Manfredi Edizioni

Questo libro raccoglie le opere più recenti di Fan Bo, un artista che si stacca dai cliché di lettura degli artisti contemporanei cinesi, la cui maggior parte è cresciuta con una formazione artistica di stile realista-socialista, e che in larga parte ha in seguito partecipato a quell’onda di dissidenza dall’omologazione stilistica che ha interessato la Cina dal 1985 in poi, portando la maggior parte di loro a guardare ai linguaggi occidentali. Questo periodo di tempo riveste una particolare importanza per l’artista che, come ricorda lo studioso Filippo Salviati (il cui saggio è presente nel libro), in questi anni registra un cambiamento repentino nel suo percorso artistico, che vede volgere l’artista dall’uso di una pittura visionaria, ma pur sempre figurativa, a un utilizzo ampio e a 360 gradi di materiali, media e linguaggi, con uno sconfinamento assoluto anche tra una sensibilità orientale e una occidentale.

In occasione del “Compleanno” ultra Centenario di uno dei Teatri italiani culturalmente più importanti e prestigiosi, nonché fin da subito di visibilità nazionale e internazionale senza pari, la Manfredi Edizioni replica il suo incessante interesse per il mondo e la vita del Palcoscenico con una Collana inedita che nasce proprio con il battesimo di un’istituzione consacrata per e da Artisti di calibro e fama dal valore storico e sociale al di là del tempo.

L’arte fotografica conserva l’anima delle persone ritratte, come è stata capace di fare Elisabetta Catalano. Con lei la fotografia sostituisce le parole ed evoca ricordi. La sua capacità di fermare il momento attraverso lo scatto ci ha restituito un Fellini vero e umano. Abbiamo così deciso di dedicare una mostra, nel centenario dalla nascita del grande maestro, ad entrambi, perché sia Elisabetta che Federico, con il loro intendersi, hanno costruito un dialogo denso e originale che meritava di essere mostrato al grande pubblico nello spazio del Teatro 1 di Cinecittà, habitat naturale dei cinematografi. Abbiamo deciso di inaugurare durante la pandemia, dovuta al Covid, per dare un segnale forte al mondo della cultura e le aspettative, per questa esposizione che ha narrato un periodo storico memorabile, non sono state tradite.

[...] “Negli anni Ottanta, assieme ad altri artisti di Torino e poi di Parigi mi sono occupato delle nuove tecnologie” (Gilardi nel corso dell’incontro al MAXXI). Ma in fondo anche questo interesse, nell’ambito di un percorso come quello di Gilardi che rivela sempre più un’interna coerenza sotto un’apparenza multiforme e variegata, è preesistente: “La mostra Macchine per il futuro aveva indubbiamente una sua peculiarità in quanto rivelava un mio interesse precipuo per il mondo delle tecnoscienze” (l’artista in conversazione con Paola Ugolini). Dunque gli esiti del lavoro di Piero Gilardi di oggi erano già nelle premesse. “Al Parc de la Villette c’è il museo scientifico, si studiano le tecnologie interattive, è stato un laboratorio per il PAV, nel quale convergono tutte le esperienze della mia vita. Con un gruppo di lavoro facciamo molte cose, insegniamo ai bambini a estrarre il DNA dalle piante… siamo una struttura completa museale. Inizialmente il progetto era stato sostenuto particolarmente dall’assessore alla cultura Alfieri. Nel 2006 c’è stata la prima grande installazione di Dominique Gonzalez Foerster: Trèfle, il grande trifoglio verde.

[...] La materia è la sostanza dell’opera di Porru: la erode a volte con la fatica dello scalpello, a volte con la velocità del graffito su un intonaco di calce appena steso. Il segno è sempre deciso, complesso come la trama di un ragno, apparentemente caotico ma evidentemente non casuale. Il giusto tempo che richiede la lettura fa emergere il “filo” del racconto in un gioco di percezione e di rimandi. Ed è solo allora che iniziano a emergere i personaggi e i paesaggi urbani di arcana tradizione.

Fotografa italiana nata a Chiavenna (SO) nel 1978 e residente a Montreuil (Parigi), Susanna Pozzoli sviluppa un’ampia ricerca personale parallelamente a reportage su commissione dedicati al savoir-faire artigianale. La fotografia è spesso associata alla scrittura e inserita in installazioni site specific che comprendono video, montaggi audio, estratti d’interviste ed elementi grafici. [...] Nel 2019 è finalista del Premio Fondazione VAF ed espone al MART di Rovereto la serie intitolata Casa Costanza. Incontro con Meret Oppenheim, prima presentazione della ricerca pubblicata in questo volume.

L'arte è oggetto di una aggressione parassitaria da parte della moda, del design, dei social network, della speculazione finanziaria e del marketing che è parallela alla progressiva cancellazione della memoria e della natura alla quale stiamo assistendo passivamente. Eppure l'arte può salvaguardare la nostra sensibilità assalita dalla retorica tecnologica e dall'ossessione del profitto.

Big Bang, ecco la cosmologia urbana di Tommaso Ottieri con il suo drone dello splendore in volo estatico. Ecco, improvvise e baluginanti nell'oscurità, la scintillazione, la luccicanza (ci perdoni il Kubrick di Shining), la brillanza, l'aura nel senso originario di Benjamin, ovvero "l'apparizione unica di una lontananza, per quanto questa possa essere vicina". È tutto questo, mutatis mutandis, che sfrigola e crepita nella brace del mondo dipinta da Ottieri, artista così profondamente napoletano ma altrettanto intensamente cosmopolita. È un cacciatore di energia e sarebbe riduttivo limitarlo al ruolo di pittore di città, perché il mistero del bagliore che ogni suo quadro reca con sé è anche il fuoco segreto degli uomini che hanno progettato, costruito, abitato e vissuto quelle metropoli e che sono ben presenti pur nell'assenza apparente.

Prendendo le mosse da un’arte millenaria come quella del mosaico, Impieri ha saputo rinnovarne il linguaggio sia dal punto di vista metodologico, attraverso la tecnica del trencadís (termine catalano che significa frantumato), sia da quello contenutistico, portando sulle tessere musive temi che parlano del sociale o della natura. In generale le sue opere si distinguono chiaramente per la vivacità dei colori e per le ardite nonché originalissime giustapposizioni di materiali eterogenei. Le opere, spesso realizzate attraverso progetti collettivi e inserite in contesti pubblici, hanno il merito di riqualificare molte zone urbane degradate delle città in cui sono state concepite. In questo modo Impieri dà vita ad un’opera globale che mira all’educazione civica sui temi della bellezza e del decoro e contemporaneamente al recupero e alla fruizione di luoghi non più frequentati, rendendo insieme ai cittadini coinvolti nella realizzazione delle opere, un servizio per tutta la collettività.

Al termine del cammino della nostra vita, vorremmo tutti dire: “La mia vita è stata una Via Lucis”, ovvero una Via della Luce, perché tutti noi aspiriamo alla Luce. Ma la vera Via Lucis è la Via Crucis, ovvero una Via della Croce, così come abbiamo visto in Gesù: la Luce nasce da questo seme che muore, marcisce e porta frutto, rendendo forte e robusta la nuova pianta. La vita della Luce che cerchiamo, nasce da una vita della Croce. Questo è stato l’esempio non solo del Cristo Figlio di Dio Padre, ma si può vedere anche nella vita dei Santi, come in San Pio da Pietrelcina: quale vita di Santo non è stata una Via Lucis, nata da una Via Crucis? La Via Crucis che sembra un’esperienza terrificante è invece la nostra salvezza: sono i dolori di un parto, perché attraverso la Via Crucis viene fuori tutta la bellezza, tutta la profondità, tutta la ricchezza della vita di un uomo, di una donna che scelgono di essere testimoni della Parola di Dio.

Siamo nella metà degli anni Ottanta, a Bologna, durante l’importante fiera dell’arte, e tutto si svolge in quella settimana espositiva. Carla, una molto emancipata studentessa del Dams, e un giovane professore universitario che si occupa anche di mercato dell’arte, conducono una danza abbastanza complicata, forse anche pericolosa, all’interno di un mondo che non sempre è come appare. Durante la fiera ci sarà anche un assassinio, allo svelamento del quale contribuiranno, pur con ruoli diversi, anche i due giovani protagonisti del romanzo. Ma nulla, in verità, è poi così facile da svelare.

Quando, poco più che ventenne trascorrevo, quasi settimanalmente, una mattina o un pomeriggio con lui, nel suo “antro”, nella angusta stanzetta privata di uno studio per il resto luminosissimo, in Calle Vallaresso, Virgilio Guidi ogni volta, proprio sempre, mi regalava frammenti del suo personalissimo rapporto con il secolo passato. Lui lo aveva attraversato quasi tutto; soprattutto, lo aveva vissuto senza alcuna esitazione o paura o turbamento. Guidi aveva voracemente divorato il Novecento senza diventarne mai ostaggio, senza permettere che il convulso secolo breve lo fagocitasse. Da Giano bifronte quale era, anzi da uno e trino come quotidianamente si palesava, Guidi, consumando il presente, si impossessava della storia: lui, così profondamente legato alla classicità, quasi asetticamente però, senza nostalgie; e così, allo stesso tempo immerso, fisicamente, razionalmente ed emozionalmente, nel magma eruttivo della contemporaneità, e quindi vitalisticamente sospinto verso gli sconosciuti approdi del futuro.