Gremese Editore: Piccola biblioteca delle arti

Fondata nel 1738, la Scuola coreografica di San Pietroburgo ha consolidato nel tempo la propria qualità didattica, sino a diventare, alla fine dell'Ottocento, la più importante scuola di danza europea. Perfezionata e aggiornata con il contributo dei più esperti maitres de ballet francesi e italiani, ha prodotto nel tempo artisti di grande valore. Tra di essi Agrippina J. Vaganova (1879-1951), che dopo la prima guerra mondiale ristrutturò la Scuola conferendole organicità e coerenza sul piano didattico e stilistico. Il testo, risultato della collaborazione tra due insigni artisti e maestri della Scuola, sviluppa il metodo della grande didatta russa, analizzando con sistematicità e precisione ogni movimento e passo previsto dal programma degli otto anni di corso. All'esame delle diverse fasi di studio, acclude la precisazione del conteggio musicale e le indicazioni per eseguire correttamente gli esercizi ed evitare gli errori tecnici più ricorrenti. Questa traduzione italiana risponde all'esigenza di una documentazione approfondita e diretta sulla scuola russa e sul metodo Vaganova, il più conosciuto e apprezzato a livello internazionale.

Questo volume propone una ricca e stimolante raccolta di monologhi tratti da commedie, drammi e tragedie appartenenti al teatro classico. Da Eschilo a Vittorio Alfieri, da Molière a Oscar Wilde, da Carlo Goldoni a Hugo von Hofmannsthal, i brani presentati riflettono i linguaggi e gli stili più vari e costituiscono pertanto un utile strumento ispirativo e di verifica delle attitudini interpretative personali. Apposite note introducono le opere e i personaggi protagonisti di ogni monologo, suggerendo in tal modo spunti di riflessione e di approfondimento per i professionisti, i giovani allievi delle accademie e delle scuole di recitazione e tutti gli appassionati di teatro.

Questo volume propone una ricca e stimolante raccolta di monologhi tratti da commedie, drammi e tragedie appartenenti al teatro classico. Da William Shakespeare a Carlo Goldoni, da Molière a Oscar Wilde, da Pietro Metastasio ad Anton Cechov, i brani presentati riflettono i linguaggi e gli stili più vari e costituiscono pertanto un utile strumento ispirativo e di verifica delle attitudini interpretative personali. Apposite note introducono le opere e i personaggi protagonisti di ogni monologo, suggerendo in tal modo spunti di riflessione e di approfondimento per i professionisti, i giovani allievi delle accademie e delle scuole di recitazione e tutti gli appassionati di teatro.

In una nuova edizione, arricchita con le coreografie più recenti, questa guida propone un'accurata selezione dei migliori balletti creati a partire dal 1851, anno di presentazione del primo balletto teatrale. Da allora molte altre opere coreografiche si sono affacciate alla ribalta e molte altre vedranno la luce, ma solo alcune sapranno sopravvivere al tempo e alle mutevoli scelte estetiche del pubblico, capaci di esprimere un ideale di armonia o di rappresentare poeticamente i disagi e le difficoltà dell'uomo contemporaneo. Un vero reference book, dunque, dal pratico formato, che si offre come valido strumento per apprezzare e valutare criticamente non solo i grandi capolavori del passato ma anche le tendenze coreutiche oggi ritenute più interessanti.

Una pratica guida che affronta gli aspetti essenziali della professione di attore, con la consapevolezza che occorre studiare (e molte sono le informazioni sulle scuole di recitazione), ma bisogna anche "sapersi vendere" bene. Ecco, dunque, suggerimenti per una buona lettera di presentazione, un curriculum efficace per sostenere, senza sbavature, colloqui, provini e audizioni. In più, consigli per scegliere un bravo agente, evitare gli errori più comuni e diversificare le proprie strategie (teatro, cinema, tv).

Il settore radiofonico sta vivendo una seconda giovinezza: in risposta a un'offerta sempre più ampia e diversificata, il pubblico di appassionati è in costante aumento e moltissimi sono i giovani che sognano di lavorare in questo campo. Il presente volume, rivolto sia ai professionisti che agli aspiranti autori, affronta organicamente tutti gli aspetti della scrittura radiofonica: considerando i diversi generi (notiziari, radiodrammi, intrattenimento, pubblicità, programmi per bambini e didattici), esso approfondisce i momenti del percorso creativo e le fasi di elaborazione dei testi (tipo di linguaggio e argomento, scalette e tabelle di marcia, copioni, dialoghi, titoli, etc.), offrendo altresì importanti informazioni di base sulle varie operazioni tecniche (in primis, la registrazione su nastro e il montaggio). La trattazione - supportata da numerosi esempi pratici, come la sceneggiatura riportata nell'Appendice n. 3-, è completata da necessarie indicazioni sulla "commercializzazione" e la tutela del proprio lavoro (come si propone un'idea a un produttore? Quali sono le tariffe? Come funziona il diritto d'autore?), e da alcuni interessanti spunti sugli attuali sviluppi del settore. Immancabili, infine, gli indirizzi di riferimento per entrare in contatto con le emittenti più importanti o con le associazionI di categoria.

Spesso avvertiamo l'esigenza di saper leggere le immagini così come leggiamo le parole, leggiamo e interpretiamo una frase. Lo scopo di questo volume, destinato soprattutto a colui che solitamente chiamiamo "spettatore comune", è quello di fornire gli essenziali strumenti informativi e critici per valutare le opere televisive e cinematografiche, e segnatamente i film. Al nucleo centrale della trattazione - che nel rispondere alla fondamentale domanda su che cosa sia la critica, riporta anche le opinioni espresse al riguardo da recensori e intellettuali di chiarissima fama - fanno da corollario altre interessanti sezioni: un prezioso résumé delle tappe che scandiscono la vita di un film, un promemoria di storia del cinema e un glossario integrativo con i termini tecnici più utilizzati.

Attraverso l'improvvisazione, il Movimento Creativo mira a sviluppare le potenzialità espressive e creative del corpo, recuperandone l'ascolto profondo. Questo volume, primo del suo genere in Italia, approfondisce in particolare il profilo e i caratteri del metodo elaborato da Maria Elena Garda e Marcia Plevin. Le prime due sezioni ne analizzano i fondamenti teorico-pratici nonché le più importanti applicazioni didattiche. Nella terza parte, curata da Patrizia Macagno, è spiegata la valenza del metodo nella formazione dei danzatori e degli insegnanti. Soprattutto, si sottolinea la sua capacità di ridurre i condizionamenti psicologici e tecnici degli allievi, insieme liberandone sensibilità e immaginazione. Per la sua efficacia e la sua modernità, dal 2001 il Movimento Creativo è diventato una disciplina di base nei corsi di laurea dell'Accademia Nazionale di Danza.

Il secondo volume del Corso di Danza Classica, suddiviso a sua volta in due tomi, completa il primo biennio di danza classico-accademica della Scuola di ballo del Teatro alla Scala, secondo il programma elaborato dalla stessa autrice. In questo primo tomo vengono analizzati gli esercizi alla sbarra e al centro e sono, altresì, impostati i primi elementi dell'equilibrio al centro e dell'Adagio, nonché la tecnica introduttiva delle pirouettes. Rigoroso nell'analisi tecnica e metodologica, esso rivolge una particolare attenzione anche agli aspetti artistici ed espressivi dell'esecuzione, articolando in modo approfondito e organico lo studio della coordinazione, dell'épaulement, delle pose e dei ports de bras.

Il volume offre una ricognizione delle regole che presiedono la scrittura di una fiction televisiva. Attraverso il ricorso ad alcuni esempi significativi tratti da recenti produzioni tv (tra le quali il Maresciallo Rocca), l'autore si sofferma sulle varie fasi del processo creativo, analizzandone le premesse in termini di osservazione della realtà e ideazione della storia e definendone i principi essenziali in fatto di linee e ritmi narrativi, delineazione dei personaggi e scansione temporale delle vicende. Particolare spazio viene dedicato ai vari passaggi 'operativi' per la creazione di una fiction (bibbia, soggetto, scaletta, scalettone-trattamento, sceneggiatura), dei quali vengono puntualizzate le caratteristiche di contenuto e gli aspetti formali.

Questo libro affronta in modo approfondito e analitico la metodologia didattica della danza per i bambini di età compresa fra 5 e 10 anni, secondo il nuovo programma dell'Accademia Nazionale di Danza. Con un linguaggio chiaro e immediato vengono analizzati e spiegati i fondamenti metodologici di un percorso formativo elaborato negli anni attraverso un continuo lavoro di studio, di ricerca e di confronto anche internazionale. Il risultato è un testo ampio e articolato che, oltre a tracciare i principi teorici della moderna Educazione coreutica, suggerisce numerose proposte pratiche esemplificative e offre utili spunti per la pratica didattica quotidiana.