Ensemble: Erranze

Poema epico e lirico, "Le Indie" si snoda in sei canti o quadri che ripercorrono e decolonizzano uno dei racconti fondatori della modernità, ovvero il viaggio di Colombo e tutto quanto ne seguì: La Chiamata, Il Viaggio, La Conquista, La Tratta, Gli Eroi, La Relazione. La prima edizione (1956) aveva come sottotitolo Poème de l’une et l’autre terre, a rimarcare come il mondo e la poesia che cerca di raccontarlo siano contrassegnati dalla molteplicità, e dalle connessioni che mettono in contatto il molteplice. “L’una e l’altra terra” sono l’Europa e l’America, ma pure l’Africa e l’America se assumiamo la prospettiva degli schiavi deportati; sono anche le stesse Indie, il cui nome è significativamente plurale e non viene mai a coincidere con la terra che con esso si intende designare. Le Indie sono quindi il luogo dove la realtà si moltiplica, si fa inafferabile e diviene altro da sé, in modi tanto distruttivi quanto liberanti (le rivolte anticoloniali assenti dai nostri libri di storia, la Relazione che ha creolizzato corpi, lingue e culture).

Poesie tradotte in italiano ad opera dell'autore.

"Poesie 1989-2016, raccolta completa dell'opera poetica italiana di Hasan Atiya Al Nassar, nasce dall'esigenza di riunire in un unico volume l'intera produzione poetica di uno dei più importanti poeti transnazionali in italiano di questi ultimi anni. Che ha portato contributi fondamentali tanto alla letteratura e alla lingua italiana contemporanea, quanto all'incontro fra cultura europea e mediorientale" (dalla Prefazione di Edoardo Olmi). "Stabilitosi in Italia dopo essere fuggito dall'Iraq, passato attraverso la lacerazione dell'esilio, Al Nassar in Italia - e in particolar modo a Firenze, città protagonista di molti dei suoi testi - ha ricostruito faticosamente la sua voce letteraria attraverso un trentennio di attività svolta in diversi settori. Affiancando un importante impegno saggistico, critico e di studio a un'intensa attività letteraria - di cui la poesia resta la prima e massima espressione - l'autore ha costruito una traiettoria translingue che ha attirato, meritoriamente, un'attenzione crescente in ambito sia nazionale che internazionale" (dalla Postfazione di Alice Loda).

Dietro l'Assente segue un itinerario mentale le cui coordinate spaziali e temporali appaiono regolarmente come i limiti di un percorso della scrittura nonché nella lingua (o meglio tra le lingue). Ogni poesia della raccolta di Flaviano Pisanelli corrisponde a un luogo e a un anno, alle tappe di una biografia affettiva chiaramente orientata verso un Mezzogiorno, e formano i punti di riferimento di una coscienza poetica che si dipana tra il 2010 e il 2020. I luoghi dell'autore, amati, ricercati, talvolta anche sofferti, tracciano una vera e propria geografia la cui filigrana testuale si estende da una pagina all'altra: la Sicilia, la Basilicata, Urbino, Roma, il sud della Francia (da Nizza alla Linguadoca), la Tunisia, e più lontano l'America Latina (vedi la serie La Caverna, Senza rima, Ushuaïa) fino all'India di Goa. Questi riferimenti spaziali scandiscono il tempo della scrittura, naturalmente, ma anche un viaggio memoriale più intimo: «Je vais vers la nuit de ma mémoire […] / Je vais vers l'horizon de mes terres-frontières […] / Je vais vers l'aube de ma mémoire […] / Je vais lentement vers le mystère de mon présent» (Prière inachevée).» (dalla Prefazione di Yannick Gouchan)

Alibi - dal latino alĭbi, 'altrove' - è la prima antologia che raccoglie le voci - dislocate, trasferite, trasportate - di poeti italiani viventi, o precedentemente vissuti, nel Regno Unito. In maniera programmatica ma lirica, in forma di elegia e al di là della denuncia, esce all'indomani della Brexit e per invito del poeta albanese italofono Gëzim Hajdari. È un progetto transculturale e bilingue che raccoglie poeti e traduttori di età, città, professioni e stili diversi: c'è chi studia logica matematica e chi lavora la ceramica; chi pratica la terzina dantesca e chi abbraccia l'haiku; chi scrive per dipingere e chi non usa le parole; chi traduce dalla lingua dell'inconscio e del mito; chi compone in inglese, chi si autotraduce e chi usa più lingue, trasgredendo i principi della biunivocità e del binarismo. Così nel libro troverete il fantasma poliglotta dei più grandi poeti della tradizione (e traduzione) italiana, da Dante ad Ariosto e da Petrarca a Leopardi; vi unirete a un'intima (ultima?) danza di amiche e amici, eppure soffrirete l'esilio; rifarete esperienza dello spazio di un grembo e visiterete il vuoto di una tomba; capirete che la distanza è poesia prematura e allo stesso tempo vecchissima. L'italiano antologizzato, a volte nato tradotto e altre volte nato straniero, è lingua della maternità, delle metamorfosi, del postcolonialismo, dell'alterità animale e cosmica, della nostalgia per altri mondi, migrazioni e partenze. È lingua della traduzione, eterna e appena pronunciata, creata per il luogo di nascita e per tutte le altre destinazioni. È la lingua viva e vera, incodificata e decodificata, dei nostri ritorni.

Yun Dong Ju (Longjing, 30 dicembre 1917 – Fukuoka, 16 febbraio 1945) è uno dei poeti della letteratura coreana del Novecento più amati in Corea. Vissuto nel pieno della colonizzazione giapponese che si prolungò per ben trentacinque anni, è considerato uno dei principali poeti della resistenza nel suo Paese. La raccolta "Cielo, vento, stelle e poesia" è qui tradotta per la prima volta in lingua italiana con il titolo "Vento blu" e contiene l’intera opera conosciuta del poeta; riguarda gli anni che vanno dal 1934 al 1942 e testimonia la graduale crescita artistica e intellettuale di Yun Dong Ju. Una crescita che coincide con il suo impegno letterario, i cui effetti convergono con quelli della resistenza politica e organizzativa posta in atto dai coreani per contrastare l’occupazione giapponese e la perdita di indipendenza del Regno di Corea.

Per queste Scissure ci si aggira attoniti, sconcertati dal profilo inedito con cui le cose si presentano agli occhi, con l’evidenza e il fascino di una prima scoperta, come se contemplate nel primo giorno della creazione. Una caleidoscopica fuga di mirabili evocazioni. Dopo qualche passo lungo le pagine, ci si avvede che non s’incontreranno ‘storie’, ma che la Storia è un tessuto di bagliori e di enigmi, di semplici occorrenze di quotidiano, che a schegge ci entrano di volo negli occhi e nel cuore. E il lettore ha il compito (non facile, e però accattivante) di ricondurre il tutto a comprensione – esattamente come è chiamato a fare, giorno per giorno, con la sua stessa vita. Dopo sette anni di attesa, il nuovo libro di Luigi Manzi, uno dei maggiori poeti del nostro tempo.

Si apre una contraddizione in chi affronta la lettura di questo contributo che Gëzim Hajdari offre alle nostre lettere, e non solo: la certezza di punti fermi, la caparbietà di un progetto a lungo termine, l’ostinazione a credere in valori millenari filtrati dalla invenzione scritta, pure a fronte di un mutamento epocale di paradigma, che tutto appiattisce, frammenta, disconosce e distrugge, proprio a far capo dallo status che l’autore porta, esibisce, coltiva: quello di esule, migrante, rifugiato, altro e diverso. Una condizione fluida e bloccata che i suoi testi poetici ribadiscono ad ogni strofa, essendo ormai l’esperienza di fuggitivo e sradicato divenuta elemento sostanziale del suo vissuto e del suo immaginario, vittima (come vedremo) con molti altri intellettuali “stranieri” di una tacita e sistematica espulsione che l’Italia pre e post salviniana ha caparbiamente attuato in nome anche di purezza e primato letterari, di fatto smentiti da questa stessa raccolta.

La poesia di Luigi Pacioni è, come la sua pittura, fantastica e visionaria. Contrapponendo allo schema culturale occidentale, basato sulla priorità del pensiero logico-discorsivo, la dimensione notturna e misteriosa dell'essere, egli ha inteso collocarsi nella prospettiva indicata da Blake, Nerval e dal Surrealismo. L'immaginazione trionfa in questi versi, privilegiando la polisemia, ricorrendo costantemente al tropo, imperniando il linguaggio sulla potenza del simbolo. Tra le numerose figure simboliche presenti in queste poesie, centrale ed emblematica è la Colomba di Fuoco, figura femminea ambigua e polivalente. Solitamente, le immagini ornitologiche rinviano al desiderio dinamico di elevazione; la Colomba di Fuoco di Pacioni, nel momento in cui viene primieramente enunciata è accostata alla serpe ("Il poema/che ho scritto su di te/mi è stato ispirato/da una serpe e da una colomba").