NFC Edizioni

Chi è il flâneur? Un girovago o un poeta, un fannullone o un esteta, un sognatore o un realista? Secondo Balzac la flânerie non è una posa ma una disciplina vera e propria associata al cammino, che lui definisce “gastronomia dell’occhio”. Il flâneur, dal palato, ovvero, dalla pupilla esigente, si serve alla tavola vasta di una città, un buffet aperto da piluccare, scansando i piatti celebri, per saggiare con le dita quelle pietanze rare, di cui si ignorano gli ingredienti. Il flâneur bighellona senza una meta definita ma con un ideale altissimo, la ricerca della bellezza; una bellezza inedita, inaspettata e quasi intonsa da perseguire negli itinerari alternativi, o governati dal caso, fuori dalle rotte consuete. L’occhio parte allo sbaraglio, sceglie, si nutre di ciò che lo sorprende, infine, dato che spesso quell’occhio appartiene ad un artista, restituisce il favore, matura una propria bellezza, crea. Questa parola, che esiste soltanto in francese, sembra coniugarsi direttamente con Parigi, così come l’ha coniata Baudelaire, che ne ha fatto l’archetipo dell’artista moderno, inserito in un contesto preciso, quello appunto della capitale francese di metà Ottocento...

"Qualche tempo fa Paola Goretti presentò agli studiosi ed al pubblico una piccola parte delle numerose opere grafiche presenti nel Gabinetto Disegni e Stampe annesso alla Pinacoteca Nazionale di Bologna. In un suo scritto affidato al web la volle battezzare ‘Araldica piumata’, alludendo, con un alato ‘giro di parole’, al fatto che i trionfi di piume di struzzo, di pavone, di airone e via dicendo, stretti in aigrette od asprì, alludessero in qualche modo all’araldica bolognese sia nei colori che nelle figure. Quello scritto giungeva dopo che studiosi del calibro di Franco Cardini e Lionello Giorgio Boccia avevano investigato quali fossero i sistemi simbolici e auto-rappresentativi della nobiltà di antico regime, ed in specifico anche bolognese, nel periodo di passaggio tra Rinascimento e Barocco." (Dalla Prefazione di Mario Scalini)

Questo volume nasce dal ritrovamento nei depositi della Pinacoteca di Faenza di un corpus di circa 60 disegni provenienti dalla collezione di Giuseppe Zauli. La collezione fu acquistata dalla Municipalità nel 1797 per la nascitura scuola del disegno. Con l'occasione della schedatura scientifica dei fogli ritrovati, quasi tutti inediti, è stata approfondita la figura di Giuseppe Zauli. Sauro Casadei ne ha scritto un profilo biografico: la vita privata, il docente e fondatore della scuola di disegno, gli incarichi pubblici, il conoscitore apprezzato anche da Luigi Lanzi, il collezionista che acquisì la raccolta del grande incisore Giovanni Bernardi conosciuta anche da Vasari, il fondatore della Pinacoteca e tutore del patrimonio artistico della città, per finire con il suo rapporto con l'illustre allievo Tommaso Giulio Zavatta si occupa invece del fondo di disegni ritrovato: una contestualizzazione nell'ambito delle nascenti scuole di disegno ha ampliato notevolmente gli orizzonti: la cattedra fu molto ambita e fu assegnata a Zauli non senza la presenza di agguerriti competitori, come Francesco Alberi. La questione inoltre assunse una dimensione nazionale, e coinvolse il ministro della Repubblica Cisalpina Daniele Felici Cappello e il celebre artista Andrea Appiani. Vengono quindi analizzati gli stretti rapporti di Giuseppe Zauli con il maestro Gaetano Gandolfi e vengono così contestualizzati numerosi disegni gandolfeschi ancora presenti in collezione, oltre ai fogli di Giacomo Cavedone, Felice Cignani, Ercole Graziani, Francesco Monti, Vittorio Maria Bigari, Marcantonio Franceschini. I disegni dimostrano una sostanziale continuità con i gusti dell'Accademia di Bologna, della quale Zauli fu allievo. Un saggio particolare è infine dedicato ai fogli di Ferraù Fenzoni provenienti dalla raccolta Zauli.

Sono in giardino sotto il sole di aprile; poco dopo si siede vicino a me mia nonna con i suoi libri e mi chiede: “Cosa stai leggendo?” Le rispondo un vago: “Di arte”. Mi allunga la mano e mi dice: “Leggi qua”. Prendo quello che dalla forma è un santino, lo leggo e le rispondo che le parole sono molto belle. Non ho potuto contraccambiare il gesto offrendole quello che stavo leggendo io. Come spiegarle che uno squalo sotto formaldeide è un’opera d’arte e vale 12 milioni di dollari? L’autrice, giovane e affermata esperta d’arte contemporanea, con un divertente e serrato dialogo con la nonna novantenne, ci guida alla scoperta delle maggiori opere d’arte del Novecento raccontando con semplicità e autorevolezza 100 anni di storia dell’arte, svelandone i fondamenti e mettendo in luce i meccanismi che fanno di un semplice scolabottiglie un’opera d’arte dal valore milionario. In un’epoca in cui l’arte, pur essendo alla portata di tutti, rimane un fatto elitario e spesso incomprensibile ai più, questo libro che non è un manuale, non è un testo teorico, né un saggio di estetica, diviene un’utile guida per conoscere, approfondire, riflettere su un mondo che spesso può apparire bizzarro e senza senso, ma che si nutre proprio del reale per esistere.

Il volume, promosso dai Musei Civici di Reggio Emilia in collaborazione con l'Associazione culturale A Regola d'Arte e la Deputazione di Storia Patria-sezione Reggio Emilia, con il sostegno della Fondazione Pietro Manodori, del Banco S. Geminiano e S. Prospero-Gruppo Banco Popolare di Reggio Emili) e della Pallacanestro Reggiana, intende rendere omaggio a Elio Monducci, emerito studioso e appassionato ricercatore della storia artistica della città di Reggio Emilia, recentemente scomparso. Come è ben noto nell'ambito degli studi di storia dell'arte, Monducci, nel corso della sua vita di ricercatore di documenti d'archivio e studioso d'arte, si è occupato di gran parte della storia artistica della città emiliana, dal Medioevo all'Ottocento, dall'architettura alla pittura e dalla scultura alle arti decorative. Non solo, appassionato collezionista di libri antichi, stampe e dipinti di ambito reggiano del XIX e XX secolo, la sua preziosa raccolta è oggi conservata presso la Fondazione Pietro Manodori di Reggio Emilia.

Alcune madri sono, a mio avviso, madri da studiare: per le loro incredibili capacità di resurrezione. Perché a risorgere – mentre ancora si vive e quando, seppur ancora in vita, si è già morti - si impara. E si impara per contagio. Madri addolorate il cui dolore è stata la penultima parola: e che dunque si sono rialzate, trasfigurando il lutto in celebrazione e quella morte in apprendimento. Madri risorte, non nonostante il dolore ma proprio grazie ad esso. Perché prima di incontrarlo erano fragili come tante altre, col cuore che si sfalda come i biscotti al mattino nel latte. Madri che la disgrazia ha reso piene di grazia.

Dalla manica dell’abito indossato da una delle donne più famose del mondo affiora un ritratto. Risalendo dal fondale di stoffa cupa come abisso d’oceano, quel volto lentamente delinea la propria fisionomia, rivelando l’effigie di un filosofo greco tuttora caposaldo della cultura universale. È infatti il viso di Platone, nell’aspetto tramandato da celebri marmi antichi. Perché Leonardo da Vinci ha voluto criptare all’interno della sua Monna Lisa proprio quel filosofo? Cosa desiderava comunicare in segreto il genio toscano a una cerchia senza dubbio ristretta di umanisti? In quale misura la filosofia platonica, nel proprio naturale itinerario verso l’approdo neoplatonico, pur adottata da taluni raffinati cenacoli delle alte gerarchie cattoliche, avrebbe tuttavia potuto influire in modo irreversibile sul diritto alla completa libertà di pensiero, e dunque sulla totale emancipazione delle idee individuali da qualsivoglia vincolo imposto, se quell’artista immenso preferì occultare l’immagine di Platone in un ritratto femminile nelle cui sembianze, peraltro, l’autore volle imprimere le proprie, traslate dal maschile al femminile e dalla vecchiaia alla gioventù?

Il periodo del “boom economico” riminese, tra gli anni Cinquanta e Sessanta del Novecento, è stato caratterizzato dall’avvio di numerose iniziative imprenditoriali particolarmente innovative, se non addirittura rivoluzionarie. Queste realtà hanno affiancato la travolgente rinascita della città dopo le devastazioni belliche e hanno indubbiamente contribuito, in maniera sinergica, al repentino successo della Riviera Romagnola sul mercato turistico internazionale e nell’immaginario collettivo. Tra le organizzazioni che hanno maggiormente permeato la storia del commercio e la memoria urbana, un posto prioritario è ancora occupato - a oltre sessant’anni dall’inaugurazione e più di cinquanta dalla cessione del marchio - dalla singolare, ma straordinaria, esperienza dell’Omnia, ovvero la via riminese alla grande distribuzione organizzata: un’esperienza durata solamente dal 1963 al 1974 ma capace di coinvolgere centinaia di dipendenti ed espandersi, nel 1967, sino a Bologna. A 12 anni dalla prima edizione, la storia tutta riminese dei grandi magazzini Omnia viene oggi riproposta in un formato più ampio e completo, integrata dalle preziose testimonianze degli ex dipendenti. Prefazione di Andrea Montemaggi.

"Le presenze nei suoi dipinti si comportano come attori di un sogno che cercano di non fare gesti o suoni tali da destare. Quasi appartenessero a quella fase onirica che non ricordiamo al nostro risveglio, forse proprio per essere fatti di una materia discreta, senza l’enfasi dell’incubo o il tumulto di una passione" (Massimo Pulini)

Gli appunti di lavoro di Gillian Hobart, fondatrice del Metodo che porta il suo nome, sono rivolti a tutti coloro, abili e differentemente abili, che desiderano intraprendere un percorso di conoscenza e di autoconoscenza nel movimento danzato. Un viaggio in cui danza e vita si incontrano per trasformare il gesto in presenza, la relazione in espressività creativa. Parole che parlano al corpo, si fanno esperienza; intuizioni che liberano l’impulso del desiderio. Una pedagogia del movimento e una bussola per orientarsi nella propria vita danzata, per convertire ogni passo in una declinazione dell’essere. Viatico di bellezza per chi già danza, per chi non ha mai osato, per chi è in cammino. Mary Anthony e Merce Cunningham determinarono la svolta di Gillian. In quella svolta, pervicace e decisiva, Gillian trovò in seguito, dopo le manifestazioni del teatro, gli impulsi dell’educatrice, lo spirito missionario che oggi continua ad animarla, a sollecitarla nei confronti di quelle persone che, differentemente abili, trovano nell’arte del movimento, nella disciplina corporea, il sollievo, la speranza, le illuminazioni di un quotidiano conforto, praticamente quella bellezza che salverà il mondo. Alberto Testa

"Questa è la mia storia, la mia voce, i miei silenzi, le mie stagioni. Sono riflessioni nate nei giorni pieni e nei giorni vuoti, pensieri che hanno camminato con me e parole che mi hanno tenuta viva. In ogni pagina traspare la mia gioia di vivere, anche quando il mio cuore aveva voglia di piangere" (l'autrice)

Un sole delicato rischiara la base della Torre di Toblin il cui costone massiccio a scarpata diagonale è fuori dal cono d’ombra che vela le tre guglie mozzate, erte come gigantesche ciminiere, a dominio della profondissima valle dolomitica. Quella visione ‘perditiva’ viene descritta nel dipinto con commovente cura nell’intento, raggiunto, di cogliere un accordo armonico tra il sentimento della più aperta natura ed un’intima spiritualità. Proprio alle pendici della Torre è inginocchiato in preghiera un anziano anacoreta, dalla barba lunga, canuta al pari dei capelli rasati che disegnano la nuca. Il suo corpo, interamente nudo se si esclude una stola annodata sui fianchi, è proteso verso una grande croce che si alza parallela e assicurata al tronco di un albero, le cui fronde fungono quasi da portico naturale. Il Cristo crocefisso ha le proporzioni di un bambino, se raffrontate al dinoccolato che gli sta inginocchiato davanti, ma vive di una semplicità che lo rende autentico: una povera scultura di montagna, priva d’architettura e posta a poca distanza da un rifugio dello spirito. È in tutta la metà sinistra della tela che si compie questa stringente relazione...