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Gli ultimi cento anni sono stati uno dei periodi di maggiore esuberanza creativa nella storia dell’umanità. In questo secolo, infatti, l’arte ha aspirato addirittura a cambiare la società. Nel suo fondamentale testo “Lo shock dell’Arte Moderna” Robert Hughes, critico d’arte australiano, conclude il suo lavoro con queste parole: “L’Arte scopre il suo vero uso sociale non sul piano ideologico, ma aprendo il passaggio tra il sentimento e il significato. Non per tutti, ma per coloro che vogliono tentare. Questo impulso sembra essere immortale”. L’anno è il 1980. Sono trascorsi quarant’anni e Dagoberto Rodríguez (Caibarién, Las Villas, Cuba, 1969) riprende questi temi introducendoci in un mondo in cui l’ironia e la nostalgia del gioco, forse mai sperimentato, fanno da contraltare a concetti e idee, che oggi più che mai, richiamano l’uomo a riflessioni profonde proprio sul piano sociale. Con una intuizione magica, Dagoberto ha utilizzato la forma del Lego, ripetuto all’infinito, acquerellata con una tecnica sopraffina, per dare vita ad immagini di forte e coinvolgente impatto visivo. (Dal testo Futuro alternativo di Lorenzo Civiero)

Concepita come un’unica grande installazione, Diptychon Dittici Dialogici di Francesco Totaro scandisce l’allestimento pensato per gli spazi di una galleria che l’artista conosce molto bene: La Giarina Arte Contemporanea di Verona. Quattro sale per un corpus di lavori che sviluppa una vera e propria narrazione all’interno di un percorso libero e immersivo. Servendomi della parola corpus evoco inconsciamente non solo il significato più diretto di raccolta, riunione di più opere, intorno ad una determinata materia, ma anche quella relazione tra soggetti e cose che determinano l’elemento materiale del possesso. […] Di fronte ai lavori di Francesco Totaro percepiamo questa dissoluzione entrando simultaneamente in contatto con storie differenti: ogni opera, pur facendo parte di un’idea espositiva unitaria, racconta “solo” una parte di una storia più grande che possiamo ricomporre attraversando gli “epicentri” tematici che trovano campo in ognuna delle quattro sale della galleria. Stanze fisiche ed ideali, insieme, correlate ed interconnesse e a cui si ricollegano tutte le diverse parti in cui questo volume è frammentato.

Catalogo realizzato in occasione della mostra Antonia Trevisan. Assonanze. Storie di terra, acqua e luce, 2 aprile - 1 maggio 2022, Spazio espositivo Santa Maria della Misericordia, Perugia. L'esposizione di Santa Maria della Misericordia vuole mettere in luce le "assonanze" tra questi due mondi (Venezia e Perugia, ndr). Tecnicamente si appoggia alla struttura espositiva permanente costituita da pannelli longitudinali che si fronteggiano lungo la navata della ex chiesa intervallati dalle lesene che sporgono verso il centro, rafforzati nell'occasione a definire due spazi che sembrano alludere ai Campielli veneziani, nei quali sono collocate le opere legate alla Terra e all'Acqua. [...]

"Cambiare per rimanere se stessi" è un volume dedicato a Giorgio Griffa e Riccardo Guarneri, esponenti di spicco della Pittura Analitica, una corrente artistica alla quale FerrarinArte ha sempre riservato grande attenzione, attestandosi tra gli operatori accreditati a livello italiano ed internazionale. Accomunati da una ricerca pittorica di grande attualità, che negli ultimi cinquant'anni ha saputo cambiare rimanendo fedele a se stessa, Griffa e Guarneri sono stati invitati con una sala personale alla 57. Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia, dalla quale provengono alcune delle opere pubblicate nel libro. Il loro lavoro è presentato attraverso un testo di Carlo Vanoni e due interviste curate da Luca Maggio. Che cosa significa dipingere? Aprire la porta a un nuovo orizzonte, dove la luce della pittura non si limiti a raffigurare un tramonto e neppure a concepirlo come fosse un cerchio giallo, ma, più analiticamente, si manifesti come segno, traccia e colore.

Catalogo della mostra virtuale "Rebecca Olsen. River of Consciousness" che originalmente si sarebbe dovuta svolgere alla Hunt Gallery di St. Louis (MO – USA) nel novembre 2020. Il titolo, Fiume di Coscienza, è ispirato all’omonimo libro dell’autore e neuroscienziato Oliver Sacks, che esamina il modo in cui la mente e il cervello elaborano le esperienze creando una realtà percepita e una “coscienza”. Questo corpus di opere è un’esplorazione della sua memoria della città. Ogni opera può essere vista come un’istantanea dell’esperienza visiva di città/urbanità. Tutte le opere in mostra sono strutture, infinite iterazioni che hanno lo scopo di dialogare tra loro. Ogni opera è progenitrice dell’altra ed offre nuovi modi di rivivere e ripensare a ogni singola opera. I blocchi di legno, Infinite Iterations: City Block Series #1 sono pensati per essere toccati. Propongono al pubblico di sperimentare il processo dietro l’opera e di contemplare la forma, lo spazio, la città, la memoria e la nostra esperienza dei materiali.

"Parlare dell'opera di Elena Monzo significa addentrarsi in un percorso individuale e artistico ricco e cangiante, dove l'artista cambia anche inaspettatamente gli scenari in cui sono calati i personaggi, mantenendo tuttavia inalterato lo spirito che anima le creazioni: energica e dinamica, Elena Monzo mantiene fede alla sua natura fatta anche di provocazioni di cui spesso le protagoniste sono intriganti figure erotizzate. L'artista infrange i tabù esibendo un immaginario che pungola le nostre più intime fantasie esplorando il legame contorto tra l'individuo e una società caotica, isterica, corrosiva, in cui si annidano una moltitudine di contraddizioni e opposizioni che rendono minato un cammino tuttavia necessario perché ci possa essere un'evoluzione verso una terza via, quella inaugurata da una rinnovata comprensione di sé." (Dal testo di Rebecca Delmenico)

Settimo e ultimo volume dedicato al ciclo di mostre Re Genesis con opere di Gianfranco Gentile e Franco Mazzucchelli. La Creazione è ultimata e Dio benedice il settimo giorno, lo consacra e poi riposa contemplando la propria opera perfetta. Il settimo giorno rappresenta l'appagamento di Dio per la sua creazione e simbolicamente rappresenta il passaggio delle consegne agli esseri umani, dando origine al Tempo. La Pace prima della Tempesta prende spunto dalla poesia di Giacomo Leopardi (la quiete dopo la tempesta) nella quale il poeta, dopo un tono inizialmente festoso ed esultante, per la vita che riprende, ritorna verso il suo pessimismo rivivendo tutti gli affanni e i dolori che travagliano gli esseri umani.

Questa nuova monografia conferma l’impegno assunto negli anni dalla galleria FerrarinArte nel promuovere, sostenere e documentare l’inesauribile ricerca dell’artista Paolo Masi. Forte di una collaborazione stretta e proficua, motivata da una stima reciproca con il maestro fiorentino, prosegue il lavoro di ricognizione sulla ricchezza degli spunti offerti dalla sua opera, perché “l’impegno – come scrive Matteo Galbiati nel suo testo – è quello della continuità dell’osservazione che, nel rispetto della ricerca ininterrotta di Masi che si protrae da sei decadi, dà prova di saper insistere ancora su temi i quali, fedeli a un dovere di persistenza, si rivolgono all’altro con un valore universale. Ecco, quindi, che la sua esigenza pittorica non è mai sporadica o episodica, ma agisce nel flusso dinamico degli eventi e della storia, trovando, nel presente, lo spunto per aprire nuovi quesiti ed interrogazioni, dare risposte e sollevare dubbi.” La monografia si chiude con uno discusso sull’ultimo ciclo di opere accompagnate dal testo "Polittici felici" di Carlo Vanoni.

Dal 3 febbraio al 2 aprile 2022, in occasione della ricorrenza della scomparsa dello scultore Venanzo Crocetti, la Fondazione "Venanzo Crocetti" di Roma, apre le sue porte alla personale dell'artista Fabrizio Sannicandro dal titolo ARCANI, curata da Antonello Tolve. Nucleo forte del progetto espositivo, appositamente concepito per il Museo, è una serie di opere pittoriche che, in punta di piedi, traccia un ideale percorso lungo le vie di un immaginario collettivo. [...] Nelle figure qui concepite e che partono da una personale rielaborazione sul senso e significato degli archetipi junghiani, si concentrano tracce di realtà bloccate sulle tele che, chiarisce Tolve, sembrano frenarsi sull'idea dell'enigma, dell'arcano (dell'arca, dello scrigno) e dell'archetipo (del modello primario, dell'essenziale), dell'attesa di mistero che esse suscitano per chiudere il loro rappresentarsi un istante prima della verità: perché «vera», volendo utilizzare le parole di Agamben, e di questo l'artista ne è pienamente cosciente, «è soltanto quella rappresentazione che rappresenta anche lo scarto che la separa dalla verità».

In un percorso che unisce indissolubilmente le opere all’intensa biografia dell’artista, la galleria Area\B di Milano presenta dal 19 gennaio al 19 marzo 2022 la mostra "Nado Canuti. Il lungo volo". Curata da Alessandra Redaelli, la personale raccoglie un corpus di circa quindici opere – tra sculture in marmo, ottone e bronzo, installazioni e collage – dello scultore senese. Partendo da un focus antologico dedicato alle prime opere scultoree prodotte tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, si approda a opere inedite e di più recente creazione, quali collage, grandi sculture mobili da appoggio o appese al soffitto e opere da parete in cui la pittura si contamina in tecniche miste pensate come bassorilievi. Nado Canuti (1929) è oggi, all’età di 92 anni, un personaggio in grado di emanare entusiasmo ed energia, elementi sempre presenti nel suo messaggio artistico. Alla base del suo lavoro c’è la narrazione, storie che sembrano continuare da un’opera all’altra, anche attraverso la scelta dei materiali. Nelle sue opere resta il tema ricorrente del sogno, all’interno del quale ci si muove in un mondo dove l’impossibile diventa possibile.

A settantaquattro anni Claude Monet iniziava il suo ultimo e monumentale progetto: i pannelli per l’Orangérie. Su dodici tele dalle dimensioni maestose e per più di dieci anni, Monet ha lavorato a quello che possiamo definire il suo testamento artistico e spirituale: le Ninfee. Il racconto di Monica Gorini ha inizio proprio dai luoghi vissuti da Monet: da Etretat, Honfleur, Le Havre e Giverny. Per due anni Monica ha idealmente dialogato con il Maestro in un lungo viaggio, geografico botanico ed artistico, ricco di emozioni, di immagini, di ricerche e di scoperte che ha racchiuso tra le pagine di questo diario, in una narrazione coinvolgente, ricca di riferimenti culturali e umani. Con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa, Monica ha poi cercato la propria dimensione artistica traducendo le “impressioni” in un linguaggio concettuale. L’obiettivo, quindi, non è rifare Monet, dipingere i fiori o il paesaggio di Giverny, bensì trovare, attraverso i luoghi della sua pittura, il “segreto del colore” e trasformarlo in una sorta di legge empirica, in un personale sistema cifrato che racchiude la natura, l’anima e la psiche.

Dio disse: "Facciamo l'Uomo a nostra immagine e somiglianza"... Dio disse loro: "Siate fecondi e moltiplicatevi, riempite la Terra". E così avvenne. E fu sera e mattina: sesto giorno. Carlo Pasini riproduce oggetti e animali in scala 1:1 (modellando del poliuretano espanso) e li trasforma ricoprendoli di puntine da disegno, pietre, spilli e vetri. Sia gli animali, sia gli oggetti perdono la loro genuinità, tipica della natura e indossano una maschera come fa abitualmente l'essere umano celando spesso agli altri il vero se stesso. Marco Bertìn, riflette in modo ossessivo sugli effetti del consumismo sulla società contemporanea, esponendo centinaia e centinaia di foto di un manichino vestito in modo sempre diverso, con abiti presi in prestito da un mercatino dell'usato, in un infinito valzer d'identità perdute.