Franco Angeli: Pubblico, professioni, luoghi della cultura

Qual è la “distanza”, oggi, tra classe politica e cittadini, tra élite e popolo, tra esperti e popolazione, tra individuo e comunità? Le problematiche e la posta in gioco richiedono lo sforzo di una visione che eviti e superi la parcellizzazione a favore di integrazioni e connessioni. Un gruppo di esperti in diversi ambiti esprime le proprie riflessioni sui seguenti temi: il modello di sviluppo occidentale con tutte le sue ingiustizie e distorsioni; l’impoverimento continuo di alcune fasce di popolazione; l’accrescimento delle ricchezze di ristrette élite; i rischi di tutti i processi di disintermediazione in ambito economico, politico, culturale e informativo; la cancellazione del welfare; la riduzione del sostegno alla ricerca, all’educazione e alla formazione; la necessità di coniugare attentamente lo sviluppo delle tecnologie con il bisogno di contatto, socialità e comunità; la continua messa in crisi degli esperti e il non riconoscimento delle competenze e dei saperi; le derive del populismo e le luci e le ombre di molte pratiche di engagement; le forti accentuazioni dell’individualismo e delle differenze contro il senso di comunità e di appartenenza; la distruzione dell’ ambiente. L’obiettivo è quello di stimolare la riflessione, la comprensione e il confronto per proporre ipotesi, modalità e opportunità d’intervento per un presente e un futuro sostenibili.

Si apre il sipario. Cosa si cela “Dietro le quinte dell’opera”? Un percorso di conoscenze teoriche e pratiche che conduce alla realizzazione di un’opera lirica. Il volume descrive gli elementi organizzativi, economici, giuridici e politici che costituiscono il bagaglio culturale di chi opera professionalmente nel settore teatrale e nella produzione di spettacoli dal vivo. Un testo destinato agli operatori del settore, agli studenti delle discipline universitarie di organizzazione/management/legislazione dello spettacolo, agli allievi dei conservatori statali di musica e anche a coloro che si occupano di organizzazione di spettacoli in genere. Alberto De Piero e Michele Lai, con i contributi di Paola Dubini ed Emanuela De Roma e una riflessione critica di Sandro Cappelletto, si propongono, primi in Italia, di raccogliere e descrivere gli elementi organizzativi, economici, giuridici e politici che caratterizzano la produzione di spettacoli dal vivo ed in particolare del melodramma. Le fasi dell’organizzazione di uno spettacolo dal vivo (con un focus sull’opera lirica), il sistema del finanziamento pubblico e privato alle attività musicali, i differenti contratti che regolano i rapporti tra artisti e produttori, la sostenibilità economica dell’opera lirica e le tecniche di predisposizione dei budget, le ragionevoli critiche ai criteri di finanziamento pubblico costituiscono il contenuto di questo volume destinato alle “scrivanie” degli operatori del settore, agli studenti delle discipline universitarie di organizzazione/management/legislazione dello spettacolo, agli allievi dei conservatori statali di musica ed anche a coloro che si occupano di organizzazione di spettacoli in genere.

Il volume ripercorre la storia dell’arte in Italia dal dopoguerra ai primi anni Duemila, individuando gli eventi, le mostre, le pubblicazioni, le personalità più rilevanti di quel periodo e tenendo conto delle istituzioni e delle principali dinamiche di sistema e di mercato. Alla sequenza ininterrotta di fatti ricostruiti sulla base di numerose fonti di riferimento – cataloghi di mostre, manuali di storia dell’arte, articoli, monografie –, singoli focus su mostre e artisti forniscono un compendio utile per comprendere le vicende di volta in volta trattate. Pensato come strumento per avvicinare e stimolare gli studenti universitari e dell’accademia allo studio dell’arte contemporanea, il volume risulta un compendio utile anche per tutti gli appassionati del settore.

Nell'ultimo decennio si è assistito a una vera e propria trasformazione del commercio delle opere d'arte. La struttura del mercato dell'arte contemporanea è cambiata, soprattutto in seguito alla concorrenza generata dalle oltre 154 fiere che si tengono ogni anno in tutto il mondo e all'importanza degli investitori e dei fondi di investimento nel ramo dell'arte. La giustificazione finanziaria della detenzione degli asset artistici deriva dalla scarsa correlazione dei loro rendimenti con quelli delle altre attività e, quindi, dalla loro capacità di diversificazione del portafoglio. Tuttavia, l'investimento in arte è un'operazione delicata e complessa: non basta saper riconoscere un'opera e stimarne il possibile valore economico, bisogna anche conoscere il mercato e comprendere i meccanismi economici su cui si regge. Il volume analizza il sistema dell'arte contemporanea attraverso l'analisi dei comportamenti dei suoi principali operatori, sia sul versante della domanda (visitatori, collezionisti, imprese private) che su quello dell'offerta (gli artisti, i galleristi, le case d'aste e le fiere). L'obiettivo che guida il lavoro, è quello di integrare, attraverso modelli teorici e analisi empirica, l'economia industriale a discipline come la storia dell'arte, il marketing e la finanza, per analizzare e comprendere il mercato dell'arte contemporanea da una prospettiva interdisciplinare.

Attraverso un'analisi puntuale e dettagliata viene presentato, in forma di manuale, il nuovo Decreto ministeriale 1 luglio 2014 sullo spettacolo dal vivo che - in applicazione dell'articolo art. 9 de l D.L. 8 agosto 2013, n.191 segna un'inversione di tendenza forte per le res dello spettacolo dal vivo normativamente e relazionalmente. Sono accorpate in un unico testo le norme delle performing arts, partitamente sviluppate per i singoli settori. Viene poi semplificato e razionalizzato il sistema, costituendone parte integrante. Dunque, la norma ha una propria complessità strutturale nella sua ampia articolazione con una significativa semplificazione di come i soggetti possono accedere al sostegno finanziario dello stato attraverso una nuova normativa che coniuga il momento qualitativo strettamente correlato con quello quantitativo. Va, inoltre, evidenziato che il maggiore cambiamento è attuato nell'attività teatrale e nella relativa stabilità e nell'introduzione della multidisciplinarietà e delle azioni trasversali. Da ultimo è rilevante la distinzione tra produzione, programmazione e promozione. A questa analisi è affiancata una riflessione sul nuovo assetto proposto per il Mibact che vede riformata la propria struttura organizzativa in modo sostanziale in vista di un nuovo ruolo che lo stesso andrà a svolgere.

L'accesso e la partecipazione culturale sono diventati finalmente centrali nelle agende e nelle strategie di molte istituzioni pubbliche e private in Italia e in Europa. In questo volume esperti in differenti discipline propongono analisi, metodologie e strumenti di lavoro, esperienze e best practices per favorire l'elaborazione di progetti e iniziative volte ad ampliare e a qualificare la partecipazione dei cittadini alla vita culturale. Testi di: Antonella Agnoli, Lucio Argano, Enrico Bertacchini, Alessandro Bollo, Dario Campione, Francesco Paolo Campione, Annalisa Cicerchia, Ivana Conte, Silvia Costa, Francesco Crisci, Cristina Da Milano, Luigi Maria Di Corato, Antonio Di Lascio, Vittorio Falletti, Alessandra Ghiglione, Sara Ferrari, Saura Fornero, Aldo Garbarini, Alma Gentinetta, Giulio Lughi, Loredana Perissinotto, Anna Scalfi Eghenter, Antonio Scuderi, Giovanna Segre, Marialuisa Stazio, Giulio Stumpo, Michele Trimarchi, Pierluigi Vaccaneo.

In un panorama frammentato segnato da crescenti disuguaglianze politiche ed economiche e da profonde mutazioni nelle politiche culturali e nella cooperazione internazionale, "Call to action" esamina le sfide e le opportunità emerse dall'era post pandemica e invita a un ripensamento radicale delle politiche culturali, proponendo approcci che siano al contempo condivisi e trasformativi. Il volume, un progetto di Liv•in•g, propone una riflessione critica sulle trasformazioni che stanno ridisegnando il settore culturale, evidenziando l'importanza delle narrazioni ufficiali, il loro impatto sulle percezioni pubbliche e le interpretazioni delle realtà di chi opera nel campo. Temi trasversali come le tensioni tra Nord e Sud globale, la giustizia sociale e climatica, la precarietà del lavoro culturale e il ruolo delle politiche culturali nella tutela e promozione delle democrazie pluraliste trovano spazio in un'analisi del periodo compreso tra il 2020 e i primi mesi del 2024. Contributi di esperte provenienti da diverse aree geografiche e ambiti professionali – tra cui Dea Vidovi (Croazia), Marie Le Sourd (Belgio/Francia), Fanny Bouquerel (Francia), Lorna Duguid (Scozia), Mey El Borni (Tunisia) e Sara Paolella (Italia) – approfondiscono questioni quali la mobilità culturale transfrontaliera, le politiche bottom-up, la decentralizzazione culturale, il dialogo intergenerazionale e la ricerca di modelli capaci di superare le pressioni neoliberiste nella produzione culturale. Il testo offre inoltre linee guida e suggerimenti operativi per la formulazione di politiche culturali in grado di cogliere le temperature sociali e promuovere processi cooperativi oltre le asimmetrie politiche e vecchi privilegi. Destinato a operatori culturali, artisti, policy maker, attivisti, ricercatori e chiunque voglia esplorare il potenziale trasformativo della cultura, Call to action è un invito a esplorare strategie per costruire narrazioni collettive pluraliste e immaginare un futuro basato su giustizia, diritti e solidarietà.

Non più un viaggio del solo vedere, ma anche una volontà del nuovo turista di provare emozioni finalizzate a fermare il tempo, perché chi fa turismo oggi vuole altro rispetto a soli dieci anni fa. "Overtourism" è divenuta un'espressione comune come anche le parole destagionalizzazione e reti grazie anche all'aiuto dei nuovi media. I fenomeni del mondo globalizzato ma soprattutto l'analisi della figura del nuovo turista, sono tra i temi principali di questo saggio. Si parla di turismo in un mondo contemporaneo dove il contenuto sia unico e di facile accesso perché il viaggiatore-turista-cittadino possa essere al centro della scena per esclusive esperienze immersive, da intraprendere ma anche da postare. La domanda di un turismo con una qualità di massa è oggi un fatto che richiede moderni standard universalmente riconosciuti: il territorio e la cultura rappresentano dunque gli elementi strategici per una rinnovata proposta dell'offerta. Modelli per la riformulazione e il potenziamento di luoghi capaci di comunicare anche la memoria storica attraverso i nuovi format che la globalizzazione sollecita. Un manuale per gli addetti ai lavori e non, per i futuri manager del turismo e per coloro che vedono in questo settore una concreta piattaforma di rilancio del Paese. Il passaggio da un turismo orizzontale, del solo vedere e fotografare, a uno verticale, capace di elaborare contenuti di conoscenza culturale, sociale ed emozionale per rafforzare l'identità di un turista consapevole.

Negli ultimi anni si è assistito a una crescita costante di eventi e festival culturali che hanno assunto un ruolo decisivo nelle strategie di sviluppo delle nostre città, come leva di rigenerazione urbana, marketing territoriale e turismo, ma anche di inclusione e partecipazione. In questo contesto trova uno sviluppo significativo il formato dei cosiddetti "festival diffusi", che si è stabilizzato ed è diventato ormai una forma di progettazione culturale, con peculiarità gestionali proprie e dinamiche di attivazione e coinvolgimento dei territori assolutamente inedite e che non si limita alla semplice diffusione geografica. I festival diffusi sono inoltre frutto di un nuovo modello di politica culturale contemporanea che ha messo al centro la partecipazione, l'attivazione e l'abilitazione delle realtà culturali. Conseguenza anche di una diminuzione delle risorse pubbliche disponibili per la cultura, i festival diffusi hanno infatti rappresentato un cambio di paradigma nel ruolo svolto dall'attore pubblico: da organizzatore diretto di iniziative culturali ed erogatore di servizi a mediatore e coordinatore delle energie produttive e creative presenti sul territorio. Il libro affronterà questo cambio, analizzando come esso abbia conseguenze organizzative e gestionali nella definizione dei modelli di governance, degli impatti attesi, delle competenze e delle modalità di coordinamento richieste per progettare e realizzare i festival diffusi in piena sinergia con enti, istituzioni e associazioni culturali pubbliche, partecipate e private. Da un confronto con il modello dei festival tradizionali, attraverso i pionieri in ambito culturale come Piano City e Bookcity, si racconterà lo sviluppo di questo nuovo formato e si analizzeranno pratiche organizzative che sono ormai diventate comuni e che saranno sempre più necessarie in un futuro di contrazione delle risorse destinate alla cultura. Dopo tanti anni di esperienze sul campo, questo libro è il primo che sistematizza, attraverso un approccio sia strategico che gestionale, un modello di organizzazione culturale che ha cambiato il senso e i modi della partecipazione culturale dei nostri territori.

Il monumento viene analizzato, partendo dalla sua genesi, fino ad arrivare alle variazioni della contemporaneità, ripercorrendo le diverse fasi che ne hanno segnato la lunga evoluzione. Fondamentale per riuscire a comprendere le numerose sfaccettature che caratterizzano il monumento è il rapporto che quest'ultimo intrattiene con la città, e come i cambiamenti e gli stravolgimenti di uno o dell'altra si influenzino in modo mutuale. La società e le sue dinamiche si rispecchiano nel monumento e generandolo affermano continuamente la necessità e il perdurare della sua esistenza. L'analisi mira a creare un percorso, grazie a una serie di casi studio, lavori di artiste e artisti, ma anche architette e architetti, artigiane e artigiani, che segnano dei passaggi, dei punti chiave rispetto al cambio di lettura e di concezione degli apparati monumentali. L'obiettivo ultimo del lavoro è quello di offrire una presa di consapevolezza rispetto al superamento delle forme d'espressione monumentale per come le abbiamo immaginate fino ad ora e di aprire uno scenario di riflessione per ipotizzare quali possano essere i nuovi criteri e le nuove strategie da attuare nella creazione di un glossario monumentale contemporaneo e comune.

Torino è stata ed è una città laboratorio culturale, punto nodale di scambi e di riferimento per tutto il nostro Paese. Le città sono dei sistemi complessi, interconnessi, interagenti e interdipendenti. Il viaggio che propongo in questo testo racconta, a partire dalla fine degli anni ’70 ad oggi, visioni, aspettative e pratiche, ma anche crisi, limiti e difficoltà incontrate nella costruzione di una città che ha fatto della cultura uno degli assi strategici per il suo sviluppo. Questo viaggio personale, non esaustivo e completo e senza pretese storico-scientifiche, racconta percorsi ed esperienze che, in questi oltre 30 anni di lavoro in ambito culturale per la Città di Torino, ho potuto compiere insieme a decisori politici, colleghi di dipartimento, enti, associazioni e cittadini. Il testo contiene e riattraversa anche alcune analisi relative alle dinamiche culturali del nostro Paese già pubblicate negli ultimi decenni in alcuni testi della collana “Pubblico, Professioni e Luoghi della Cultura”. In una sezione ospita inoltre i contributi di alcuni esperti che riflettono sulle attuali sfide che si aprono per le città del futuro.