Storia dell'arte: stili artistici

Una serie di riflessioni sul "fare arte" vengono proposte in modo discorsivo, più per interrogare sé stessi, dal momento che il già realizzato è quello che stabilisce le coordinate del vivere futuro: "...ognuno agisce come sa fare, con le forze fisiche e intellettuali di cui ha esperienza". Le due autrici, Gea D'Este e Cristiana Moldi-Ravenna, ripercorrono nei ricordi il loro esprimersi - Gea con la scultura e Cristiana con la poesia - le testimonianze dell'esserci "per dare forma visiva... di quanto l'essere umano possa, nel corso della vita, essere artefice della propria trasformazione, ...divenire diverso dagli altri e da sé". Si sviluppa quindi una ricerca di dati certi - mentre i dubbi si moltiplicano - che giustifichi la necessità di tramandare il risultato di quello che si fa, con la consapevolezza dell'importanza del ruolo sociale, imprescindibile, dell'artista.

I sette vizi capitali rappresentati da sette opere, ciascuna ben connotata e distinta per forma, colore e materiale - dall'ovale in marmo per la superbia al triangolo in ceramica per l'invidia, solo per citarne alcuni - si pongono quindi in contrasto con i "bianchi sogni di un altro mondo" di Hendrik Christian Andersen che, sebbene non espressamente, ha perseguito un ideale d'arte e vita improntato alla glorificazione della virtù, come fanno bene comprendere alcuni evocativi passaggi del Diario di Olivia che ne esalta la dedizione e lo sforzo per il raggiungimento di uno scopo più alto e spirituale. Le idee di Hendrik Andersen erano condivise dall'amata cognata Olivia Cushing, sua guida spirituale, ispirata dalla lettura dei saggi di Ralph Aldo Emerson, uno dei più influenti esponenti del movimento trascendentalista americano del XIX secolo, che nei suoi primi scritti sottolineò l'importanza di una vita buona e giusta ispirata dal rispetto per gli altri e dal perseguimento di finalità etiche. Nel programma iconografico della città ideale di Hendrik Andersen, questi concetti si traducono nella ricerca dell'equilibrio delle forme e nell'armonioso dialogo fra le sculture che l'artista ha messo al centro del suo progetto urbanistico.

Diverse stagioni, diverse luci, diversi stati d’animo compongono questa suite dove il colore domina solista o contrappunto a un accompagnamento di toni uniformi: cielo, acqua, terra. Tratti di una regione, l’Andalusia, fuori dagli stereotipi.

Volume pubblicato in occasione della mostra "Reinventare monumenti. Sculture di Carlo Ramous. Dipinti di Francesco Toniutti", presso lo Studio Museo Francesco Messina, a cura di Giuseppe Frangi. Testi di Maria Fratelli e Giuseppe Frangi.

Uno dei tesori artistici del Teatro Sociale – il “velario” storico di Alessandro Sanquirico, celebre pittore e scenografo attivo nella prima metà del XIX secolo – raffigura la morte di Plinio il Vecchio durante l’eruzione del Vesuvio del 79 d.C. Il bimillenario della nascita di Plinio il Vecchio, tra i massimi esponenti della cultura classica, è perciò l’occasione per la riscoperta e la valorizzazione di questo oggetto scenico di uso corrente, ma ben presto diventato emblema per la città. Nel saggio, con un ricco apparato iconografico e critico, Alberto Longatti ne traccia un ritratto storico e artistico, agile ed erudito al tempo stesso.

Affrontare un tema come quello della "Porta della Morte" di Manzù potrebbe sembrare solo un'ulteriore voce nel coro di coloro che ne hanno trattato, tuttavia il lavoro di Mons. Estivill non risulta essere "una voce nel coro" quanto invece una lettura storico-critica, ricca di documentazioni archivistiche, di tutto il processo, piuttosto articolato e complesso che, a partire dalle volontà testamentarie di un donatore, arriva attraverso ostacoli, interruzioni, ripensamenti, alla produzione di un capolavoro, espressione totale della poetica artistica del Manzù, e, nel contempo, monumento di catechesi sul mistero della morte.