Electa: CATALOGHI DI MOSTRE

Il volume accompagna l'omonima mostra (Mantova, Palazzo della Ragione, 22 marzo – 14 luglio 2019), che presenta circa 150 opere di Braque risalenti prevalentemente al periodo tra le due guerre e al secondo dopoguerra. Grande attenzione è riservata alla sua produzione matura, caratterizzata dall'affermarsi di un alfabeto fantastico fatto di pochi lemmi, un orientamento ideografico (o pittografico) per cui arti figurative e poesia acquistano tratti morfologici comuni e i temi sono replicati e perfezionati alla ricerca di una semplicità ultima e definitiva. E così, grande importanza acquista, in questa sua fase creativa, il libro d'artista, ampiamente presentato in mostra. Il catalogo ricostruisce anche le relazioni tra Braque e gli artisti della sua generazione, ma anche della generazione più giovane, incluso Duchamp. Include i saggi firmati da Michele Dantini e Markus Müller, insieme a testi di Georges Braque, Michael Baxandall, Louis Aragon, Eugenio Montale e molti altri.

"Le Violon d'Ingres" è un progetto da un dialogo tra la curatrice e l'artista Christian Boltanski, una mostra d'eccezione sulle pratiche trasversali e radicali di personalità geniali di tutti i tempi. Incentrata sulla figura di Victor Hugo e su una selezione rigorosa e sorprendente di suoi disegni - da molti artisti contemporanei considerati sempre più di grande ispirazione -, l'esposizione presenta al contempo le passioni e le ossessioni, meno conosciute dal pubblico, di figure straordinarie come Guillaume Apollinaire, Antonin Artaud, Samuel Beckett, Jean Cocteau, Sergueï Mikhailovich Eisenstein, Federico Fellini, Jean Genet, Sacha Guitry, Franz Kafka, Pierre Klossowski, Carlo Levi, René Magritte, Nelson Mandela, Louise Michel, Pier Paolo Pasolini, Arnold Schönberg, e dei contemporanei Etel Adnan, Chantal Akerman, Christian Boltanski, Chris Kraus, Pierre Guyotat, Abbas Kiarostami, David Lynch, Patti Smith e Robert Wilson.

Una conversazione tra Flaminia Gennari Santori e Bartolomeo Pietromarchi ci guida alla scoperta della grande mostra che si dipana attraverso gli ambienti storici di Palazzo Barberini e undici sale aperte al pubblico per la prima volta e restituite alla città, con un'appendice espositiva al MAXXI. L'intendimento dei curatori è stato quello di far dialogare originalmente arte antica e arte contemporanea attraverso un meditato accostamento (esaltato dalle installation views di Agostino Osio) di 37 opere di 25 artisti dalle collezioni delle Gallerie Nazionali Barberini Corsini e del MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, schedate da Michele Di Monte ed Eleonora Farina. Da Caravaggio a Giulio Paolini, da Raffaello a Richard Serra, da Bernini a Yan Pei Ming e molti altri a evocare la figura dell'artista, allo stesso tempo Narciso ed Eco, condannato a inseguire un'immagine, un riflesso, un'illusione, metafora declinata in innumerevoli sfumature nel ritratto e nell'autoritratto: dal potere all'erotismo, dall'intimo all'esotico, dalla temporalità alla spiritualità, dal concettuale al grottesco.

Come evocato dal titolo, nel ricostruire l'opera dell'artista siciliana a sei anni dalla sua scomparsa, mostra e catalogo (la mostra è allestita al Museo del Novecento di Milano dal 9 ottobre 2020 al 27 giugno 2021) esplorano il contesto storico, sociale e politico di cui la Accardi fu non solo interprete ma anche protagonista. Di questa analisi fanno parte sia la fitta rete di relazioni che contribuì alla definizione dell'immaginario dell'artista, sia i momenti espositivi fondamentali per il suo percorso: dalle personali romane degli anni cinquanta alla partecipazione alla mostra sull'arte italiana al Guggenheim di New York del 1994, dalla sala riservata alla Biennale 1964, fino alle retrospettive al Castello di Rivoli e al MACRO di Roma. Le tappe creative ricostruite nei saggi sono accompagnate da un ricco apparato iconografico, proveniente in prevalenza dall'Archivio Accardi Sanfilippo: foto d'epoca del gruppo Forma, dell'artista con Giulio Paolini, Enrico Castellani, Michelangelo Pistoletto, scatti dei primi allestimenti, inviti e riviste con testi di Carla Lonzi e Anne Marie Sauzeau Boetti, riproduzioni delle opere dagli esordi geometrici delle Scomposizioni agli esperimenti con il sicofoil. A questo materiale, la cifra stilistica della Accardi, rende omaggio l'elegante sovraccoperta in PVC che avvolge il catalogo in un gioco di trasparenze. "Carla Accardi. Contesti" racconta la figura di un'artista e di una donna complessa, militante, capace di agire sul suo contesto e al di là di esso. Il progetto grafico del catalogo è di Leonardo Sonnoli e Irene Bacchi (Studio Sonnoli).

“Giro Giro Tondo. Design for children” nasce dalla volontà di indagare il nesso fra design e infanzia, fra cultura del progetto e cultura pedagogica. Arredi, Giochi, Architetture, Segni, Animazioni, intervallati da approfondimenti dedicati a figure di spicco, come Bruno Munari e Riccardo Dalisi o Maria Montessori e Mario Lodi, e alla iconicità dell'affabulazione, come Pinocchio. Il vero protagonista è il bambino. Lo è in quanto persona e in quanto punto di vista sul mondo e sulle cose.

Gastone Novelli (Vienna, 1925 - Milano, 1968) è stato uno dei maggiori protagonisti della pittura italiana del secondo dopoguerra. La mostra a lui dedicata nasce dall'importante entrata nelle collezioni civiche di alcune opere in donazione dagli eredi dell'artista. L'esposizione alla Ca'Pesaro di Venezia (15 novembre 2025 - 1 marzo 2026) e questo catalogo, curato da Paola Bonani e Elisabetta Barisoni, restituiscono tutte le diverse fasi della ricerca di Novelli: dagli esordi concretisti degli anni brasiliani alle suggestioni gestuali e segniche degli anni de "L'Esperienza Moderna", rivista fondata insieme ad Achille Perilli, a cui collaborarono alcuni dei maggiori artisti italiani e stranieri attivi in quegli anni; dalla maturazione all'inizio degli anni Sessanta della sua personalissima poetica in cui immagini e parole svelano la natura ambigua del linguaggio, fino allo scadere del decennio, momento in cui la parola e l'azione dell'artista sono investiti di un più esplicito significato etico e politico.

Paolo Giovio fu uno degli intellettuali più autorevoli del Cinquecento. La sua notorietà è legata in particolare alla celebre Villa Museo che fece edificare a Como, concepita come luogo di raccolta per una straordinaria collezione di oltre quattrocento ritratti di personalità illustri, antiche e contemporanee: letterati, sovrani, artisti, papi e condottieri. Questa raccolta, frutto di circa trent'anni di lavoro, venne in seguito frammentata nelle successioni ereditarie e in gran parte dispersa. Il volume "Paolo Giovio. La collezione dei ritratti degli uomini illustri", a cura di Bruno Fasola, presenta i ritratti originali di Giovio conservati nella Pinacoteca di Como, affiancandoli a quelli oggi custoditi in musei e collezioni private.

Il volume è il catalogo della mostra omonima allestita a Milano, presso il Palazzo Reale dal 20 settembre 2025 all' 11 gennaio 2026. Un'importante retrospettiva - la prima in Italia - con oltre 60 opere a testimonianza della straordinaria vita professionale e del percorso biografico di Leonora Carrington che, partendo dalla natia Lancashire, con le sue radici celtiche, visse a Firenze, Parigi, nel sud della Francia, in Spagna e a New York, infine in Messico, dove si stabilì definitivamente e dove è stata a lungo celebrata come una delle artiste più importanti, accanto a Frida Kahlo e Remedios Varo. La mostra, a cura di Carlos Martín e Tere Arcq, rientra nel programma dell'Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026 e offre uno sguardo profondo sulla produzione artistica e sull'identità intellettuale di una delle figure più singolari e visionarie del Novecento, attraverso un articolato percorso tra dipinti, disegni, fotografie e materiali d'archivio, che esplora l'intero arco della sua vita creativa, dalle origini in Europa fino al radicamento in Messico, sua seconda patria. Il catalogo, riccamente illustrato a colori, ospita testi di Gabriel Weisz Carrington, professore di Letteratura Comparata presso l'UNAM, Messico; Karla Segura Pantoja, professoressa presso l'Université de Lyon, Francia; Susan Aberth, titolare della cattedra Edith C. Blum di Storia dell'Arte e Cultura Visiva, nonché coordinatrice del programma di Teologia presso il Bard College; Kristoffer Noheden, scrittore e ricercatore presso il Dipartimento di Studi sui Media dell'Università di Stoccolma, nonché dei due co-curatori.

Il volume è il catalogo della mostra omonima allestita a Milano, presso il Palazzo Reale dal 23 settembre 2025 all'11 gennaio 2026. Il capoluogo lombardo rende omaggio ad Andrea Appiani (Milano, 1754 - 1817), figura centrale del Neoclassicismo italiano e protagonista assoluto della pittura a cavallo tra Illuminismo e Impero. Curata da Fernando Mazzocca, Francesco Leone e Domenico Piraina, l'esposizione mira a ricostruire il percorso artistico di Appiani con oltre 100 opere provenienti da collezioni italiane e internazionali, restituendo l'immagine della vitalità culturale della Milano neoclassica. La mostra e il catalogo offrono uno sguardo completo e profondo sulla produzione artistica e sull'identità intellettuale del 'primo pittore' del Regno d'Italia napoleonico, insignito di medaglie onorifiche come la Légion d'honneur, definito il "pittore delle Grazie", figura chiave del neoclassicismo milanese e nazionale. La sua raffinata, armoniosa arte è stata al centro di commissioni religiose, aristocratiche e politiche. Celebre soprattutto nel periodo napoleonico, la sua produzione spazia dagli affreschi monumentali, ai ritratti, alle medaglie, con uno stile unico, riconosciuto per equilibrio, grazia e rigore formale. Il catalogo include numerosi saggi introduttivi e di approfondimento, oltre alle schede scientifiche di tutte le opere in mostra.

Il volume accompagna la mostra omonima allestita a Roma, presso l'Accademia di San Luca, dal 25 settembre al 6 dicembre 2025. "Eh, lampu!" richiama una tipica locuzione del sardo logudorese che esprime meraviglia o stupore di fronte a un improvviso e inaspettato "fulgore" — il lampo. La sua apparizione, rapida e vivida, manda in tilt l'osservatore: lo disorienta, lo riorienta, lo proietta in un'altra realtà percettiva. Un aggregato di energia — un fulmine, appunto — scaturisce dal lavoro di Daniele Puppi e, come una scarica elettrica, attraversa trasformandoli gli ambienti architettonici dell'Accademia Nazionale di San Luca, alterandone radicalmente la percezione. Volume bilingue in italiano e in inglese. Traduzioni di Camilla Giaccio e Beiru Gu; Jennifer Mills, Irene Inserra, Barbara Venturi per Scriptum, Roma.

Nei primi decenni del secolo scorso un'area geografica nota all'epoca come Turkestan, e in particolare la sua capitale Tashkent, attirò una vivace galassia di artisti provenienti da altre zone dell'Asia e dell'Unione Sovietica che, dopo aver studiato arte a Mosca, San Pietroburgo, Kiev o Parigi, furono attivi in questa regione dell'Asia Centrale. Tra le personalità che animarono quella che è stata definita "Avanguardia Orientalis" c'è anche Ural Tansykbayev, uno dei più importanti pittori uzbeki del Novecento. Il volume, che è anche il catalogo della più importante retrospettiva dedicata a questo autore da quarant'anni a questa parte, segue il percorso di Tansykbayev dalla fase iniziale, caratterizzata dalla ricerca e dalla rapida scoperta della sua originale voce modernista, agli anni quaranta e cinquanta, quando la sua tecnica pittorica si modificò profondamente e il paesaggio divenne la sua "nicchia artistica", fino al periodo del Disgelo (1954-1964), durante il quale riuscì a fondere con successo la finezza tonale dei decenni precedenti con le esperienze coloristiche dei primi anni, acquisendo così una visione universale del mondo particolarmente simbolica. Arricchito dai saggi di due importanti studiose quali Zelfira Tregulova e Olga Polyanskaya e da una biografia illustrata, il libro si presenta come una vera e propria monografia del pittore passato alla storia come il "Matisse uzbeko".