Silvana

La stagione della pittura pisana raccontata in questo volume rappresenta uno straordinario crogiolo di esperienze e di linguaggi, alla cui costituzione hanno contribuito Cimabue, Giotto e Simone Martini. In questo clima prende le mosse e si afferma Francesco Traini, massimo pittore cittadino, la cui figura dalla biografia sfuggente è finalmente qui restituita nella sua statura artistica e inquadrata nel contesto culturale e storico di cui, assieme al senese Lippo Memmi e al fiorentino Buffalmacco, ma più a lungo di loro, fu indiscusso protagonista.

La rassegna "L'acqua che tocchi. Leonardo, anima e materia" è la nona tappa del tour Open di Fondazione Cariplo, tour di eventi espositivi promossi da Fondazione Cariplo, in collaborazione con le Fondazioni di Comunità locali, che sta portando il patrimonio artistico dell'ente milanese in tutta la Lombardia, nelle province del Verbano-Cusio-Ossola e di Novara. Fonte di vita, elemento sacro e di purificazione, l'acqua è l'eterna e grande ricchezza del territorio pavese. Quando Leonardo da Vinci visitò Pavia, fu affascinato dalla città bagnata dal fiume, che gli ispirò una serie di disegni e di annotazioni. A partire da un foglio del Codice Atlantico, eccezionalmente concesso in prestito dalla Biblioteca Ambrosiana, si dispiega un emozionante percorso sul tema dell'acqua che ci conduce fino al Novecento, attraverso le opere di Ezechiele Acerbi, Pompeo Batoni, Guglielmo Chiolini, Bartolomeo Giuliano, Pompeo Mariani, Francesco Trécourt, Federico Zandomeneghi, Bartholomaeus Zeitblom. Come in un meraviglioso viaggio di scoperta, nella suggestiva cripta romanica del duomo di Pavia si susseguono oltre cinquanta opere — dipinti, documenti, preziose oreficerie — provenienti dalla Collezione della Fondazione Cariplo, da prestigiose istituzioni pubbliche e da raccolte private. La rassegna è la viva testimonianza dell'impegno della Fondazione della Comunità della Provincia di Pavia a tutela di patrimoni condivisi di cultura e valori.

Il volume, a cura di Alberto Fiz, indaga l’esperienza del collezionismo privato, attraverso una ricca selezione di oltre 150 opere provenienti da diciotto raccolte di arte contemporanea, tra le più importanti in Italia. Dipinti, sculture, installazioni, fotografie e video svelano ciò che il collezionista rappresenta: non un semplice acquirente di opere d’arte, ma l’artefice di un mondo, di un progetto che cresce grazie alla sua personalissima sensibilità. Nell’aprire le porte a queste raccolte private, il mecenate del terzo millennio assume anche un ruolo da protagonista nel panorama culturale odierno offrendo un’occasione unica per far conoscere capolavori altrimenti nascosti. Da Piero Manzoni a Tomás Saraceno, da Marina Abramović a Maurizio Cattelan, il volume propone un grande affresco collettivo, una ‘collezione delle collezioni’ legata alla passione e al gusto del nostro tempo.

Aleardo Terzi (Palermo, 1870 – Castelletto Ticino, 1943) è stato un grande protagonista della grafica pubblicitaria e dell’illustrazione italiana tra l’ultimo decennio dell’Ottocento e i primi quarant’anni del Novecento. Il volume ha il merito di riunire, in modo sistematico, la sua vasta produzione, che risulta a oggi praticamente ancora inedita. A Milano Terzi incontra i più importanti cartellonisti pubblicitari dell’epoca, Adolfo Hohenstein, Marcello Dudovich, Leopoldo Metlicovitz, Leonetto Cappiello, e avvia collaborazioni editoriali di primo piano, come quella con la celebre rivista “Novissima”, a fianco di artisti come Cambellotti. La fortuna nel settore della grafica pubblicitaria sarà poi dovuta ad alcuni dei suoi più famosi manifesti per importanti aziende e istituzioni italiane, come le pubblicità per i Grandi Magazzini Mele, dove spicca l’eleganza con cui tratteggia la figura femminile, o quelle per la Dentol – con la celebre la scimmietta che si lava i denti – o per il colorificio Max Mayer, dove l’efficacia del messaggio commerciale è raggiunta tramite un linguaggio ironico e divertente. Viene qui offerto anche un ampio resoconto del successo di Terzi nell’editoria per l’infanzia – un settore in espansione anche in Italia dall’inizio del Novecento –, dove mise a frutto la sua conoscenza della cultura anglosassone nel campo dell’illustrazione. Una sezione documenta infine la sua produzione di cartoline, con le serie di volti sognanti e raffinatissimi di donne leggiadre ed eleganti, assolute protagoniste di tutto il suo lavoro, anche nei suoi dipinti, dove diede una personale interpretazione del linguaggio divisionista.

Dorothea e Margaret: il loro nome è leggendario per essere state testimoni di eventi epocali e per il modo ardito e partecipativo di raggiungere alcuni degli avvenimenti cruciali nella formazione della nostra contemporaneità. Margaret collabora alla fondazione della rivista “Fortune” e poi di “LIFE”; Dorothea partecipa alla nascita della Magnum ed è tra i fondatori della rivista “Aperture”. La loro opera costituisce una lezione fondamentale per la fotografia, la nascita di un’immagine nitida, sia fulminea che studiata, soprattutto partecipata. Dall’America durante e dopo la crisi del 1929 ai fronti di guerra in Europa, le fotografie di Bourke-White e Lange ritraggono le città, la situazione sociale di persone e comunità, le minoranze, diventando le immagini che nella collettività e per le istituzioni hanno generato un cambiamento nella percezione della condizione dell’uomo.

La donna ha sempre avuto un ruolo centrale nella storia dell’arte italiana. Questo volume, prendendo in esame un arco temporale che va dal Rinascimento al XX secolo, raccoglie splendide opere che hanno per soggetto la donna, che esemplificano la volontà di ogni artista di tratteggiarne la personalità, l’eleganza, il carattere, la sensualità e di far emergere dalla tela le più sottili sfumature del mondo femminile. Se in passato la donna vestiva i panni di famose sante della cristianità, di eroine bibliche, o di illustri donne del mondo antico, è nell’Ottocento che il soggetto femminile assume un rilievo ancor più significativo: la donna è colta nella dimensione domestica, alle prese con le faccende della vita quotidiana e del lavoro; nei panni di madre affettuosa che accudisce con amore i propri figli; e anche in atteggiamenti maliziosi e in situazioni intime per esaltarne il fascino e la carica sensuale. Un viaggio attraverso quattro secoli, con capolavori tra gli altri di Guercino, Pitocchetto, Appiani, Hayez, De Nittis, Zandomeneghi e Boldini.

Il desiderio di poter assaporare l'olio d'oliva della tradizione accomuna gli emigranti italiani di tutte le epoche. Per far fronte a questa domanda, dalla fine dell'Ottocento, gli anni della grande emigrazione italiana, l'olio fu spedito in un contenitore nuovo, sicuro, bello e innovativo: la latta in banda stagnata litografata. Le decorazioni delle latte furono commissionate a illustratori e artisti, come Plinio Nomellini e Gino Bocassile, che restituirono in modo originale sulla superficie delle confezioni i simboli dell'Italia, dalle opere teatrali ai grandi letterati fino ai padri della patria, trasformandole in messaggeri di valori comuni e di una confermata appartenenza al Paese di origine. Il volume ripercorre la storia di questo affascinante mondo delle lattine di olio d'oliva presentando una ricca selezione tra i 6000 pezzi della Collezione Guatelli, un vero tesoro che testimonia il felice connubio tra industria e arte.

Edito in occasione della Giornata della Memoria, questo volume ripercorre la storia di Angelo Gatto, giovane allievo ufficiale d’aeronautica, catturato dai tedeschi l’8 settembre 1943 insieme a 427 compagni e deportato nei lager nazisti: non come prigioniero di guerra – non avendo mai combattuto – ma come internato militare. Due anni di patimenti, di fame, di marce serrate, di lavori forzati, di atrocità indicibili alle quali riesce a sopravvivere grazie a un talento, il saper disegnare: Angelo baratta i suoi ritratti con la vita. Tornerà a Treviso, a casa, nell’ottobre 1945. Degli allievi ufficiali deportati insieme a lui, poco più di duecento sopravvissero. La storia di Angelo è narrata nelle tavole di suo figlio Alessandro, a sua volta illustratore, accompagnate dalle parole dello scrittore Marco Ballestracci: un racconto condotto con lucidità ed estrema delicatezza.

Il volume offre un approfondimento sulla figura di Renato Guttuso (1911- 1987), uno dei massimi esponenti del Neorealismo pittorico, attraverso una serie di interventi che mettono in luce aspetti inediti o poco analizzati della sua attività pittorica e critica, e che permettono di approfondire la personalità schiva e combattiva dell’artista sotto un profilo insolito, più passionale. Il volume fornisce inoltre una documentazione aggiornata sull’entità della presenza di Guttuso nelle collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma.

Come il dadaismo gli aveva insegnato, Achille Perilli, in settant’anni di lavoro, costruisce un proprio universo analizzando, in continuum, “l’esigenza di una materia complessa, di un segno più comunicante” da riproporre come codici pittorici e strumenti di conoscenza. Di decennio in decennio, la luce apre varchi tra le tenebre dell’ignoto per una originale riflessione sullo spazio e una precisa immagine del mondo che verrà, a partire dalla trasformazione degli ordinamenti interni all’arte e alla scelta di una struttura lineare che denota il colore di un qualcosa di diverso che non sia il ricordo cromatico futurista e dia evidenza scenica alle scorrerie della fantasia, al multiculturalismo, al dialogo con le correnti artistiche proiettate nel futuro. Il disegno, sua prima intuizione divenuta dal 1951 grammatica delle idee e dispositivo di analisi, costituisce il lento avvicinamento alla forma primaria che genera una nuova architettura dove percezione e visione predispongono una vera metamorfosi degli innesti e dei sistemi di corpi geometrici in equilibrio nell’universo. In Perilli, tutto è materia di uno spettacolo esclusivo, anche le tavole degli alfabeti, il collage, la scultura, la performance, l’happening, l’installazione, la sperimentazione dell’incisione e il linguaggio della stampa, con quella unitarietà capace di trovare una base comune per ampliare l’originale comunicazione.

La complessa e sfumata intersezione tra autenticità, falso, copia e riproduzione caratterizza gli ultimi decenni investendo ogni ambito della cultura e della società. Con la diffusione delle tecnologie digitali, la percezione degli eventi si è modificata e con essa anche la natura e lo statuto stesso dell’opera d’arte. "The gentle art of fake" propone un dibattito a più voci intorno alla nozione di falso e alle sue declinazioni nell’ambito delle visual cultures, analizzando la ricorrenza del tema nei molteplici linguaggi visivi, in una prospettiva che mette a serrato confronto lo sguardo di artisti con quello di storici e critici d’arte, filosofi e letterati.

Il volume, dedicato all'opera di Corrado Cagli a Roma, teatro principale delle sue gesta, presenta in considerevole parte i più significativi cicli elaborati dall'artista; e affrontando il nodo sulla "difficoltà e disagio" della critica italiana di fronte alla sua opera, dichiara giunto il momento di venire a capo di tale annosa questione interrogandosi, una volta di più, sui numerosi aspetti riguardanti le precoci logiche ideative e linguistiche di Cagli, indiscusso maestro dell'arte italiana e internazionale che dagli anni trenta ai settanta del XX secolo è stato tra i protagonisti più incisivi della scena artistica. L'attenta rilettura delle "Folgorazioni e mutazioni" linguistiche ha l'obiettivo di evitare che incomprensioni, pregiudizi e distrazioni ricorsivamente epocali perpetrino forme di oblio del suo lavoro, come in tempi e per ragioni diverse si sono già riversate perfino sull'opera di geni e grandi artisti come Piero della Francesca, Caravaggio e una quantità di altri maestri dimenticati per secoli, passati alla storia come "anonimi" pur avendo un nome e poi tornati alla considerazione pubblica grazie all'azione ermeneutica di autorevoli studiosi, appassionati e responsabili.