Arti: soggetti e temi specifici

La Madonna della Madia di Monopoli: guardarLa e sentirsi guardato non è un semplice gioco ottico, è una preghiera silenziosa che nasce per fede convinta, qui riscaldata dallo sguardo dolcissimo, appena implorante, della Theotòkos, della Madre di Dio. Per questo in un certo senso la Città di Monopoli non avrebbe bisogno di sapere di più del linguaggio della sua Icona: per la sua natura di città di mare e per un destino segnato, Monopoli da secoli vi-ve e si sviluppa confermata e confermandosi nel Patto di Bellezza che la lega alla Sacra Immagine di Maria. Ma pure si può tentare di aprire e leggere di più di questo stupendo libro iconografico (tale è sempre un’icona). Per tradizione antica è giunto dal mare, una notte di dicembre, per regalare l’immagine di una Madre che porta un messaggio di salvezza, Suo Figlio: saperne di più sarebbe un atto di conoscenza che arricchirebbe il dialogo di ognuno con le Sacre Figure. Ecco allora la ricerca di una lettura più attenta dei segni e dei simboli con cui l’Icona è stata segnata dall’arte e dalla fede orientali. Se poi la ricerca permette di intravvedere sull’Icona i segni della storia di una grande reliquia della Chiesa, la Sacra Sindone di Torino, allora la ricerca può diventare necessaria. E può diventare più incisiva l’opportunità di parlare d’ora in avanti dell’Icona della No-stra Signora della Madia, della Città di Monopoli

Cosa succede quando uno dei più noti scrittori tedeschi, di origine islamica, si immerge nel mondo dell'arte cristiana? Colmo di stupore e meraviglia, Navid Kermani si innamora dello sguardo di Maria, dialoga ed entra in conflitto con la croce, assiste a una messa ortodossa, scopre la grandezza di Francesco d'Assisi. Di fronte alle opere di Botticelli, Caravaggio o Rembrandt, si pone domande che ci riguardano da vicino, ancora cruciali per la nostra esistenza, e con un racconto squisitamente raffinato ci conduce alla scoperta di una religione fatta di sacrificio e sofferenza, amore e miracoli, un credo irrazionale; abissale, profondamente umano e divino, al quale gli stessi cristiani si interessano ormai di rado con la stessa serietà, la stessa audacia, lo stesso entusiasmo. Non è sorprendente che sia un intellettuale di cultura musulmana a farci ritrovare il cuore del cristianesimo?

"Quale dono più grande dell'amore di un gatto?" chiedeva Dickens. Forse è proprio perché l'amore di un gatto è così difficile da conquistare che queste ammalianti creature ci affascinano tanto. Si dice che i gatti si siano addomesticati da soli. Quando gli uomini da nomadi divennero stanziali, non tardarono a prendere possesso del territorio. Del resto, è proprio il contesto domestico quello in cui i gatti sono più frequentemente ritratti nell'arte: la casa è il terreno comune di umani e felini. Questi curiosi animali sono le uniche creature domestiche che vanno e vengono a loro piacimento e che conducono segretamente una seconda vita di cui non sappiamo nulla, facendo ritorno a casa solo in cerca di cibo, riparo e (se siete dei veri privilegiati) il grembo confortevole di un umano su cui accoccolarsi. Questo comportamento all'apparenza mercenario è la chiave per spiegare il rapporto tutto speciale tra gatti e umani. Laddove, infatti, la maggior parte degli animali domestici dipende interamente dagli uomini, questo non vale per i gatti, e certe persone (invariabilmente non amanti dei gatti) faticano ad accettarlo. I gatti sono animali intelligenti e, come le eroine di Jane Austen, non è facile conquistarli. Sembra che queste creature adorino tenerci appesi a un filo, e ciò non fa che aumentarne il fascino. Come sintetizza efficacemente Hazel Nicholson, "Un gatto è un rompicapo senza possibilità di soluzione". Accompagnata da una serie di proverbi e citazioni sui gatti firmate da autori del calibro di Colette, Hemingway e Dickens, questa galleria di gatti nell'arte - sdraiati al sole, accoccolati, arruffati o sornioni - raccoglie illustrazioni e dipinti firmati da artisti di tutto il mondo, tra cui Lucian Freud, Francisco Goya, Franz Marc, Paul Klee, Andy Warhol, ma anche Edouard Manet e Leonardo da Vinci. Tra un'immagine e l'altra, brevi testi raccontano aneddoti sugli autori e forniscono informazioni sul più sfuggente degli animali domestici, mostrandone tutta la bellezza, l'eleganza e l'alterigia.

Di fronte ad un'arte che spesso non sa più parlare a Dio e di Dio, per la prima volta viene proposto un Simposio fra intellettuali ed artisti, capace di rispondere a queste sensibili domande: l'arte contemporanea è ancora in grado di dare Gloria a Dio? È capace di avvicinare i fedeli in maniera adeguata al Cristianesimo? Conta o non conta la bellezza nell'arte sacra e nei riti liturgici? Che cosa comunicano di sacro le chiese moderne? Esiste ancora una pedagogia catechetica nei nuovi edifici di culto? Bambini e adulti, entrando nelle chiese odierne, trovano ambienti adeguati per il raccoglimento, la preghiera, l'elevazione dell'anima? Com'è possibile che la committenza ecclesiastica chiami ad operare architetti o artisti distanti dai concetti di bellezza e sacralità?

La Farnesina, edificata per volontà di Agostino Chigi, progettata da Baldassarre Peruzzi e affrescata da Raffaello, Sebastiano del Piombo, Sodoma e lo stesso Peruzzi, è una delle più alte espressioni del Rinascimento italiano. La volta del loggiato maggiore fu affrescata su progetto di Raffaello traendo ispirazione dalla favola di Amore e Psiche e decorata con motivi naturalistici da Giovanni da Udine per collegare gli ambienti interni con il giardino circostante. La variata disposizione e la ricchezza delle specie vegetali nelle quali il pittore seppe valersi di un linguaggio stilistico e di un cromatismo di assoluta originalità, ammonta a circa 170 entità botaniche, di cui molte rare ed esotiche. L'eccezionalità della Loggia viene celebrata nella mostra "I colori della prosperità: frutti del vecchio e del nuovo mondo", dal 20 aprile al 20 luglio 2017 alla Villa Farnesina.

"Flora. Il meraviglioso universo delle piante" è un excursus visivo dell'arte botanica che raccoglie opere realizzate con i media più diversi e svela, sotto una luce inedita, l'affascinante mondo della botanica e il ruolo delle piante nella storia e nella cultura dell'umanità. Il volume raccoglie oltre 300 capolavori provenienti da culture ed epoche storiche diverse: antichi bassorilievi in pietra, acquarelli e manoscritti medievali, fotografie, sculture e scansioni realizzate con il microscopio elettronico di ultima generazione. Accuratamente selezionate da esperti internazionali, le opere sono organizzate in una sequenza che dà vita a un confronto fra similitudini e differenze. Riproduzioni di grande qualità sono commentate da testi autorevoli e accessibili, corredati da tutte le informazioni tecniche essenziali. Il volume si completa con una cronologia storica, le biografie degli autori principali, un'introduzione alla tassonomia botanica e un glossario dei termini botanici. Flora comprende alcuni indiscussi capolavori realizzati da artisti, scienziati, illustratori botanici e fotografi, fra i quali Araki, John James Audubon, Stephanie Berni, Ferdinand Bauer, Leonardo da Vinci, Charles Darwin, Georg Dionysius Ehret, Adam Fuss, Ernst Haeckel, Nick Knight, Yayoi Kusama, Georgia O'Keeffe, Maria Sibylla Merian, Marc Quinn, Pierre-Joseph Redouté e Thomas Ruff.

La pubblicazione raccoglie gli esiti del restauro dell'icona della Madonna di Edessa, custodita nella Basilica dei Santi Bonifacio e Alessio all'Aventino, di proprietà del Fondo Edifici di Culto. L'intervento è stato direttamente curato dall'Istituto Superiore per la Conservazione e il Restauro e l'opera, come si apprende dalle pagine che seguono, fu sottoposta a un primo restauro scientifico dallo stesso Istituto nel 1952. A distanza quindi di 64 anni si ritorna sullo stesso manufatto e se ne ricostruiscono la storia, la critica e l'intervento di restauro dando vita a un dossier che sarà senz'altro utile per gli studi futuri e per conservare memoria, come l'intervento del 1952 non aveva fatto, del restauro condotto.

Le immagini che raffigurano le Madonne in attesa del parto compaiono in Toscana pochi anni dopo la soppressione violenta dell'Ordine del Tempio. Secondo l'ipotesi di questo saggio esse rappresenterebbero le confraternite templari disperse, costrette a nascondersi, e la sapienza segreta che queste custodivano. Con un'accurata indagine documentaria, l'autore porta indizi convincenti dell'esistenza a Firenze di una di queste confraternite: nascosta dietro la facciata di un nuovo ordine monastico, avrebbe avuto fra i suoi accoliti anche Boccaccio. Come nel seno delle Madonne del Parto si occulta il Verbo, in attesa del tempo per manifestarsi, così gli eredi dei templari celavano il proprio segreto, aspettando una nuova stagione di tolleranza.

Una raccolta di immagini della flora e della fauna messicane così come apparivano agli occhi dei conquistadores e dell'esploratore Francisco Hernandez, che ne fece un compendio meraviglioso che purtroppo andò perduto durante l'incendio della biblioteca dell'Escorial del 1671. Il presente volume è il riflesso di quel capolavoro sfortunato che non esiste più, ed è frutto di un'attenta ricerca mirata a riprodurre lo straordinario patrimonio di piante e fiori descritto nel codice di Hernandez e poi confluito in splendidi codici ed erbari riccamente illustrati. Oltre alle immagini il volume raccoglie cinque saggi che convergono, da angolature diverse, su un tema centrale, quello dei rapporti fra due modi di vedere e di rappresentare la Natura del Nuovo Mondo. Testi di Giorgio Antei, Lucia Tongiorgi Tomasi, Giuseppe Olmi, Alejandro de Avila, Maria Isabel Granen Porrua.

Da Van Gogh a Picasso, da David a Boccioni, da De Pisis a Clemente: Alberto Boatto ripercorre la storia dell'autoritratto dall'inizio del moderno fino al suo tramonto. Il volume, qui proposto in una nuova edizione arricchita di nuovi profili e nuove immagini, è suddiviso in due parti: nella prima l'autore risponde alla domanda "che cos'è un autoritratto?"; nella seconda presenta circa novanta autoritratti, commentandoli e interpretandoli.

Da Tiziano a Balla, da Goya a Gauguin, da Toulouse-Lautrec a Andy Warhol: i cento cani più belli, amabili, teneri, appassionati, fedeli compagni di giochi e avventure. Chi ammira lo sguardo languido o intelligente di Fido, gli scatti poderosi, la linea elegante, i buffi atteggiamenti, scoprirà in queste splendide opere di artisti di tutti i tempi e paesi che il cane non è solo il nostro migliore amico, ma anche uno dei soggetti preferiti nella storia dell'arte. E anche della letteratura. Brani di autori accompagnano infatti, con ironia o malizia, riconoscenza o amore, i cani più celebri della pittura e della grafica.