Giuliano Ladolfi Editore: Smeraldo

Sulla memoria si costituisce la storia degli individui e delle società; eppure, non la si può considerare a fondo se non prendendo parallelamente in esame anche l'oblio: teniamo a mente molte vestigia e civiltà del passato, ma altrettante ne abbiamo dimenticate. Non si può ricordare tutto, né ogni cosa è degna di essere ricordata. Partendo da tali presupposti, grazie alla collaborazione di alcuni autori alla base della cui poetica sta un discorso dialettico sulla memoria, abbiamo voluto creare un volume che sia un fiume del ricordare e che finisca per essere, inevitabilmente, pure un fiume dell'oblio.

La sintesi proposta nel presente lavoro non rende ragione dello studio compiuto in più di vent'anni di lavoro sulle pagine del trimestrale "Atelier", il cui pregio è consistito nello smuovere la massa informe di una critica immersa nelle secche dello Strutturalismo. Difficile, però, è ricostruire il disegno unitario di una concezione della poesia per chi non abbia seguito l'intero percorso; del resto, lo stesso lavoro in rivista andava completato con fondamentali testi esterni, nei quali erano state poste le basi concettuali e metodologiche. La pubblicazione, pertanto, nasce dalla necessità di riunire e divulgare in un quadro gli studi sulla poesia novecentesca del direttore Giuliano Ladolfi, per riattivare un dibattito mai sopito, per offrire la possibilità a nuovi lettori di esprimere la propria opinione consapevolmente, per entrare nelle aule delle scuole superiori, e universitarie, scopo non secondario (basterebbe aggiungere una piccola antologia di testi per fornire agli studenti una visione completa e nuova del Novecento poetico) e per rinnovare nei giovani l'entusiasmo per un'arte, nella quale la nostra stirpe da migliaia di anni ha dimostrato l'eccellenza.

I saggi presentati in questo lavoro ruotano attorno ad alcuni aspetti dell'editoria e della scrittura, in particolare alla poesia, così come vengono intese e praticate nel nostro Paese. L'intento è quello di provare a dare una visione un po' diversa rispetto a quella prevalente dell'esistenza di un mercato editoriale sano, di una critica militante efficace e onesta, della presenza di scritture di qualità, di un genere letterario (quello della poesia) vivo e in salute.

Scrittori e poeti - ieri più che mai! - scrivendosi anteponevano, e antepongono, il rischio dell'azzardo alle intemperie di una possibile delusione. Così, Marina Cvetaeva divenne regina incontrastata di carteggi memorabili: indimenticabile il triangolo con Pasternak e Rilke. Di quest'ultimo poeta, oggi, qui, si traducono per la prima volta in Italia un pugno di lettere: ventitré, un esiguo numero che però sigilla una corrispondenza leggendaria. Giorgio Anelli dona al mondo letterario italiano, come al semplice lettore, la possibilità di godere di un tesoro immortale che irrora bellezza. Siamo grati a Rainer Maria Rilke e a Catherine Pozzi per l'esistenza di questo epistolario, senza il quale il mondo sarebbe ancora una volta vulnerabile e povero; quasi privo di possibilità di salvezza. Anelli ne ha scovata una. L'ha fatta sua e ce l'ha donata forse con non curanza, proprio come quando si vuol bene a un bambino.

Questo saggio si propone un fine ambizioso: gettare una chiara luce dopo sette secoli su frasi, allegorie e personaggi della Divina Commedia, avvolti nell'oscura ambiguità dalle studiate parole di Dante Alighieri. Quest'opera deriva da un'attenta e documentata ricerca, che ha coinvolto la linguistica fonologica, la storia, l'economia storica, la teologia, la matematica, la filosofia e la storia dell'arte medievale. In tal modo sono state trovate con elevata probabilità, potendo la certezza essere giudicata presunzione, fonti finora non comprese appieno o addirittura non note. Queste hanno permesso al Poeta di costruire l'ordito di base del Poema, quando era a Firenze, per poi intesserlo con pazienza e dedizione negli anni difficili dell'esilio, decorandolo con personaggi incontrati ed eventi vissuti, sia nella nostalgia di Firenze, sia nell'attualità giornaliera. Questo ordito viene qui rivelato e sfrutta, con modi in uso tuttora nella moderna informatica e con una sistematicità finora incompresa, il sistema di numerazione posizionale odierno, introdotto al grande pubblico mezzo secolo prima della nascita di Dante. Per comunicare il messaggio basilare di partenza, centrato sulla figura del Salvatore nel momento della Pasqua di Passione e Resurrezione, Dante sviluppa un'estetica del dualismo in contrasto con i messaggi di unità teocratica delle gerarchie ecclesiastiche dei suoi tempi e in aderenza al messaggio evangelico, rinnovato nella predicazione dei nuovi ordini mendicanti. Egli tuttavia non è né eretico né settario, ma un cristiano di profonda fede, in cui si compenetra una razionalità geniale, e per questo usa modalità di tipo biblico nella costruzione a riferimenti incrociati del Poema. Nel suo cammino di giudizio sui suoi tempi lo guidano, nell'affidarsi alla Chiesa come a una Madre, l'ammirazione per la figura imperiale, incarnata da Federico II di Svevia e ravvivata davanti ai suoi occhi da Enrico VII di Lussemburgo, la santità nel governo di un popolo di San Luigi IX di Francia, la santità profetico-apocalittica di Gioacchino da Fiore e la santità tutta spirituale di San Francesco d'Assisi. In questo modo si arriva nell'Inferno a comprendere a quale figura si ispirino il Veltro e il Veglio di Creta, a decifrare l'esclamazione di Pluto, a togliere la maschera a molti personaggi del mito e della storia biblica là presentati, a rivelare del Purgatorio la struttura teologico-dottrinale e a dare al Paradiso il valore di premonizione della fine con il ricongiungimento agli affetti familiari e all'abbraccio paterno di Dio.

La storia di una rivista militante si fa non solo sui contenuti, ma soprattutto rileggendo gli editoriali, il "luogo" cioè dove si annida il pensiero estetico e pratico del gruppo che fa capo ai direttori, i quali aprono orizzonti di lavoro per coloro che intendono partecipare al progetto culturale (Giuseppe Langella). Questo lavoro, all'inizio del ventisettesimo anno di attività della rivista «Atelier», si propone di rimediare alla frammentarietà degli interventi, propri di una rivista letteraria militante che trova nell'attualità la spinta e l'energia di riflessione e di scrittura, e di delineare in modo organico i princìpi che hanno guidato l'opera di studio e di direzione durante questo periodo. Non si intende operare alcun bilancio e neppure tracciare le linee dell'intera attività. Lo scopo va ricercato nella necessità di sistematicità e di organicità di pensiero, maturata su una serie di scelte epistemologiche e critiche, già chiare e distinte fin dal primo numero.

Il volume raccoglie una serie di studi critici sull'opera di Pier Luigi Bacchini. Nella prima sezione sono pubblicati gli atti del Convegno "Pier Luigi Bacchini, Quel problema del cielo", tenutosi a Parma nelle stanze del Palazzo del Governatore il 18 ottobre 2018, a cura di Luca Ariano, con interventi di Luca Ariano, Alberto Bertoni, Paolo Briganti, Marzio Dall'Acqua, Giuliano Ladolfi, Daniela Marcheschi, Giuseppe Marchetti, Giovanni Ronchini. La sezione seguente invece riunisce i contributi critici di altri studiosi dell'opera bacchiniana - Amedeo Anelli, Camillo Bacchini, Salvatore Ritrovato -, che in questo volume viene dunque analizzata e sistemata coerentemente all'interno del quadro della poesia italiana ed europea.

Giocando a ribaltare i rapporti di corpo e spazio, interiorità e materia, vuoto e forme, il Surrealismo francese cerca di ridisegnare l'ontologia cognitiva ed esistenziale del soggetto. Il volumetto esplora una delle conseguenze di quella irrequietezza: la confluenza delle energie dell'io in una grafia non codificata, lo schiudersi del corpo tramite una scrittura fatta di segni "viventi". Il corpo si trasforma esprimendo un'istanza evolutiva: rinuncia alla propria rappresentazione e lascia defluire perciò le proprie potenzialità lungo linee che catturano e diffondono senso nello spazio, realizzando così una feconda intersezione di arte e scrittura.

Il frate-poeta David Maria Turoldo rappresenta un vero e proprio "caso" nel panorama culturale dell'Italia, dagli anni del fascismo e della Guerra, attraversando l'esperienza dei lager, la ricostruzione, i fermenti di rinnovamento ecclesiastico del Concilio, gli anni di piombo e la tragica vicenda Moro, affrontando con un convinto ecumenismo l'intero periodo della Guerra Fredda, per approdare alla definitiva prova di fede nella sfida contro la malattia. Questa testimoniale liturgia umana ne racconta le vicende personali e l'impatto profondo con le principali vicende storiche del nostro paese, concentrandosi in particolar modo sulla ricca produzione poetica e affrontando uno ad uno i suoi lavori in versi e la loro evoluzione stilistica. Un viaggio, intenso ed umanissimo, tra vita e parola, di una voce pressoché unica del nostro Novecento.

Le riviste, in qualità di luoghi di indagine e discussione critica del reale, costituiscono il veicolo più immediato della poesia contemporanea. È da questo canale che si deve quindi partire per comprendere dov'è la poesia oggi, cosa ci dice e cosa fa. Nel delineare questo percorso il libro diviene un'occasione per analizzare non solo l'interazione fra poesia e media ma anche le peculiarità del lavoro svolto dalla poesia rispetto a tutti gli altri, in primis, la capacità di guidare al libero pensiero critico. La poesia inglese, così come quella italiana, dialoga costantemente con il reale e solo la consapevolezza della sua ricaduta sociale permette di restituire il vero sapore dell'epoca contemporanea, dominata dalla logica mercantile e che poco spazio riserva all'espressione di emozioni e sentimenti autentici. Dedicarsi alla poesia, a fronte del rumore imposto dalle tecnologie digitali, significa allora riservare uno spazio di intimità all'espressione del sé, alla capacità di emozionarsi, al valore del silenzio educando così l'animo umano in modo profondo.

Mario Luzi non è un autore semplice: più lo si legge e più ci si accorge di aver compreso ben poco di quel lungo lavoro poetico durato settant'anni. Eppure, oggi più che mai, si avverte la necessità di riproporlo all'attenzione della critica, delle università, dei giovani, dei mass media. In lui sono presenti i problemi e le questioni individuali, sociali, politiche, filosofiche, teologiche e morali che investono la cultura contemporanea, e la conoscenza dei suoi testi ci aiuta a comprendere in profondità la nostra situazione. La complessità delle sue opere ha impedito finora uno sguardo sintetico in grado di abbracciare la sua produzione in versi. Il presente studio si propone di colmare questa lacuna e per la prima volta affronta le composizioni di Luzi secondo un Idealtypus che permette di conferire senso e significato all'intero straordinario cammino umano e poetico di uno scrittore destinato a segnare una linea di demarcazione nella storia della poesia italiana e mondiale.

Il sentirsi "stretti nel mondo", fuori luogo, stranieri al mondo è certamente un aspetto che accomuna i tre autori (Kafka, Buzzati e Camus) di cui abbiamo scelto di parlare. Sentirsi stranieri è un sentimento doloroso e negativo che perlomeno consente ai protagonisti letterari dei suddetti autori di rendersi autentici ('autentici' nel senso heideggeriano del termine), di sfuggire alla "stupidità di tutte le cose", di percepire appieno la loro profonda fragilità esistenziale, in assoluta mancanza di infingimenti. E il sentirsi estranei può anche assumere talvolta una valenza etica che oseremmo dire positiva: un cercare faticoso di aprirsi all'altro (spesso senza riuscirvi) rinunciando a quel demoniaco senso del possesso privatistico delle cose (in Buzzati ma anche in Kafka) o comunque a quella mostruosa finzione nei rapporti quotidiani che impesta le nostre vite (e qui pensiamo allo "Straniero" di Camus).