Gruppo Albatros Il Filo: Nuove voci. Le piume

"Poesia è canto, è bisogno dell'anima per chi la fa e chi la legge. È emozione, sfogo del cuore, verità che può o non può sussistere. Per me non esiste la verità: può essere tutto e il contrario di tutto. Non esiste un senso unico delle cose: siamo noi a darlo. Ciascuno il proprio. Non sono incostante nei sentimenti che considero puri, ma non controllo, spesso, le mie emozioni. Mi muovo in un labirinto mutevole che amo ricreare di continuo e che mi costruisco col mio interlocutore chiunque sia, chi mi piace sia... sempre che mi corrisponda, ciascuno a modo suo. Sono interlocutori che passano a cui dono e da cui ricevo sensazioni... non immaginano che mi hanno regalato emozioni, altri lo sanno e poi le stracciano. C'è chi rimane... questi ultimi mi conoscono e mi amano. A volte mi odiano. Amo condividere, ma rispetto anche il silenzio, pur pensando sia un male inguaribile... Le mie poesie sono attimi di vita che sfumano mentre li traduco in versi. Altalenando è attraversata dalla nostalgia di un Eden primigenio, emergente, a tratti imperioso, nel suo magmatico groviglio di emozioni oscillanti tra abbandono e illusione, inerzia e bisogno di evasione, nostalgia ed euforia, per trovare nella condivisione individuale e universale una scintilla consolatoria all'esperienza della solitudine." (Daniela Lazzarino)

«Questa raccolta non si limita a celebrare una vita, ma la vita stessa, che richiede sacrificio, equilibrio, capacità di accettare l'inevitabile come gli eventi più belli, cogliendo di ognuno di essi l'insegnamento profondo e la bellezza che sono sempre presenti. Lo sguardo di Liborio Bevilacqua nei confronti della vita non è solo "clinico" e queste sue poesie lo spiegano bene: dietro ad ogni attimo che dedichiamo all'esistenza si cela un mondo di pensieri non detti, spesso sofferti, perché le tante domande che caratterizzano l'esistenza, rimanendo spesso senza risposta, alimentano quell'incertezza e malinconica sofferenza che soggiace ad ogni animo umano.» (dalla Prefazione)

"Il paesaggio è la dilatazione del flusso della coscienza il cui il confine tra interno ed esterno è abolito. Il lessico ha un carattere di "riflessività" elegante, con momenti di "prosasticità" selettiva, garbata e musicale. Il verso libero si va spesso ripiegando in modo asciutto o si dilata con inaspettata energia e talora con accenti crudi e scarni. Le descrizioni hanno contorni indistinti di detto non detto e le pennellate sono delicate e fluide ma anche taglienti e di un energico cromatismo emotivo. Il fluire del tempo, delle ore, delle stagioni, della vita, sono motivo centrale delle riflessioni dell'autrice, ammesso che sia possibile semplificare il racconto di un'anima in una "poetica", per sua natura circoscritta e limitata. L'impressione è che il "vissuto" trascorra con l'asciutta consapevolezza di un appuntamento mancato, con la costante sensazione di essere in posizione tangenziale rispetto alla pienezza dell'esistenza, un'epifania perenne e costantemente incompiuta e l'inquieta e affannosa attesa d'istanti che si avvicinano per sfuggire con la percezione di un ruolo ai margini del nulla." (dalla prefazione di Enrico Pizzica)

Certe volte basta un invito inatteso per rievocare il passato, spesso scrigno di ricordi di periodi felici. È quello che accade ai protagonisti di questa storia che, grazie a una rimpatriata con i compagni di scuola delle medie, ritornano indietro nel tempo, chiedendosi chi erano e chi sono diventati oggi.

"Pensieri grezzi", la silloge che qui ci presenta Nadia Gobbo, nasce in seno ad una profonda necessità di comunicare e ad una voglia di lasciar andare libera l'ispirazione sulla carta stampata. L'autrice, infatti, dà vita ad una raccolta che mette a nudo il suo vero io e, senza barriere di alcun tipo, dà voce alle sue emozioni più profonde. Lo si evince facilmente scorrendo le pagine, lievi e fluide, che compongono un lavoro che, scevro da condizionamenti o catene, si affida al verso sciolto, ad un libero fluire dell'essere. È chiaro che la poesia e, in generale, la scrittura, non sia per l'autrice un incontro occasionale, ma una passione che la anima in profondità, un fuoco, un bisogno che disseta la sua anima e scalda il suo cuore.

"Io non ho paura della notte colpisce immediatamente per i suoi versi ermetici, estremamente rarefatti, che cercano di raccontare e di comunicare attraverso immagini, suggestioni ed evocazioni piuttosto che mediante complessi concetti astratti. Queste liriche sono lampi che squarciano la notte, illuminandola per un istante e mostrandocela in tutta la sua sfuggente e incomprensibile bellezza. La poetessa mette completamente a nudo la sua anima e i componimenti diventano così un termometro degli smottamenti del cuore, un percorso attraverso le proprie fragilità, le gioie, i dolori, le speranze, gli amori e i ricordi. Un viaggio negli angoli più reconditi del suo spirito. Quelli che solitamente teniamo nascosti anche a noi stessi per paura di svelarci per ciò che siamo veramente. Un viaggio che può affrontare solo chi non ha paura della notte." Dalla prefazione di Giuseppe Palladino

Questa raccolta di poesie di Giulia Chiesurin non è soltanto una dichiarazione per stabilire una comunicazione vera e intima con il lettore. Se fosse stato solo questo, sarebbe bastato che il "cuore" fosse soltanto "aperto", invece il cuore "scoperto" è indice di una situazione più fragile e meno sicura, appunto di chi si trova allo scoperto e affronta quelle che sono alcune delle difficoltà della vita. Queste difficoltà sono proprio le tematiche principali che si riscontrano in questi versi che in qualche modo potremmo definire "di formazione". Essi, infatti, sono stati composti in un periodo di tempo piuttosto lungo, quasi un decennio, dal 2010 al 2019, e riflettono, sia nella forma espressiva e stilistica sia nell'approccio alla interpretazione dei contenuti delle poesie stesse, una diversa maturazione della poetessa.

C'è una musica silenziosa che attraversa le poesie di Giulia Romano, un filo sonoro che unisce l'ascolto e la parola, la vita e la memoria. In questa silloge, l'autrice non si limita a scrivere versi: compone. Ogni testo è una partitura emotiva, in cui le parole diventano note, i silenzi respiri, e le immagini si intrecciano con la sensibilità di chi sa ascoltare anche ciò che non viene detto. Giulia Romano ha uno stile limpido, quasi spontaneo, ma dietro questa apparente semplicità si cela un controllo rigoroso del ritmo e della sonorità. Il suo è un linguaggio musicale, scandito da anafore, metafore sonore, sinestesie e antitesi che trasformano l'esperienza quotidiana in un racconto armonico dell'animo umano. Le sue poesie vivono di pause e riprese, di tensioni e sospensioni, proprio come un brano eseguito "mezzo piano", con quella delicatezza che permette alla parola di risuonare.

La poesia di Ellis Darkhel si muove su un crinale fragile e tagliente, dove l'emozione diventa immagine e l'immagine si trasforma in simbolo. La sua scrittura, incisiva e concentrata, predilige la forma dell'haiku e del verso essenziale, ma non rinuncia mai a una densità semantica che si manifesta nella capacità di dire molto con poco. Ogni testo è un frammento che cattura l'attimo, un fotogramma dell'anima in cui la parola è nuda, senza orpelli, e proprio per questo incide con più forza. La poesia, qui, è il mezzo per dare forma a ciò che spesso resta indicibile. E proprio in questa capacità di unire intimità e universalità, ferita e bellezza, sta la forza della scrittura di Ellis Darkhel: una voce che parla a tutti perché nasce da dentro, dalla parte più autentica e vulnerabile dell'essere umano.

Leggere questa silloge di Andrea Messori significa immergersi in un paesaggio emotivo intenso, fatto di luci e ombre, di fragilità e di resistenza, in cui ogni parola sembra misurata dal battito del cuore. Soli nella tempesta non è solo un insieme di poesie, ma un vero viaggio nell'interiorità, un'esplorazione delle tensioni tra solitudine e desiderio di contatto, tra dolore e speranza. Lo stile di Andrea Messori si caratterizza per un equilibrio delicato tra lirismo e immediatezza, tra immagini fortemente evocative e un linguaggio semplice, diretto, capace di parlare a chiunque senza perdere profondità. Le sue poesie alternano momenti di riflessione intensa a frammenti di vita quotidiana, creando un ritmo che spesso somiglia a un respiro: lento, sospeso, eppure costante. La poetica di Andrea Messori si nutre di contrasti: chiarore e oscurità, gioia e malinconia, presenza e assenza.

La poesia di Marcello Musìo si muove come un respiro oscillante ma necessario, scandendo i ritmi dell'esistenza con una voce intima e al tempo stesso universale. In questa silloge, l'autore si confronta con i grandi temi che abitano l'uomo - l'amore, la distanza, il desiderio, il tempo, la morte - restituendoli al lettore con uno stile che coniuga densità emotiva e chiarezza di immagini. La sua parola nasce da un'urgenza autentica, mai artificiosa, e si serve di figure retoriche che si intrecciano con naturalezza: metafore che trasformano la materia quotidiana in simbolo. Ciò che colpisce maggiormente è la capacità di Marcello Musìo di porsi in bilico tra fragilità e forza, tra confessione personale e apertura cosmica. L'"io" lirico che abita queste pagine non si limita a raccontare, ma cerca un contatto costante con il lettore, invitandolo a riconoscersi nella medesima tensione vitale. In questo senso, la poesia diventa dialogo, abbraccio, possibilità di comunione.

Leggere Canti a Buddha Dioniso di Luca Cosci significa mettersi in cammino dentro un paesaggio poetico che ha la fermezza di un rito e la febbre di un sogno: qui si alternano devozione e irruenza, meditazione e furia sensuale, immagini sacre e bestiali, un lessico che sa essere insieme asciutto e barocco. Il titolo stesso racchiude l'ossimoro programmatico dell'intera silloge: il richiamo al Buddha evoca consapevolezza, vuoto e disciplina; Dioniso richiama ebbrezza, carne e trasgressione. Luca Cosci non sceglie l'una o l'altra via, ma costruisce una strada che procede per oscillazioni - e in quel dondolio trova il suo stile più originale. Lo stile dell'autore è innanzitutto narrativo e visionario: molti testi si presentano come piccole scene drammatiche o flash cinematografici, in cui la prima persona si sdoppia, si frammenta e si moltiplica.