Forma Edizioni

La pubblicazione, realizzata con la collaborazione dell'Archivio Mambor, ripercorre le tappe della ricerca di Renato Mambor (1936-2014), artista tra i principali protagonisti del rinnovamento delle arti visive in Italia a partire dalla fine degli anni '50. Tra le più complesse e poliedriche voci del secondo Novecento, la sua opera si colloca in un territorio di confine tra le arti visive e performative, aperta a un rapporto metalinguistico tra l'oggetto, la parola e l'osservatore. Il volume propone uno sguardo approfondito sulla ricerca sperimentale di Mambor nel suo complesso, partendo dalle prime opere, passando alle performance e all'attività teatrale, sino al ritorno alla pittura dagli anni '90. Oltre a una nutrita raccolta di foto di opere e una ricca selezione di immagini di repertorio e testi dell'artista, il volume presenta contributi inediti di Federico Sardella e Sara Uboldi che affrontano il tema della commistione tra pittura, teatro e fotografia e propongono un'esplorazione sul rapporto oggetto-opera-sguardo e sulle performance dell'artista, anche alla luce della recente teoria neuroscientifica dell'Embodiment.

Roma non è arricchita soltanto da opere che le hanno donato l’appellativo di “città eterna”, con quei monumenti che ancora oggi conservano i racconti di un popolo forte, come il Colosseo, il Foro Romano o Castel Sant’Angelo. Non è solo il centro simbolico del Cristianesimo grazie alla Basilica di San Pietro o il centro nevralgico e figurativo della Repubblica Italiana con il Palazzo del Quirinale. La storia, l’arte e la cultura di Roma raccontano un processo di restauro e innovazione che vede partecipare alcuni luoghi intramontabili – Mercati Traianei, Palazzo delle Esposizioni, Ex caserma Ferdinando di Savoia, Biblioteca Pontificia Lateranense, Ex mattatoio, Musei Vaticani – e nascerne altri contemporanei a servizio della comunità, che vanno ad aggiungersi a quelli già noti al pubblico come MACRO, MAXXI, Auditorium Parco della Musica, Centro Congressi La Nuvola, Nuova sede BNL Paribas, Città del Sole, Mercato Centrale. Altro periodo iconico di Roma parte dagli anni Trenta del secolo scorso, periodo in cui la rivoluzione sociale e culturale, la necessità di funzionalità e funzionamento sono rappresentate da imponenti opere moderne – pubbliche e residenziali – e da grandi operazioni, firmate da architetti protagonisti del cambiamento urbano e urbanistico della Capitale, tra i quali Piacentini, Quaroni, Fiorentino, Ridolfi, Moretti. Opere come la città universitaria Sapienza e i suoi istituti, i quartieri INACASA e il quartiere EUR raccontano il passaggio formale tra modernità e contemporaneità.

New York City è una metropoli che vive un’incessante metamorfosi. Nel continuo work in progress urbano e architettonico, la riqualifica del patrimonio esistente acquisisce un ruolo fondante per l’assetto futuro della Grande Mela. La guida ripercorre la storia delle architetture che dal Novecento hanno reso celebre l’immagine di New York, e analizza il ruolo chiave della risposta contemporanea nel riuscire mantenerla tale. L’incontro tra il Novecento e l’oggi si esemplifica nell’esigenza di attualizzare dal punto di vista formale, strutturale e prestazionale, le architetture dei grandi maestri, come il Ford Foundation Building di Roche, il Sony Building di Johnson, la Lever House di SOM. Anche le infrastrutture in disuso e le numerose architetture post-industriali sono oggi protagoniste grazie a lungimiranti piani di sviluppo e riconversione ambientale. Con la sempre grande attenzione ai parchi urbani, testimoniata principalmente da Central Park e The High Line, parco lineare lungo il fiume Hudson, preso a modello in tutto il mondo per la trasformazione degli scali ferroviari, diventando tra i progetti realizzati più noti degli ultimi anni. Nell’area a ridosso, trovano spazio architetture extralusso a firma di noti architetti internazionali, che esprimono il carattere fortemente speculativo del piano urbano di Hudson Yards. Di contrasto ai sempre più numerosi grattacieli realizzati in tutta Manhattan, trovano spazio ricerche su nuovi modelli abitativi a basso costo, come Carmel Place di Narchitects, un nucleo abitativo scomponibile in base alla variazione d’uso. Allo stesso modo, i quartieri periferici sono un’alternativa sempre più in voga alla città verticale. Primo tra tutti Dumbo (Brooklyn), tra i quartieri più cool al mondo, aperto alla sperimentazione artistica e architettonica con raffinati progetti di riqualifica di vetusti complessi industriali, come il New Lab o St Ann's Warehouse di Marvel Architects.

Quando parliamo di Barcellona pensiamo subito all’eclettimo di Antoni Gaudí, palpabile in ogni angolo della città, o all’Anella Olímpica con la sua torre disegnata da Santiago Calatrava, ma queste sono solo la punta dell'iceberg delle bellezze della capitale catalana, che è riuscita a fondere il vecchio e il nuovo con risultati sorprendenti e unici. L'architettura tradizionale gotica ha un'aria riservata e storica, mentre gli edifici costruiti negli ultimi 10 anni rimandano a correnti d’arte moderna come il cubismo, il neoplasticismo o il futurismo. Nominata capitale europea dell’innovazione nel 2014, la città gode di una pianificazione urbanistica assolutamente distintiva, data la peculiarità degli edifici ad angoli smussati, che rendono gli incroci più “aperti” e consoni per ospitare terrazze e dehors, dando quell'atmosfera socievole e comunitaria. Jean Nouvel, Herzog & de Meuron, Frank Gehry e Norman Foster sono solo alcuni tra i nomi più noti di una lunga selezione di progettisti che hanno contribuito a rendere Barcellona una delle città-simbolo dell'architettura contemporanea. La guida ci porta a scoprire gli angoli più affascinanti di una delle città più seducenti e surreali d'Europa.

Oggetto della mostra e del catalogo è il ruolo di Lucio Fontana nei confronti di almeno due generazioni di artisti operanti in Italia nel secondo 900. La sua lezione ha contribuito a far compiere un salto all'ambiente artistico di Milano, già all'avanguardia grazie al Futurismo negli anni antecedenti la Grande Guerra, e che negli anni '50-'60 torna ad avere una posizione preminente a livello europeo. Nel diverso ricorso a manualità e tecnologia, al segno minimale e a una visione universale, le diverse vie di esplorazione della concezione spazio-temporale, sulla falsariga delle intuizioni di Fontana, sprigionano nel contesto artistico milanese e italiano tra gli anni '50 e '60 una serie di proposte che dialogano con le posizioni avanzate altrove (Parigi, New York, Londra o Amsterdam). Un dialogo fra specificità e condivisione di orizzonti, che ha ben rappresentato le aspirazioni di un'arte tutt'altro che separata dalle condizioni del mondo contemporaneo. Dova, Crippa, Tancredi, Deluigi, Baj, Manzoni e altri documentano con la loro arte le molteplici direzioni intraprese dall'arte italiana nel corso del Novecento in quegli anni.

Catalogo della retrospettiva antologica organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini dedicata ad Alberto Burri (Città di Castello 1915 – Nizza 1995), curata dallo storico dell’arte e Presidente della Fondazione Burri Bruno Corà. Il progetto si propone quale coronamento di un percorso di riconoscimenti internazionali legati al centenario della nascita dell’artista umbro. La mostra ripercorre cronologicamente la carriera artistica di Burri attraverso circa cinquanta opere scelte tra le sue serie più significative: i Catrami, le Muffe e i Sacchi, fino ad approdare alle Combustioni, ai Legni, alle Plastiche, ai Cretti e ai Cellotex, ultima tappa della ricerca artistica del Maestro. Il catalogo mira a ricostruire nella sua interezza la parabola di uno dei più grandi pionieri della nuova pittura del XX secolo, che attraverso le sue ricerche ha affrontato il tema cruciale dell’utilizzo della materia e della sua trasformazione in opera d’arte ed è introdotto da saggi critici a cura di Bruno Corà e del Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini Luca Massimo Barbero.

Milano è una piattaforma che da sempre crea contenuti di design, grazie alla presenza sul territorio di strutture e infrastrutture che nel tempo hanno reso la città centrale nel panorama culturale, nonché un appuntamento fisso sul calendario internazionale grazie al Salone del Mobile e alla moda. Il libro racconta diversi designer italiani e stranieri accomunati dal contribuito disciplinare con cui si è consolidato su scala internazionale il sistema design di Milano nel corso di quasi un secolo (1950 - 2020). I profili sono stati selezionati in base alla carriera svolta, al legame con la città e a come hanno conservato una rilevanza internazionale nel tempo. Il filo conduttore sono da un lato i luoghi in cui avviene il processo creativo di progettazione, dall'altro la voce stessa dei designer: materiale di archivio fornito da eredi e fondazioni e un'intervista a ognuno dei protagonisti della scena contemporanea del design milanese per raccogliere idee, spunti e riflessioni dai creativi che animano la città con l'ambizione di registrare una situazione in costante divenire e con il desiderio di descrivere l'animo internazionale di Milano attraverso la voce di chi la vive.

"Eliseo Mattiacci è certamente tra i grandi protagonisti dell'arte contemporanea, uno dei pionieri dell'avanguardia dopo gli anni Sessanta, artefice della sperimentazione e del rinnovamento in scultura, inventore di iconografie astronomico-cosmologiche e di nuove relazioni spaziali e concettuali tra arte e natura, tra uomo e ambiente." Con queste parole il curatore Sergio Risaliti presenta nella suggestiva location del Forte di Belvedere di Firenze "Gong", un viaggio alla scoperta di un artista che ha attirato su di sé l'attenzione dei più grandi critici contemporanei (Villa, Corà, Diacono e Celant) con il suo linguaggio basato "sull'immaginativa e la prefigurazione, scegliendo la via del simbolico e degli archetipi, riferendosi alla geometria e alla poesia, allo sciamanismo e all'alchimia per stare dentro la natura e il cosmo come fosse una seconda pelle". Attraverso un approfondito set fotografico e grazie ai contributi di Lara Conte e dell'astrofisico Emanuele Pace, il tutto corredato da un'attenta e accurata antologia critica, il catalogo offre al lettore la possibilità di ripercorrere la carriera artistica di Eliseo Mattiacci.

L'evoluzione del fare design in Italia è costante e progressiva, seguendo la predisposizione a considerare il processo progettuale come elemento caratterizzante l'innovazione. Il progetto diventa industria, la cultura è la sua materia prima e la continuità storica è il presupposto alla sua attendibilità. L'evoluzione della prassi progettuale diventa un elemento di base, poter supporre di cambiare in meglio il modo di svolgere determinate attività, di immaginare incontri e scontri impossibili tra le cose, costituisce un'area di ricerca prioritaria. Progettare il progetto è la prima azione concreta che determina originalità.

La monografia, curata da Bruno Corà e pubblicata in occasione di Art Basel 2018, presenta la genesi, l'analisi critica e il resoconto della storia espositiva delle Combustioni Plastiche di Alberto Burri. Questo ciclo di opere costituisce una tipologia estremamente articolata nel corso di un quarto di secolo (dal primo utilizzo della plastica nel Sacco 5P del 1953, fino all'intervento di combustione circolare nel ciclo Il Viaggio del 1979), e comprende formati di pochi centimetri fino agli interventi di più ampie dimensioni in edifici sacri (come nel Coro della Chiesa di Sion in Svizzera), o nelle scenografie teatrali nel corso degli anni settanta. Le foto storiche di Claudio Amendola e Ugo Mulas, articoli di giornale e saggi critici forniscono una profonda analisi di questa straordinaria produzione artistica.

Il progetto per Palazzo Lombardia è costituito da tre parti: la torre, alta 161 metri per quarantatré piani, il basamento da sette e otto piani, e il giardino lineare. Un edificio che incarna appieno i caratteri di innovazione e contemporaneità, perfettamente in linea con il percorso dell'architettura milanese. Il volume racconta la storia completa e dettagliata di questa opera attraverso testi critici e descrittivi, disegni, schizzi, scatti di cantiere e immagini dell'architettura ultimata.

Pubblicato in occasione della mostra "L'ultimo Caravaggio. Eredi e nuovi maestri", presso le Gallerie d'Italia, piazza Scala, il volume illustra l'esposizione offrendo un approfondimento sulla figura e il lavoro dell'artista emiliano, tra le più originali voci del panorama artistico contemporaneo. Il fulcro della mostra e quindi della pubblicazione è rappresentato dall'opera "Rosso cadmio per Caravaggio", centrato sul "Martirio di sant'Orsola", e propone una riflessione di Omar Galliani a proposito di Michelangelo Merisi. Oltre alle 10 opere in mostra il volume presenta numerosi altri lavori dell'artista utili a chiarirne il percorso artistico, oltre a un suo scritto e a un importante saggio della curatrice.