Skira

Una panoramica sulla carriera dell'originale artista siciliano. Pubblicata in occasione della mostra antologica siciliana, la monografia documenta il percorso dell'artista catanese (1953) e le sue capacità di attraversamento dei linguaggi artistici, dalla pittura alla scultura alle rappresentazioni ambientali. La sua estrazione culturale di matrice postmoderna lo porta a un modo tutto siciliano di esprimere l'arte facendo riferimento al genius loci, attraverso l'uso di pigmenti materici e cromatismi pittorici, con un percorso che va dalla figurazione all'astrazione, al surreale senza trascurare il tema "cosmologico" della sua ricerca che, dai primi anni ottanta, si focalizza sulla produzione di dipinti tondi, ellittici e di forma semisferica che fanno esplicito riferimento a pianeti, satelliti e astri della nostra galassia.

Il volume raccoglie disegni di varie tecniche su alcuni temi tratti da Antico e Nuovo Testamento. Per Velasco Vitali è un progetto che raccoglie parte delle opere realizzate per "Il Corriere della Sera" e il Lectionario. Lo scopo è quello di arrivare a usare i brani della Bibbia come un "alfabeto colorato" (l'espressione è di Chagall) cui attingere per raccontare i temi fondamentali della vita. Ad una prima sezione in bianco e nero sulla Genesi seguono 96 pagine a colori, illustrate con disegni su carta a tecnica mista (collage, acquerelli, matite, pastelli) che sintetizzano tra i tanti temi: Denaro, Potere, Giustizia, Amore, Tradimento, Desiderio, Forza e Passione, Commercio, Incredulità, Preghiera, Fede e alcune immagini dell'iconografia Cristiana come l'Eucarestia, La Resurrezione, L'ascensione. I testi critici di "Apriti cielo" sono curati da Elisabetta Sgarbi e da Armando Torno.

Roberto Demarchi presenta nella chiesa di Santa Rita un itinerario che è nato proprio per il luogo in cui viene esposto ma, nel contempo, propone un discorso di respiro universale che prescinde da qualunque luogo fisico e che è, in verità, un vero e proprio luogo dell'anima. Dodici dipinti che, in astrazione, interpretano una serie di momenti cruciali tratti dai Vangeli, installati su strutture pensate e realizzate dall'artista per creare un ciclo vero e proprio, quasi all'uso degli antichi, con un linguaggio che non si potrebbe concepire più moderno e audace. Si avverte bene la volontà di porsi in un punto di equilibrio tra evidenza e mistero, tra semplicità assoluta e complessità insondabile. Non si può definire un simile atteggiamento nei termini di "moderno" o "avanguardistico", anche se il linguaggio di Demarchi è iscritto in modo perentorio nei termini di una modernità rigorosa e intransigente. Ma l'obiettivo della sua arte non è diverso da quello della grande arte rinascimentale o barocca. È, in altri termini, un intento comunicativo che vuole coinvolgere l'osservatore in una esperienza globale fatta di bellezza e di armonia.

Gianluigi Colin dà vita a una sfida che consiste non nel risalire all'antico, né nell'avviare un percorso anacronistico. Rintraccia sopravvivenze lontane. Insegue tracce classiche riposte dentro l'ordito del presente: prova a vedere cosa sono diventate le divinità greche nella nostra epoca disincantata. Utilizza il mito come strumento non per uscire da "questo" mondo, ma per abitarlo in modo diverso, imboccando sentieri laterali. Quattro dèi della mitologia classica (Venere/Afrodite, Marte/Ares, Mercurio/ Ermes, Saturno/Crono) e un luogo (il Labirinto, luogo mitico per eccellenza) diventano occasione e metafora per parlare dei "miti" del presente. Diciotto opere inedite di Colin identificano alcuni "miti d'oggi" (potere, guerra, denaro, bellezza, stampa e finanza), nuovi dèi pagani che superano barriere culturali e politiche e che sono, forse, l'esempio di una vera globalizzazione invisibile. Impegnato a intrattenere un dialogo con la contemporaneità, Colin si pone in ascolto degli "oracoli parlanti", elaborando affreschi inesatti, imperfetti, sgrammaticati, fondati sul ricorso a una tecnica complessa.

Il volume documenta il percorso artistico del XVI secolo, attraverso il passaggio dall'alto e superbo magistero dell'arte del primo Rinascimento, ancora sostanziato dalla cultura umanistica, a un'arte fortemente condizionata da una nuova e coinvolgente spiritualità religiosa. Il libro ripercorre i massimi capolavori realizzati nella capitale in un periodo cruciale per la storia dell'arte: dalle opere architettoniche di Michelangelo, fino alla decorazione della Cappella Sistina e alle stanze vaticane di Raffaello, fino ad importanti dipinti di Sebastiano del Piombo, Perin del Vaga, Francesco Salviati e altri maestri del Cinquecento.

Il catalogo della mostra "Un'altra immagine" di Luciano Rigolini presenta il lavoro recente dell'artista fotografo, che è costituito da una serie di immagini di diversa natura. Immagini anonime, documenti fotografici e polaroid amatoriali a colori, che l'artista colleziona da anni. Queste fotografie, rielaborate digitalmente e attraverso specifici procedimenti di stampa, di grande formato, assurgono così a una dimensione estetica che interroga le nostre modalità di percezione dell'immagine. L'opera di Rigolini, soprattutto negli sviluppi recenti, si presta in modo ideale ad una riflessione sui rapporti tra fotografia e pittura e sulla specificità del mezzo fotografico. Il catalogo comprende 30 fotografie, tra cui 18 a colori, e un testo critico di Quentin Bajac, conservatore capo del dipartimento di fotografia del Centro Pompidou di Parigi.

Taciturno, colto, meticoloso, Mondrian incarna nel Novecento l'opposto dell'artista bohémien. Ma nello spazio terso del suo studio, lontano dalle discussioni da café, nasce una delle rivoluzioni più autentiche dell'avanguardia. Mondrian è convinto che la pittura debba allontanarsi dai particolarismi - "Il problema 'che cosa è l'arte?' non può essere risolto illustrando le nostre concezioni personali" - per guidare gli uomini alla ricerca dell'armonia e dell'universalità. E se l'artista è in grado di scoprire la verità è suo dovere perseguirla e portarla a conoscenza di tutti. Dagli esordi figurativi la sua pittura evolve, a partire dagli anni parigini, verso un'indagine ostinata, paziente, ossessiva di assoluto che egli persegue con dedizione estrema, perché definitivo è il risultato al quale aspira: un'arte senza oggetti da contemplare come chiara espressione dell'universale.

In una vecchia cantina adibita ad atelier artistico, nel cuore della Franciacorta, dieci giovani artisti provenienti da diversi paesi e appartenenti a correnti artistiche differenti si sono immersi nel territorio e ne hanno tratto ispirazione per creare le loro opere. Dalla street art di Bros alle video installazioni dell'artista serbo Vladimir Jakanovic, passando per la poesia visiva di ivan, la pittura espressivo-rinascimentale di Giovanni Manzoni Piazzalunga e quella pop di Salvatore Benintende, fino alla light calligraphy dell'artista francese Julien Breton, i pizzi della polacca Nespoon, le alchimie visive di Dem, le fotografie di Pietro Masturzo e le prospettive liquide di Pao, un flusso di creatività inarrestabile ha travolto questa terra, celebre per la sua produzione di vino. Come i tralci di vite che s'intrecciano tra loro e rappresentano l'intera Franciacorta, gli intralci dell'arte contemporanea si sono fusi con la vita di tutti i giorni, creando nuovi stimoli e nuovi punti di vista.

Realizzato in occasione della grande mostra newyorkese, il volume "From Picasso to Koons. The Artist as Jeweler" propone una vasta panoramica sul gioiello d'artista del XX secolo attraverso le opere dei numerosi grandi artisti che si cimentarono con questa forma di artigianato: da Picasso a Warhol, da Niki de Saint-Phalle a Kapoor, da Louise Bourgeois a Spoerri, Vasarely, Soto, Morellet. Attraverso gli oltre duecento gioielli presenti in catalogo è possibile seguire l'evoluzione plastica degli artisti, studiandone in particolare il cambiamento stilistico nel passaggio da una scala di grandezza a un'altra. Allo stesso tempo, l'indagine di questi gioielli permette di scoprire una sfera più intima dei loro autori, svelandone il rapporto personale con il destinatario dell'opera, spesso una donna amata o una figlia. Oltre ad analizzare queste preziose opere, il volume mette in luce il ruolo fondamentale della donna nel sostenere l'artista in veste di collezionista, interlocutrice, o musa ispiratrice. La collezione di Diane Venet viene presentata come un vero e proprio museo dall'atmosfera intima, dove si racconta una storia dell'arte davvero molto particolare.

In un paesino sperduto in Provenza viveva un pittore di nome Paul. Un tipo davvero originale al quale piaceva dipingere a modo suo, incurante delle critiche e dei commenti della gente. Nessuno sembrava comprendere e apprezzare la sua arte, i suoi quadri venivano considerati scarabocchi, derisi e rifiutati. Ma se Paul non era certo tipo da scoraggiarsi facilmente e continuava imperterrito a dipingere alla sua maniera, le sue modelle cominciavano a essere preoccupate. Paul non aveva mai venduto un quadro e temevano di ritrovarsi senza un tetto e un lavoro. La nostra storia inizia nello studio di Paul quando Anastasia contessa decaduta, Brigitte ballerina bionda e svampita, Fernanda la rossa e Agnese la saggia decidono, onde evitare di rimanere per strada, di dare una mano a Paul... Età di lettura: da 8 anni.