più rancorosa, operazione sapiente e non facile nei confronti di una parlata che nella sua sfrenatezza non teme concorrenza” (Luciano Satta).

Nonostante le profonde trasformazioni causate dalla crescente informatizzazione della società, oltre che dal prevalere di una fruizione visiva rispetto a quella uditiva, la musica ben si presta a regolare alcune qualità/peculiarità del periodo adolescenziale, offrendo ad esse un contenimento, ma altresì un potenziamento. L’esperienza musicale è capace di connettere la nostalgia per l’infanzia al desiderio di futuro; può facilitare un processo d’integrazione intra e interpsichico, così delicato e problematico nell’adolescenza; è in grado di delimitare uno spazio dove incontrare l’altrui fisicità ed emotività in uno scambio costruttivo.

L’attuale filosofia della musica, influenzata dall’ideologia dell’esteriorità, tende a ignorare gli aspetti sapienziali dell’arte dei suoni, o a relegarli entro categorie antropologiche ed etnomusicologiche. Questo saggio invece parte dalla centralità che tali aspetti assumono nella tradizione pitagorico-platonica (considerata la tradizione musicale dell’Occidente) e dalla loro affinità con le basi dell’alchimia spirituale, cogliendo lo sporadico accostarsi delle due arti nei tortuosi percorsi della cultura occidentale. La musica e l’alchimia tradizionali, come ogni arte sacra, hanno infatti un solo e medesimo scopo: la rigenerazione dell’uomo.

Maurizio Pollini (1942-2024) ha rappresentato, in modo moderno e consono alla società del nostro tempo, una figura-modello di musicista. Rigoroso e aperto a tutti i linguaggi, tenace sostenitore e promotore della musica nuova, uomo di cultura e intellettuale aperto a tutte le arti, fino all’ultimo impegnato civilmente. A un anno dalla morte, ricordare la personalità e l’opera di interprete del grande pianista italiano, è un gesto culturale. Perché, dalla vittoria al Concorso Chopin di Varsavia (1960), Pollini è stato il musicista al pianoforte più rappresentativo dei nostri giorni: testimone-attore della vita musicale internazionale, protagonista di esecuzioni memorabili e rivelatrici. Per quasi mezzo secolo, con articoli pubblicati sul quotidiano «la Repubblica» e riviste di settore, Angelo Foletto ha seguito l’evoluzione artistica e la passione ‘politica’ di Maurizio Pollini. La raccolta di cronache, interviste, recensioni di concerti dal vivo e registrazioni discografiche ripercorre la sua significativa vicenda artistica svolta da solista e con grandi direttori. Primo tra tutti, Claudio Abbado, l’amico con cui Pollini ha condiviso palcoscenici e gesti pubblici forti a favore della diffusione senza pregiudizi né indolenze della «musica d’arte» — come la chiamava — nella società.

Nel bellissimo adagio posto al termine di Poeta delle ceneri, Pasolini definisce la musica come «l’unica azione espressiva forse, alta, e indefinibile come le azioni della realtà» nel tentativo di descrivere il fascino ch’essa ha sempre esercitato nel suo immaginario di intellettuale, regista, scrittore, pittore e poeta. La musica, nella sua parabola artistico-esistenziale, non costituisce un semplice oggetto d’indagine ma è piuttosto una delle chiavi privilegiate per accedere al suo pensiero.