Magonza

Il catalogo della mostra (tenutasi dal 19 marzo al 3 aprile 2022 presso il Centro di Istruzione e Formazione professionale "Bufalini" a Città di Castello, a cura di Nello Teodori e Roberto Vecchiarelli) raccoglie l'interpretazione visiva di un gruppo di artiste attorno al tema della malattia e al potere dell'arte, dispositivo privilegiato per entrare in contatto con il mistero della vita. Opere di Barbara Amadori, Catia Ceccacci, Chiara De Megni, Martina Donnini, Giulia Filippi, Wilma Lok, Ilaria Margutti, Donatella Marinucci, Lidia Nizzo, Barbara Novelli, Elisa Pietrelli, Virginia Ryan, Isabella Sannipoli, Meri Tancredi, Maddalena Vantaggi, Rita Vitali Rosati.

Il volume raccoglie 113 fotografie, 105 in bianco e nero e 8 a colori, scattate da Giorgio Colombo tra il 1975 e il 1992, e selezionate da Giuseppe Panza di Biumo, che le fece stampare nel 1993, a raccontarne le sue scelte collezionistiche ed espositive. Le preziose immagini documentano alcuni progetti allestitivi elaborati da Panza per l’esposizione della sua collezione nella villa varesina e in importanti istituzioni europee. Alcuni scatti dal carattere privato restituiscono poi il racconto visivo di frammenti di vita del collezionista. Il catalogo della mostra (13 aprile - 25 settembre 2022, FAI-Villa e Collezione Panza, Varese) raccoglie inoltre il testo di Bruno Corà e una intervista di Anna Bernardini a Giorgio Colombo.

Il catalogo della mostra, curata da Giovanna Ginex al Center for Italian Modern Art (CIMA) di New York (25 gennaio - 18 giugno 2022), costituisce un focus sulla produzione artistica italiana compresa tra il 1880 e il 1917, in un contesto storico, come quello contemporaneo, segnato ancora una volta da difficoltà economiche e tensioni sociali. Pitture, sculture, riviste, documenti selezionati, restituiscono una particolare lettura dell'arte italiana sul crinale di due secoli, in un frangente storico di passaggio nella definizione di un nuovo linguaggio artistico d'avanguardia. Tra i molti artisti in mostra: Medardo Rosso, Angelo Morbelli, Luigi Nono, Antonio Mancini, Emilio Longoni, Giuseppe Pellizza, Giacomo Balla, Achille D'Orsi.

Il volume documenta il progetto "Paolo Icaro. The Space of History", con il quale il Comune di Volterra è risultato vincitore dell'Italian Council IX, e "Polarità", un'opera site specific collocata nel chiostro del palazzo della Pinacoteca Civica di Volterra. L'artista ha pensato l'opera strettamente in connessione con Volterra, con la collezione del museo (che ospita i capolavori del Signorelli e del Rosso Fiorentino) e la sua architettura, e con lo spazio osmotico (interno/esterno) del chiostro, al quale si arriva dalla città e dal paesaggio. Il libro sarà anche occasione di una raccolta, catalogazione e rilettura dei lavori realizzati dall'artista nell'arco di tutto il suo percorso precedente.

Il prezioso volume, in carta pregiata con una sezione in patinata per le tavole delle opere, è il catalogo dell'esposizione tenutasi presso Le Nuove Stanze ad Arezzo, a cura di Simone Zacchini (12 novembre 2021 - 23 gennaio 2022, con la collaborazione di Magonza e Galleria 1/9unosunove). Con un testo inedito di Sergio Lombardo, il libro documenta la nuova e più recente produzione dell'artista, le "facce stocastiche imprevedibili". Volti mostruosi e perturbanti, estremamente evocativi, che derivano unicamente da deformazioni casuali e algoritmiche, stimolano nell'osservatore un processo di percezione proiettiva basato sull'elaborazione di interpretazioni individuali e inconsce.

Nell’universo di Mirta Carroli ogni opera denota un’intima armonia poetica ed evoca lievi e profonde riflessioni. Caratterizzate da imponenti dimensioni e da titoli fortemente suggestivi, le sculture dell’artista di Brisighella tendono a mutare insieme alla luce, allo spazio, al tempo. L’artista – che predilige il ferro e l’acciaio corten per i suoi lavori – «sa imporsi sul cielo e sulla terra» e dota le sue opere «di un prolungamento magico, di un supplemento di anima». Le coesistenze, l’energia empatica, la memoria, la costante tendenza alla primarietà, la complessità dei contenuti e l’evidente importanza dei contrasti, dei ritmi e delle pause sono alcuni dei temi approfonditi nel volume, arricchito da un vasto repertorio fotografico e da una raccolta di saggi che rivelano considerazioni critiche.

«Alla fine, è vero, sono un pittore realista. Ed ero consapevole che non c’erano differenze tra fare un ritratto o un paesaggio. Solo più tardi mi sono accorto che avevo molta più libertà nel dipingere la natura.» A Milano, dal 2014 al 2018, in più puntate, Giovanni Frangi, uno dei maggiori artisti italiani di oggi, è stato al centro di un’intervista di Luca Fiore. Questo materiale è stato rimontato, tra il 2019 e il 2020, con la collaborazione di Giovanni Agosti. Ne è uscito un ritratto fuori del comune di un artista, quando il futuro si fa avaro e l’altra metà della propria strada si vorrebbe tutta impegnata dalle scelte della maturità. In mezzo ci sono la famiglia, gli amori, le città, gli amici, gli animali, i maestri – a partire da Giovanni Testori – tra vorticosi salti di piani, dove la nostalgia non occupa mai il centro della scena e dove le risate sono sempre dietro l’angolo. Quest’inchiesta, desultoria e appassionata, alla ricerca delle proprie radici espressive, è accompagnata da un apparato fotografico inconsueto, che trasforma il volume in un libro d’artista sui generis.

Il volume documenta gli interventi di Brian Eno per la mostra temporanea alla Galleria Nazionale dell’Umbria, a Perugia, nel 2020. Il non-musicista, compositore e artista britannico realizza tre light-box musicali che dialogano con altrettante opere scelte dalla collezione del museo. Così i lavori di Piero della Francesca, Beato Angelico e il Perugino divengono gli interlocutori privilegiati di un dialogo oggi quanto mai necessario tra antico e contemporaneo.

Alberto Parres (Tangeri, 1953) è un artista che ha intessuto un rapporto di scambio diretto con i componenti della Pop Art, sia italiana sia americana, e della Transavanguardia, protagonista di numerose mostre, personali e collettive, allestite in tutto il mondo. Noto per il raffinato astrattismo che caratterizza il suo operato, in cui il colore si è manifestato finora come principale strumento pittorico, Alberto Parres inaugura alla Galleria La Nuvola di Roma l’ultima serie realizzata, interamente dedicata alla “non pigmentazione del bianco”. Il catalogo che accompagna la mostra, con testi di Alberto Dambruoso e Alice Falsaperla, risale un percorso espositivo che assume la triplice forma di carta, tela e scultura, come invito a porgere non solo l’occhio, ma anche l’orecchio verso l’interiorità dell’artista. Le opere di Parres sono presenti in rinomate collezioni private e pubbliche, tra quest’ultime si cita l’acquisizione nel 2020 da parte della Banca d’Italia e la successiva esposizione presso la sede centrale di Palazzo Koch a Roma.

Il volume, concepito come a ricordare un breviario, raccoglie le riflessioni e l’esperienza espositiva concepita da Fausta Squatriti per la chiesa e l’ossario di San Bernardino alle Ossa a Milano. L’artista, attingendo ai simboli dell’iconografia cristiana, come il teschio e la croce, riflette sull’idea del sacrificio e del memento mori. Come nelle parole di Elisabetta Longari, curatrice della mostra e del volume: «Religione e arte nascono entrambe per esorcizzare la morte, per contrastare il gelo esistenziale, il brivido sgomento che coglie l’uomo all’idea della caducità della vita. Eppure è proprio la morte a restituire alla vita tutto il suo senso; così, come notava Pasolini, sono le operazioni di montaggio a conferire senso al film. Eppure pochi osano guardare la morte». Testi in volume di Elisabetta Longari, Mons. Luca Bressan, Bertrand Levergeois.

Il volume è il primo libro in Italia dedicato esclusivamente al disegno di Giuseppe Penone. Attraverso una selezione di opere, a cui si aggiungono delle serie fotografiche e un lavoro unico titolato “L’impronta del disegno - indice destro”, si ripercorre il rapporto dell’artista con il disegno e anche con la scrittura che tante volte trova posto nelle sue carte. Come nelle parole di Marco Tonelli: «Il disegno di Penone, legato alla figura e alla metafora dell’albero e delle sue declinazioni visive e linguistiche, è dunque qualcosa di originario e non veicola semplicemente idee già formate, non è un mezzo di espressione, né è la parte concettuale o progettuale del suo lavoro …, ma quella primaria e fenomenologica, che gli permette per certi versi, come la scrittura, di dire e pensare e performare il lavoro di scultore». Nel volume anche un’intervista a Giuseppe Penone di Francesco Guzzetti.

Il volume è il primo libro in Italia dedicato esclusivamente al disegno di Giuseppe Penone. Attraverso una selezione di opere, di serie fotografiche e di un lavoro unico, si ripercorre il rapporto dell'artista con il disegno e anche con la scrittura che tante volte trova posto nelle sue carte.