Magonza

«Il Progetto di educazione museale Musei [e] Pubblici. Verso una rivoluzione inclusiva dei musei come spazi relazionali ... nasce dall’esperienza che l’Associazione DI.CO. ha maturato nel corso degli anni occupandosi della gestione dei servizi educativi, dapprima presso il Museo MARCA – Museo delle Arti di Catanzaro e successivamente presso il Museo MUSMI – Museo Storico Militare Brigata Catanzaro e il Parco Internazionale delle Scultura o MARCA_OPEN. Due le parole chiavi che hanno guidato l’iniziativa: inclusività e accessibilità, requisiti fondamentali per rendere pienamente fruibili i luoghi del patrimonio che le istituzioni museali della città di Catanzaro mettono a disposizione, a favore di differenti tipologie di pubblico. L’obiettivo è stato quello di cercare di superare, ma soprattutto di abbattere oltre che le barriere fisiche, anche quelle comunicative e culturali per garantire il pieno accesso ai luoghi della cultura.» (Rossella Talotta). Il volume ripercorre le diverse fasi di articolazione del progetto, nato «come riflessione sul rapporto tra l’istituzione museo e i suoi diversi pubblici e, a livello operativo, su come rendere partecipe un pubblico sempre più eterogeneo» (Silvia Pujia).

Il volume accompagna la mostra a Ca' Pesaro – Galleria Internazionale d'Arte Moderna di Venezia dal 21 aprile al 23 ottobre 2022, curata da Elisabetta Barisoni ed Edith Devaney, con la direzione scientifica di Gabriella Belli. Focus della ricerca sono gli anni dal 1950 al 1970, cruciali per la produzione dell'artista, che entra a stretto contatto con il mondo americano e, delineando un proprio e irripetibile linguaggio, unisce il carattere tonale della pittura veneta con i linguaggi più all'avanguardia del periodo. Nel volume un importante approfondimento è dedicato alle partecipazioni dell'artista alle Biennali veneziane, mentre una cospicua sezione di documenti (anche fruibili in una sezione digitale) accompagna le varie sezioni del libro.

«Fin da bambino sono stato attratto dal mondo delle immagini più che da qualsiasi altra forma di cultura e di comunicazione. Mi piacevano le figure, la pittura, le arti figurative in genere». Luigi Ghirri, tra i più grandi fotografi del Novecento, scava nel significato intrinseco dell'immagine nella contemporaneità. Gli scatti presenti in catalogo ritraggono manifesti, cartelloni pubblicitari, scritte sui muri: immagini di una realtà che lo circonda resa altra da sé dall'ottica della fotografia. «Se in forza del suo sguardo archeologico Ghirri sa cogliere la memoria di lunga durata che si occulta nelle icone della rappresentazione mediatica, è poi nel pathos di questa memoria reminiscente che mette a fuoco il progetto di lavori come "Paesaggi di cartone" e "Kodachrome": "inventare l'immagine mito, archetipo d'oggi, fascino sostitutivo di una realtà che ha delegato alla rappresentazione di se stessa il modo di farsi conoscere dall'uomo"». Il volume, in lingua inglese e italiana, è realizzato in occasione della mostra "Luigi Ghirri. The Enigma of Vision", presso la Repetto Gallery di Londra (17 maggio - 14 giugno 2019), con un testo critico di Ennery Taramelli.

Freddy Longo – poeta, scrittore, fotografo – cattura i colori del paesaggio urbano, le sue assonanze artistiche e i disegni geometrici sottesi. Le stazioni divengono nello sguardo dell’artista luoghi sospesi, grembi di attesa, talora senza presenze umane, consapevoli però della Storia e delle implicazioni socio-politiche che le hanno attraversate. Poi i ritratti in bianco e nero, i colori accesi e le combinazioni di immagini anacronistiche, fiabesche, romantiche, teatrali, perfino pop. Il volume, con un testo della curatrice del libro Gabriella Belli, è una raccolta fotografica che coglie del viaggio la solitudine dei suoi personaggi e dei suoi spazi, l’unione possibile tra immaginari della realtà e della finzione.

Il catalogo, trilingue, accompagna l’originale modello di allestimento dei lavori di Josef e Anni Albers – maestri del Bauhaus, che hanno concepito opere atte a stimolare la percezione di tutti i sensi poiché consideravano l’arte non come un oggetto da mostrare, ma come un’esperienza da vivere – che, dopo la prima tappa italiana al Santa Maria della Scala a Siena si sposta in altre due sedi museali europee, il Glucksman, in Irlanda e il Museo di arte contemporanea di Zagabria, in Croazia. VIBE. "Voyage inside a blind experience", questo il nome del progetto che prevede la creazione di un modello di mostra temporanea fruibile con le stesse possibilità sia da un pubblico normovedente che da portatori di disabilità visiva.

Il volume ci restituisce la poetica profonda di Giulio Ceppi attraverso una visione aperta, fluida e imprevedibile delle relazioni tra il mondo dell'arte e quello della moda. Le opere di Giulio Ceppi consistono in collages tra mondi diversi, passato e presente, assemblaggi di segni, codici, linguaggi ogni volta realizzati in una nuova e diversa originale sintesi. Il frammento diviene protagonista in questo processo, fisico o intangibile, mnemonico o reale, figurativo o astratto: un ri-montaggio ignoto nel suo divenire. «Avrei voluto essere un archeologo da bambino,capace dal frammento di ricostruire un mondo, di intuire una vita diversa e lontana nel tempo. Quindi decomporre, comporre e ricomporre è parte di una stessa pratica, universale forse. Che sia un oggetto, un'immagine, un'architettura: il frammento non è un dettaglio, ma l'inizio di una possibile storia.»

Arcangelo Sassolino forza la materia: vetro, acciaio, legno, pistoni idraulici ad olio e ruote di camion sono i soggetti di un realismo “al limite”, dove instabilità, attriti e pressioni, casualità, strappi e forzature costruiscono opere governate da tensioni e imprevisti.L’artista utilizza in maniera straniante e alternativa materiali eterogenei, industriali, indagandone i limiti fisici e le loro declinazioni alternative. Il catalogo della mostra alla Repetto Gallery di Londra (dal 28 settembre al 27 ottobre 2017) presenta i testi di Carlo e Paolo Repetto e una conversazione con l’artista del curatore Luca Massimo Barbero. Testi in lingua italiana e inglese.

Il volume, edito in occasione della rassegna d'arte contemporanea composta da tre appuntamenti svolti al MAN di Nuoro, dal nome "La costante resistenziale" (2015-17), analizza attraverso un ricco apparato iconografico, approfonditi saggi storico-critici ed estesi focus tematici, l’arte in Sardegna dalla fine degli anni Cinquanta ad oggi. Come nelle parole di Lorenzo Giusti: «[…] il mito della “costante resistenziale”, dell’opposizione sistematica “all’assimilazione e all’acculturazione esterna”, si è rivelato un criterio di visione privilegiato attraverso il quale osservare lo sviluppo delle pratiche artistiche […]. In questo lavoro di ricognizione la dimensione del mito si è scontrata con l’idea del nuovo, scelto come oggetto primo della ricerca, come criterio di discernimento e di scelta, nel tentativo di raccontare tutto ciò che di diverso rispetto al codificato, di alternativo ai connotati classici dell’isola anticlassica, si è impiantato in Sardegna a partire dalla fine degli anni Cinquanta». Testi di S. Borsato, A. Camarda, S. Campus, A. Cuccu, M. Deiana, L. Giusti, R.P. Ladogana, E. Manca, M. Mureddu, G. Pazzola, M. Pettinau, R. Sirgiu, L. Vargiu.

"A più di 50 anni dal suo apparire ed il suo svolgersi, a più di mezzo secolo dalla sua nascita, oggi abbiamo la serena ed ampia visione, l'agile prospettiva, per valutare appieno l'Arte Povera: un ampio movimento, tanto affascinante quanto variegato e libero e magico: un importante gruppo di artisti, che una volta di più dimostra quanto l'Italia, a fronte di un individualismo ed una corruzione drammatica, rimanga un paese insuperabile per fantasia, immaginazione e creatività" (Paolo Repetto). Le schede critiche di Bruno Corà e le opere di alcuni dei maggiori protagonisti dell'Arte Povera Anselmo, Boetti, Calzolari, Fabro, Kounellis, Merz, Paolini, Pascali, Penone, Pistoletto, Prini Zorio - disegnano un percorso critico-artistico che risale occasioni e situazioni, motivi storici ed entusiasmi del movimento artistico italiano, ma di risonanza internazionale, del secondo Novecento. Un apparato biografico degli artisti completa il catalogo, edito in occasione della mostra "Metamorphosis: the Alchemists of Matter. A Point of View on Arte Povera", allestita alla Repetto Gallery di Londra (5 ottobre - 2 novembre 2016).

«Si tratta di testi che coprono quasi 70 anni di ricerca e affrontano una serie molto vasta di argomenti, spaziando dalla psicologia della percezione alla psicoanalisi, dalla teoria dell'informazione all'intelligenza artificiale, dalla critica d'arte (o piuttosto dalla critica della critica d'arte) alla storia dell'arte, dall'estetica alla sperimentazione artistica. ... Eppure un unico scopo accomuna funzionalmente tutti gli scritti: la costruzione della teoria eventualista. Una visione che si è formata all'interno del complesso sistema dell'avanguardia artistica internazionale, mettendosi in evidenza come proposta elitaria, specialistica, lontana dalle mode che dominavano il mercato». (Sergio Lombardo)

Il libro – il primo di taglio monografico dedicato all'artista – è incentrato su Antonio Campi (Cremona, 1522/1523-1587), uno tra i protagonisti del secondo Cinquecento in nord Italia, ed è articolato in due parti: il primo volume raccoglie le attestazioni oggettive sulla vita e l'attività di Antonio Campi (ne risulta un regesto di oltre 400 numeri che permette di seguire l'artista per tutto l'arco della sua esistenza); il secondo volume, in forma saggistica, ripercorre la fortuna dell'artista attraverso i secoli (dalla prima menzione del suo nome a stampa fino alla grande mostra sui Campi organizzata nel 1985 a Cremona). I due volumi sono arricchiti, rispettivamente, da un saggio di Jacopo Stoppa e da una postfazione di Giovanni Agosti.