Manfredi Edizioni

È per me un grande piacere scrivere queste righe di prefazione al nuovo catalogo del Premio 2021/2022 – esse infatti significano che il Premio, nonostante le difficoltà, quest’anno ha luogo. Dopo l’ultima edizione del Premio, ancora organizzata e inaugurata dal nostro stimato Dr. Klaus Wolbert, che purtroppo è mancato, è toccato a me prendere il suo posto. E parlo solo di posto a ragion veduta, perché è quasi impossibile raccogliere il testimone di quella che era tutta l’ampiezza delle sue competenze e conoscenze.

Questa è una mostra piuttosto speciale di Mario Sironi. Presenta prevalentemente delle opere che provengono da due collezioni che furono tra le più significative di arte italiana del XX secolo. La prima è quella di Margherita Sarfatti. Non v’è chi non sappia quanto la grande critica d’arte nativa di Venezia, poi naturalizzata milanese e infine romana, fu determinante per la storia dell’arte del secolo passato. [...] Margherita lo riteneva il più grande artista italiano della sua epoca, lo amava al punto da collezionarne diecine anzi centinaia di opere, selezionatissime. La seconda è quella di Ada Catenacci, con la quale Sironi era in rapporti d’amicizia, e a cui ella era solita commissionare opere specifiche proprio grazie alla consuetudine con l’artista. [...] Ma non era Sironi, come nel caso della Sarfatti, l’unico artista rappresentato nella straordinaria collezione Catenacci: nella sua raccolta figuravano capolavori di Casorati, Wildt, Arturo Martini, ecc. A questi due gruppi di opere sironiane, già selezionati attraverso gli occhi di due tra le maggiori intelligenze collezionistiche del tempo, sono stati aggiunti capolavori che la Galleria Russo ha trattato negli ultimi anni.

«Come ideatore e coordinatore del progetto “Alto Liccio - L’arazzo tra passato, presente e futuro”, inizio col ringraziare la Presidenza e la Direzione dell’Accademia di Belle Arti di Brera, la direttrice di Scuola Maria Cristiana Fioretti e tutti i colleghi, le studentesse e gli studenti che hanno condiviso e sostenuto il progetto. Un ringraziamento speciale a Massimo Bilotta, Caterina e Franca Alcaro dell’Arazzeria Scassa che hanno ospitato il nostro workshop. Adesione che tra le altre cose significa dare sostegno e continuità a quell’idea di arte che oggi si nutre ancora di tecniche e strumenti provenienti dalla tradizione secolare italiana.»

Questo libro raccoglie le opere più recenti di Fan Bo, un artista che si stacca dai cliché di lettura degli artisti contemporanei cinesi, la cui maggior parte è cresciuta con una formazione artistica di stile realista-socialista, e che in larga parte ha in seguito partecipato a quell’onda di dissidenza dall’omologazione stilistica che ha interessato la Cina dal 1985 in poi, portando la maggior parte di loro a guardare ai linguaggi occidentali. Questo periodo di tempo riveste una particolare importanza per l’artista che, come ricorda lo studioso Filippo Salviati (il cui saggio è presente nel libro), in questi anni registra un cambiamento repentino nel suo percorso artistico, che vede volgere l’artista dall’uso di una pittura visionaria, ma pur sempre figurativa, a un utilizzo ampio e a 360 gradi di materiali, media e linguaggi, con uno sconfinamento assoluto anche tra una sensibilità orientale e una occidentale.

In occasione del “Compleanno” ultra Centenario di uno dei Teatri italiani culturalmente più importanti e prestigiosi, nonché fin da subito di visibilità nazionale e internazionale senza pari, la Manfredi Edizioni replica il suo incessante interesse per il mondo e la vita del Palcoscenico con una Collana inedita che nasce proprio con il battesimo di un’istituzione consacrata per e da Artisti di calibro e fama dal valore storico e sociale al di là del tempo.

L’arte fotografica conserva l’anima delle persone ritratte, come è stata capace di fare Elisabetta Catalano. Con lei la fotografia sostituisce le parole ed evoca ricordi. La sua capacità di fermare il momento attraverso lo scatto ci ha restituito un Fellini vero e umano. Abbiamo così deciso di dedicare una mostra, nel centenario dalla nascita del grande maestro, ad entrambi, perché sia Elisabetta che Federico, con il loro intendersi, hanno costruito un dialogo denso e originale che meritava di essere mostrato al grande pubblico nello spazio del Teatro 1 di Cinecittà, habitat naturale dei cinematografi. Abbiamo deciso di inaugurare durante la pandemia, dovuta al Covid, per dare un segnale forte al mondo della cultura e le aspettative, per questa esposizione che ha narrato un periodo storico memorabile, non sono state tradite.

[...] “Negli anni Ottanta, assieme ad altri artisti di Torino e poi di Parigi mi sono occupato delle nuove tecnologie” (Gilardi nel corso dell’incontro al MAXXI). Ma in fondo anche questo interesse, nell’ambito di un percorso come quello di Gilardi che rivela sempre più un’interna coerenza sotto un’apparenza multiforme e variegata, è preesistente: “La mostra Macchine per il futuro aveva indubbiamente una sua peculiarità in quanto rivelava un mio interesse precipuo per il mondo delle tecnoscienze” (l’artista in conversazione con Paola Ugolini). Dunque gli esiti del lavoro di Piero Gilardi di oggi erano già nelle premesse. “Al Parc de la Villette c’è il museo scientifico, si studiano le tecnologie interattive, è stato un laboratorio per il PAV, nel quale convergono tutte le esperienze della mia vita. Con un gruppo di lavoro facciamo molte cose, insegniamo ai bambini a estrarre il DNA dalle piante… siamo una struttura completa museale. Inizialmente il progetto era stato sostenuto particolarmente dall’assessore alla cultura Alfieri. Nel 2006 c’è stata la prima grande installazione di Dominique Gonzalez Foerster: Trèfle, il grande trifoglio verde.

[...] La materia è la sostanza dell’opera di Porru: la erode a volte con la fatica dello scalpello, a volte con la velocità del graffito su un intonaco di calce appena steso. Il segno è sempre deciso, complesso come la trama di un ragno, apparentemente caotico ma evidentemente non casuale. Il giusto tempo che richiede la lettura fa emergere il “filo” del racconto in un gioco di percezione e di rimandi. Ed è solo allora che iniziano a emergere i personaggi e i paesaggi urbani di arcana tradizione.

Fotografa italiana nata a Chiavenna (SO) nel 1978 e residente a Montreuil (Parigi), Susanna Pozzoli sviluppa un’ampia ricerca personale parallelamente a reportage su commissione dedicati al savoir-faire artigianale. La fotografia è spesso associata alla scrittura e inserita in installazioni site specific che comprendono video, montaggi audio, estratti d’interviste ed elementi grafici. [...] Nel 2019 è finalista del Premio Fondazione VAF ed espone al MART di Rovereto la serie intitolata Casa Costanza. Incontro con Meret Oppenheim, prima presentazione della ricerca pubblicata in questo volume.

L'arte è oggetto di una aggressione parassitaria da parte della moda, del design, dei social network, della speculazione finanziaria e del marketing che è parallela alla progressiva cancellazione della memoria e della natura alla quale stiamo assistendo passivamente. Eppure l'arte può salvaguardare la nostra sensibilità assalita dalla retorica tecnologica e dall'ossessione del profitto.

Big Bang, ecco la cosmologia urbana di Tommaso Ottieri con il suo drone dello splendore in volo estatico. Ecco, improvvise e baluginanti nell'oscurità, la scintillazione, la luccicanza (ci perdoni il Kubrick di Shining), la brillanza, l'aura nel senso originario di Benjamin, ovvero "l'apparizione unica di una lontananza, per quanto questa possa essere vicina". È tutto questo, mutatis mutandis, che sfrigola e crepita nella brace del mondo dipinta da Ottieri, artista così profondamente napoletano ma altrettanto intensamente cosmopolita. È un cacciatore di energia e sarebbe riduttivo limitarlo al ruolo di pittore di città, perché il mistero del bagliore che ogni suo quadro reca con sé è anche il fuoco segreto degli uomini che hanno progettato, costruito, abitato e vissuto quelle metropoli e che sono ben presenti pur nell'assenza apparente.

Prendendo le mosse da un’arte millenaria come quella del mosaico, Impieri ha saputo rinnovarne il linguaggio sia dal punto di vista metodologico, attraverso la tecnica del trencadís (termine catalano che significa frantumato), sia da quello contenutistico, portando sulle tessere musive temi che parlano del sociale o della natura. In generale le sue opere si distinguono chiaramente per la vivacità dei colori e per le ardite nonché originalissime giustapposizioni di materiali eterogenei. Le opere, spesso realizzate attraverso progetti collettivi e inserite in contesti pubblici, hanno il merito di riqualificare molte zone urbane degradate delle città in cui sono state concepite. In questo modo Impieri dà vita ad un’opera globale che mira all’educazione civica sui temi della bellezza e del decoro e contemporaneamente al recupero e alla fruizione di luoghi non più frequentati, rendendo insieme ai cittadini coinvolti nella realizzazione delle opere, un servizio per tutta la collettività.