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Vedere dal vivo la lunga teoria di altorilievi narranti l'Inferno di Dante è una esperienza indimenticabile. La scultura del Maestro Robazza è vigorosa e possente, filologicamente esatta, da profondo conoscitore e amante della "Divina Commedia". Selezionando, scomponendo, isolando ogni figura, ripetendo a mente le terzine ritratte, i due linguaggi differenti, la parola e l'immagine, compongono un'emozione intraducibile. Robazza ha scolpito con il cuore la passione dell'itineriarium mentis in Deum entrando dentro i personaggi stessi e usando una tecnica di cui lui solo ha il segreto. Le atmosfere si addensano intorno ai momenti drammatici e lirici del Poema, specie quando si ha a che fare con il dolore tenero di Paolo e Francesca o col dolore devastante del Conte Ugolino. A Robazza va lode di non aver tralasciato i gruppi dei penitenti, di aver segnato a forti contrasti chiaroscurali e volumetrici pure coloro i quali sono infitti nel ghiaccio al fondo dell'imbuto, alcuni fino al collo, altri riversi, altri ancora lontani e sfocati come in un incubo.

Forse nessuna mappa potrà contemplare mai la disomogeneità di questo 'secolo breve' e troppo veloce in cui decine e decine di movimenti, di sperimentazioni, di stili si sono avvicendati, accavallati, schiacciati ed esauriti a volte in un tempo sufficiente solo a lasciare piccole e superficiali impronte nella storia. Abbiamo delineato, quindi, 8 nuove regioni attraverso le quali intraprendere questo viaggio nella pittura italiana del '900. Regioni fluide, con provincie spesso condivise e capoluoghi trasversali dove opere e artisti potrebbero abitarne liberamente il limite, dove il confine è la linea che unisce e non divide movimenti e stili che si intrecciano e dialogano tra di loro per svelarci nuove letture possibili: la valle del Corpo Sognato, il teatro dei Luoghi e gli Scenari, la terra degli Oggetti Enigmatici, la piana dei Segni, dei Gesti e delle Scritture, le grotte delle Materie e delle Alchimie, il golfo delle Azioni ed i Pensieri.

La capacità tecnica di un artista si scopre nel disegno e proprio in queste pagine, piene di affascinanti segni grafici, torniamo a questo aspetto essenziale dell'opera di Bianca Brancati Carlevani. Ci muoviamo fra punti e tratti che diventano forma e figure in un continuo alternarsi di soluzioni e dissoluzioni di immagini e sensazioni plastiche.

In un'opera, prima di tutto vengono le idee, e qui l'idea attraversa epoche e continenti, surclassa l'imperfezione e la materia, annulla il tempo e lo spazio: Picasso dialoga con l'antico e con la tradizione classica sia nella scoperta della potenzialità espressive che tecniche e materiali gli possono offrire, sia nella continua ricerca della bellezza e della potenza nel suo disegno, mai accademico e mai conforme allo spazio rinascimentale, ma che, tuttavia, risponde sempre e comunque alle eterne leggi dell'armonia. Il gesto apparentemente indisciplinato del bambino, curioso di provare un nuovo arnese che non conduca alla pedissequa rappresentazione, restituisce una forza dirompente alla capacità espressiva dell'immagine e al contempo la freschezza e la gioia della scoperta di un senso nuovo.

Questa libro nasce per caso in un negozio di musica dove un passante chiede uno spartito musicale, titolo "La Grotta Azzurra" autore Camillo Paturzo. Chi? "Un certo compositore di origini metesi vissuto intorno all'800" è la risposta del passante. Io, metese, musicista, sento dentro un fremito di curiosità e di orgoglio verso un personaggio sconosciuto fino a quel momento a me e a tanti altri miei concittadini. Il legame tra Camillo Paturzo e la città di Meta nasce dal merito riconosciuto a questo grande compositore, poeta e musicista dell'800 che fece respirare al nostro paese aria di melodramma e di bel canto. Non è un caso, quindi, che alcune tra le più belle voci liriche della Penisola Sorrentina del 900 siano nate nella piccola Meta. È quindi giunto il tempo di dare lustro e gloria ad un grande concittadino dimenticato che ebbe l'onore di dirigere per la prima volta l'Ernani di Giuseppe Verdi a Napoli e con il quale più volte Gaetano Donizetti si confrontò sulle sue opere.

Il giardino, per definizione, è il luogo che 'circonda', uno spazio - in qualche modo delimitato - dove le piante sono solitamente coltivate con l'intento del puro godimento visivo. Il giardino sensoriale diventa, invece, un'esperienza totalizzante dove le facoltà percettive sono sollecitate ripetutamente una per una e la natura, l'architettura e l'arte diventano piccole tappe di un unico percorso alla ricerca di quel sé dimenticato in qualche angolo del misterioso labirinto celebrale. Passeggiando nel Giardino Sensoriale di Balerna, ci sembra tutto improvvisamente chiaro: non siamo circondati, ma protetti da tanti elementi che fanno la guardia al nostro benessere psico-fisico. Questo volume è una passeggiata per immagini e parole, dove i protagonisti di questa storia ci accompagnano a scoprire gli angoli e gli oggetti che ne popolano il percorso. Ma è anche un piccolo invito a prenderci cura delle persone in maniera 'diversa' e, perché no, anche un po' ad ascoltare di più noi stessi, con tutti i sensi.

Una raccolta che ci riporta indietro nel tempo, quella di Domenico Segna. "Le chiese scomparse" è infatti un viaggio a ritroso, razionale e sentimentale, alla ricerca di un tempo perduto di ricordi privati, famigliari, già fluiti nel tessuto di un'esperienza comune. Anche nello stile, che accoglie esperienze moderniste e surrealiste, l'autore sembra guardarsi alle spalle, a quel Novecento da cui proviene e a cui questi testi rendono esplicito omaggio, tra letteratura e vita. Al lettore non resta che avventurarsi tra questi versi, misteriosi e squillanti, avvertire il sentimento del sacro che li anima e che anima il loro autore, sospeso tra una parola catartica, quasi profetica, e una dimensione seriosamente giocosa, pienamente surrealista. Una poesia che scaturisce dal silenzio, questa, che ci fa abbandonare "i cortili dell'istante" verso la conquista d'una terra di "eremite abbondanze".

Mario Sironi è stato uno dei più importanti artisti del 900: pittore e illustratore fra i più lungimiranti di tutti i tempi, aveva capito con grande anticipo l'importanza di far comprendere l'arte alle masse e non mantenerla un fatto d'elite. La sua opera possiede un respiro Europeo, non tanto perché guarda all'Europa, quanto, paradossalmente, per il contrario: perché approfondendo le proprie ragioni e le proprie radici, giunge a esiti di assoluta qualità espressiva.

Eduardo de Martino si scopre in queste pagine in una dimensione non _ufficiale' attraverso una miriade di schizzi, disegni e lettere private, sottratte all'oblio e alla dimenticanza dall'approfondito lavoro di ricerca di Luigina de Vito. Il volume, corredato da un ricco apparato iconografico, ripercorre le vicende biografiche e artistiche del pittore marinista nato a Meta, nel 1838 e scomparso a Londra nel 1912. Dagli anni della formazione scolastica, artistica, militare e politica, al periodo sudamericano; fino ad arrivare all'affermazione e alla massima notorietà degli anni in cui visse a Londra. In appendice due interessanti documenti inediti: una Delibera decurionale riguardante l'ordinamento delle tre scuole nautiche sorrentine dell'epoca ed il verbale della Commissione della Marina Militare Italiana che indagò sull'incidente della Ercole, la nave su cui nel maggio 1866 de Martino prestava servizio come Ufficiale di Rotta. Fanno da sfondo alle vicende strettamente biografiche cenni sul contesto politico, sociale e culturale di quegli anni. Concludono il volume 18 tavole a colori riproducenti opere su tela, acquarelli e stampe inedite.

La ricerca che Luca Tornambè porta avanti in questo lungo racconto fatto di parole e immagini è sostenuta dal desiderio costante di tirare fuori dall'oscurità la potenza della poesia, sia che questa si manifesti lievemente, sotto forma lessicale sia che irrompa in maniera spettacolare con la pittura. La sua opera ci racconta il mondo come se fosse nuovo, tutto come per la prima volta, mettendo in luce le corrispondenze segrete che esistono fra le cose, e facendoci riconoscere la bellezza attraverso il filtro della semplicità anche nelle cose più piccole e sottili fino a rimanere travolti e trasportati dall'onda misteriosa dell'energia dei suoi sogni.

Doriana Freschi dipinge da sempre. La sua pittura, chiara e diretta, contiene messaggi poetici che trovano spunto nei soggetti più dissimili: da un cesto di frutta, a un bambino, da un paesaggio ad un sogno, realtà diverse che vengono tradotte in arte attraverso un linguaggio che parte da un figurativo 'classico' fino ad arrivare a toccare dei punti di surrealismo puro. Ma tutto sempre all'insegna del colore che riesce ad esprimere quei sentimenti di bellezza elaborati interiormente dall'artista e di cui si fa testimone e interprete nei confronti del mondo. Un colore materico e pieno che porta alla ribalta sensazioni forti, talvolta drammatiche ma sempre intimamente vissute e quindi coinvolgenti, capaci di trascinare l'osservatore nei luoghi lontani della sua poesia.