Carlo Cambi Editore

Un nuovo libro di poesie dell'artista di Pienza, Saba Cappelli. Un nuovo itinerario in un mondo di valori e sentimenti che sembrava tramontato, una raccolta all'insegna dell'amore e della famiglia: famiglia proprio come indissolubile amore, come scambio vicendevole e aiuto reciproco.

Remo Remotti scriveva, disegnava, dipingeva, manipolava, costruiva, recitava, declamava, partecipava... entità umana per molti indefinibile, sfuggente come olio in discesa, geneticamente radicale e controcorrente, fuori da ogni categoria ma dentro il teatro delle voci libere ad altissima gradazione "alcolica". Remotti era la voce atavica della città, un grido archeologico e futurista, un'opzione militante tra regola e sregolatezza. Tutto e il contrario del quasi tutto, sperimentando il confine e la contaminazione, lo slittamento verbale, il riciclo e il riuso, il sacro e il profano, l'alto e il basso ma anche l'intermedio quando necessario. Un artista che scrive per immagini, senza sforzo apparente, seguendo la linea rossa del cuore: questo libro ne è la prova mai scontata, un viaggio in cui il disegno aderisce emotivamente all'attore iconoclasta, al poeta polemico, al dissacratore arrapato. Tratto e stile sono la carta identitaria del nostro originale artista, dei suoi organi interni e del suo vestire figurativo.

Il titolo di questo libro evoca le chiavi di lettura e le prospettive attorno alle quali ruotano la personalità, le esperienze, le suggestioni e i misteri di due tra i più straordinari artisti del Novecento. Il percorso narrativo attraversa figure e temi che hanno caratterizzato l'esperienza grafica di Pablo Picasso e Joan Miró, legati da un fil rouge che ne ha intrecciato le vite. La mostra e il catalogo non sono solo un viaggio che racconta il rapporto dialettico fra storia e contemporaneità, ma anche un dialogo fra i segni della tradizione vissuta e reinterpretata dagli artisti, e le energie che ne hanno acceso la creatività. La poesia di Joan Miró, così come la passione di Picasso, sono linguaggi eterni che non conoscono limiti di tempo e di spazio, diventano canto e tensione dell'anima, che filtra il reale per diventare pura idea. La loro instancabile esperienza attraverso un lungo cammino artistico li porta alla semplicità dell'essere. È l'alchimia della vita, gioco di luce, di tratto e di colore che si intreccia al filo dell'esistenza, che sorprende e stupisce, che alimenta la forza dell'immaginazione per arrivare ad un perfetto punto di incontro tra pittura e poesia. Pablo Picasso e Joan Miró, con le loro somiglianze e differenze, sono artisti puri e geniali, dalla vita appassionata e poetica, mossa da un fine unico: fare arte.

Un viaggio nel circuito biologico del riuso attivo, nei materiali saggi di una campagna generosa, pronta ad offrire lo spunto testuale, l'escamotage figurativo, la chiave concettuale. Quando parliamo di campagna s'intende, in realtà, il serbatoio continuo di scarti agricoli, meccanici, idraulici ed elettrici, che una tenuta nel verde produce a ciclo continuo. Immaginate una fucina in cui gli scarti vengono divisi per tipologia di materiale, un posto di attrezzi e macchinari da cui pescare con vorace energia. Adesso pensate a Sergio Russo, che gestisce quei frammenti con le sue mani flessuose, capaci di trattare il ferro e il legno con morbida passione. La fucina si trova nella campagna laziale, dove l'artista ha costruito il suo rifugio straordinario. Qui, seguendo le vicende cromatiche del paesaggio, Russo sviluppa le sue forme sinuose, i colori mai casuali, i prelievi di frammenti che giungono dal paesaggio. Qui sta nascendo un giardino tra land art e botanica visionaria, un luogo sorprendente, che rimanda ai singoli pezzi di una visione poetica tra natura e artificio.

È arrivato il tempo per Palazzo Collicola Arti Visive di fare il punto sulla Spoleto dei nostri giorni, di rivelare una città a tratti nascosta, ricca di talenti e idee, di persone che progettano e viaggiano, una Spoleto talvolta inaspettata, piena di contenuti e molteplici identità. "Spoleto Contemporanea" è un radar che racchiude la Geografia delle Arti in un territorio circoscritto ma fertile. Sono stati scelti autori che dimostrano continuità rispetto al proprio passato o che sperimentano volentieri sul presente: veterani e giovanissimi, uomini e donne, coloro che sono rimasti e coloro che tornano, fino agli "stranieri", che hanno scelto Spoleto come città d'elezione. Artisti ma anche architetti, designer, illustratori, videomaker e tutti coloro che producono fattori culturali ad un livello di adeguata qualità e contemporaneità, perché raccontare un territorio culturale significa tracciare una rete umana di visioni, intrecci, indicazioni, connessioni, cortocircuiti, e significa avere il coraggio di fare il punto, con la coscienza dell'errore e il vantaggio dell'intuizione.

Un viaggio retrospettivo nella visione di Natino Chirico, le sue mitologie contemporanee, i suoi universi che si trasformano in calibrate alchimie pittoriche. Nato a Reggio Calabria nel 1953 e trasferitosi a Roma nel 1975, l'artista si divide tra la Capitale e l'Umbria, dove ha costruito la casa del benessere spirituale, il luogo della fuga senza fughe, lo spazio del viaggio interiore, il luogo in cui la luce assume un valore meditativo, i vuoti diventano pieni e il colore connette la retina alle ragioni del paesaggio. La mostra e il catalogo per Palazzo Collicola Arti Visive inizia con le opere nate tra la metà degli anni Settanta e l'inizio degli Ottanta. Sono quadri che indicano una prima strategia teorica: l'abbassamento della temperatura cromatica, la frammentazione della figura, la precisione iperrealista. Chirico escludeva qui la città e vincolava l'occhio agli strumenti domestici del fare pittura, dal cavalletto ai tubetti, all'autoritrarsi per dettagli. La svolta verso il colore arrivò poco dopo, nella seconda metà degli anni Ottanta. La figura si apre agli echi di un paesaggio avvolgente, fatto di colori vividi e astratti. Da un certo momento in poi l'autore intraprende il suo close-up sulle mitologie del presente, sui lampi che illuminano l'immaginario collettivo, come tanti soli che scaldano paesaggi sentimentali e vertigini emotive.

Il lavoro di Fiamma Zagara è concettuale, ricco di elementi linguistici soggettivi, racconti vissuti in prima persona, diventati segni e immagini, che non fanno riferimento all'autoreferenzialità dell'arte, ma al dialogo tra il proprio universo e il mondo esterno. L'equilibrio, la simmetria, la proporzione, l'armamentario degli elementi che organizzano il lessico dell'arte classica, non sono più i riferimenti centrali e i modelli validi per l'adempimento della performance artistica utilizzata per raggiungere il risultato stilistico dell'opera. Lavori dall'aspetto informale gestiti da un'impostazione apparentemente distruttiva, bruciando corpi fisici riciclati con l'obiettivo di destrutturare, fondere, sformare ciò che prima aveva una precisa identità in qualcosa d'altro rispetto all'originale. La metamorfosi è il tema che guida l'ispirazione poetica e introduce alla questione dell'innovazione, intesa come esigenza di comprendere la propria personalità nel procedere della vita.

Da una parte Brigita Huemer usa i pattern naturalistici (cortecce, pelli di animali, tracce) come ispirazione iniziale per le sue elaborazioni pittoriche. Le fotografie di natura sono, infatti, il prologo di un metodo sinuoso tra manualità e tecnologia, una combinazione estetica che trasforma l'origine figurativa in una riflessione oltre la geometria, oltre la soglia del visibile. Dinamismi circolari e flussi cinetici catapultano l'occhio dentro mondi paralleli, spazi mentali, geografie dei sensi. Dall'altra Angelica Romeo, i cui cicli registrano la disciplina del gesto sotto controllo, di una felice lentezza che ipnotizza il colore in modo mineralizzato, come se quel grumo fosse una stalattite che narra di antichi organismi dal colore massiccio. Le gamme prescelte sono nette, eppure vibranti al proprio interno, simili a pietre preziose che si accendono nel buio pur conservando sottotraccia la loro genealogia. Quei segni pittorici non cercano enfasi o vertigini, al contrario suonano note elementari nel bianco che accoglie qualsiasi differenza.

Il Terzo Paradiso è la fusione tra il primo e il secondo: il primo è il paradiso in cui gli esseri umani erano totalmente integrati nella natura, il secondo è il paradiso artificiale, sviluppato dall'intelligenza umana attraverso un processo che ha raggiunto oggi proporzioni globalizzanti. Il progetto del Terzo Paradiso del Maestro Michelangelo Pistoletto consiste nel condurre l'artificio, cioè la scienza, la tecnologia, l'arte, la cultura a restituire vita alla terra, congiuntamente all'impegno di rifondare i comuni principi e i comportamenti etici, poiché da questi dipende l'effettiva riuscita di tale obiettivo. Per questo nobile scopo il Maestro Pistoletto ha creato un evento in divenire nei locali della Galleria Mucciaccia a Roma, insieme ad amici che si sono fatti coinvolgere nell'esperienza, iniziata la sera dell'11 giugno 2015 e conclusa dopo più di quattro mesi, quando le opere realizzate durante quell'incontro si sono concretizzate. Persone e storie differenti che, per qualche ora, si sono trovati in un unico punto, formato nello spazio e nel tempo proprio dall'incrocio dei cerchi ramificati che l'artista ha disegnato con il simbolo del Terzo Paradiso.

“Oramai è tempo” di portare la riflessione sull’arte alla domanda sulla sua autenticità a partire da un riesame dell’opera di alcuni artisti che, con diversi procedimenti, l’hanno resa veicolo di rivelazione. Enrico Castellani ha reso possibile apprezzare la proteiforme manifestazione dello spazio-tempo con una straordinaria fornitura di superfici pittoriche rese sensibili attraverso strutturazioni ritmiche della tela o della carta scelte come supporto elaborato mediante estroflessioni e introflessioni. La coscienza raggiunta, il sentire e l’agire entro una complessità di flussi di energie che circondano ogni manifestazione vitale, a partire dalla propria forza del pensiero, inducono Giovanni Anselmo ad un affinamento dell’attenzione verso quella instabilità permanente che tutti avvolge e ad atti di verifica di quelle entità con cui interagiamo con la percezione e la sensibilità del nostro corpo e della nostra mente. Nell’opera di Hidetoshi Nagasawa l’essenza del tempo si è manifestata e rivelata in più occasioni...

Sono passati esattamente dodici anni dalla prima mostra alla Galleria Open Art di Prato dedicata a Conrad Marca-Relli. Con il titolo Tensioni composte e la curatela di Bruno Corà, era esposto un nucleo di lavori che copriva la ricerca dell’artista americano dal 1939 al 1997, dalle prime sperimentazioni figurative al definitivo trasferimento in Italia e all’apertura di un archivio. Il dualismo con cui lo stesso Corà introduce la propria lettura di questa fondamentale parabola, rimandando direttamente alla voce dell’artista, mette in evidenza subito uno degli elementi fondamentali: la presenza costante di una serie di antinomie e dualismi, e l’equilibrio che Marca-Relli è sempre riuscito a trovare per risolvere ogni bipolarismo, ricercato attraverso la pratica artistica e pittorica...