Edizioni Falsopiano

Storie e personaggi della grande stagione dal Neorealismo alla svolta degli anni Sessanta sono al centro del libro, mentre il rapporto con il cinema americano, modello privilegiato di più di una generazione, lascia intravedere in controluce l'officina segreta del cinema in fieri, dove i protagonisti si danno appuntamento all'ombra dei miti, animando l'affascinante romanzo critico del cinema italiano.

“Storie scellerate non è un film sulla vita delle borgate, ma rappresenta, in un certo senso, lo sforzo culturale compiuto da un esponente del sottoproletariato romano per risalire verso il mondo dei suoi padri e dei suoi nonni (con l’aiuto del Belli, evidentemente)”. Questo è quanto scrisse Padre Virgilio Fantuzzi, uno dei pochi saggisti a seguire con attenzione l’opera di Sergio Citti, recensendo Storie scellerate. Secondo lungometraggio del “Pittoretto della Maranella”, la pellicola a suo tempo fu erroneamente catalogata tra i decamerotici. Fu un grave equivoco, perché il film, inizialmente pensato come un Decameron numero 2 nelle mani di Citti, coadiuvato in sceneggiatura da Pier Paolo Pasolini, è diventato un personale novelliere che mescola la cultura alta (Bandello, Belli, Boccaccio), con quella bassa (letteratura orale, stornelli, proverbi e fattacci). E finanche diviene un’antologia che raccoglie i temi principali del cinema dell’autore capitolino. Con una prefazione di Paolo Micalizzi.

Questo libro ha come principale obiettivo quello di analizzare il cinema di Ken Loach, straordinario regista britannico tra i più amati e premiati cineasti europei. Con questo volume si vuole porre l’accento sulla valenza politica del suo cinema, sul rigore etico del suo lavoro artistico e sulla coerenza di tutta la sua produzione, che copre un arco di tempo di circa sessant’anni e comprende capolavori indimenticabili e film che fanno sempre riflettere, discutere, e prendere posizione. Inoltre, questo testo propone la scelta originale di mettere in dialogo due autori – uno storico del pensiero politico e uno psicologo e critico cinematografico – dal percorso professionale e umano molto diversificato, unendo sensibilità e metodologie di lavoro differenti, ma capaci di fondersi in modo equilibrato e stimolante per il lettore. Con una prefazione di Alberto Barbera.

Questo libro racconta il lungo percorso del cinema Disney-Pixar, che sin dai primi cortometraggi fino all'ultima opera Elemental, ha rivoluzionato il mondo dell'animazione e del cinema. Un percorso che da Toy Story in poi ha saputo coniugare intrattenimento e riflessioni profonde, in particolare in ambito pedagogico, declinato in maniera differente ed efficace in ogni opera. 'Fil rouge' dell'intero cammino è un ribaltamento di prospettiva cui Disney-Pixar ha chiamato ogni spettatore, dai più piccoli agli adulti: un nuovo modo di guardare il mondo, fuori e dentro di noi. Nata da un'intuizione di George Lucas, che nei primi anni Ottanta costituì una divisione dedicata alla grafica digitale all'interno di LucasFilm, Pixar realizzò nel 1995 il primo lungometraggio digitale, Toy Story. Il successo senza precedenti, con un incasso di 360 milioni di dollari, consentì alla società di proseguire la sua ascesa con la produzione di grandi capolavori come Monster & Co. (2001), Alla ricerca di Nemo (2003), Cars - Motori Ruggenti (2006), Ratatouille (2007), Monsters University (2013), Coco (2017) e il più recente Elemental (2023).

Il primo ruolo da protagonista a quindici anni (“Il palcoscenico si trovava al posto dell’altare e, dove un tempo c’era l’organo, avevano ricavato una specie di galleria”); l’Accademia d’Arte Drammatica (“Poi mi dissero soltanto: ‘Grazie, tra pochi giorni ti faremo sapere’, e uscii. Quella notte la passai in treno, non ero preoccupato, avevo la certezza che sarei entrato in Accademia”); l’incontro fondamentale con Memo Benassi (“Quante avventure ho da raccontare su quel folle genio che era”); il fortunato e fruttuoso sodalizio con Roberto Sturno (“il 1972 è un anno fondamentale per me, cominciò a fiorire allora quel dono che mi ha offerto la vita e che per me è stato più importante dell’amore e, anche, del teatro: l’amicizi”). Glauco Mauri, nato a Pesaro nel 1930, personaggio di spicco nella storia del teatro e del cinema (memorabili le sue interpretazioni per Marco Bellocchio e Dario Argento), si racconta in questo libro rivelando aspetti della sua carriera e risvolti inediti della sua lunga avventura umana. Un racconto popolato di incontri (molti) e scontri (pochissimi), in cui Mauri attraversa il dramma della guerra, l’ansia della ricostruzione dopo il conflitto mondiale, l’amore per Shakespeare, Dostoevskij, Beckett... Un’antibiografia unica nel suo genere, dove un grande attore lascia il palcoscenico all’uomo per dipingere un ritratto, a volte toccante, della storia culturale italiana dal dopoguerra a oggi: “Vorrei fosse chiaro che non mi servo della vita per parlare di me ma uso me stesso per parlare della vita. Ho più di novant’anni e ho sempre cercato di stare con le antenne della mente e del cuore ben vibranti, per tentare di comprendere qualcosa della grande avventura del vivere. A quindici anni sono salito, per la prima volta, sopra un palcoscenico, poi per settantadue ho dedicato la mia vita al teatro. Luci e ombre, successi e fallimenti e devo confessare che i secondi mi sono stati più utili”.

Dal racconto della peste del 1348 alla condizione della donna: il Decameron presenta temi e argomenti di discussione ancora oggi attuali. Proprio partendo da questo assunto, il libro delinea un percorso di lettura che attraversa alcune pagine di uno dei maggiori capolavori della letteratura mondiale. Le novelle, proposte e “tradotte” in italiano contemporaneo, diventano narrazioni della contemporaneità facilmente comprensibili a tutti. L’autrice suggerisce così alcuni spunti e approfondimenti relativi all’emancipazione femminile, un lungo cammino che ha condotto alle più recenti conquiste, passaggi fondamentali che rivelano un teorico riconoscimento, una nuova identità comunque poggiata su basi storiche e sociali ancora molto fragili, precarie e in continua evoluzione. Costanza Zavanone ha insegnato Storia e Letteratura italiana in Istituti di Istruzione secondaria superiore. Attiva da tempo in ambito civile e politico, opera anche nel volontariato culturale. Vive a Valenza, in provincia di Alessandria.

Va osservato, prima di tutto, che tra la carriera canora di Pino Donaggio e quella di compositore per il cinema interviene una cesura netta, drastica, non mediata da contributi parziali o subordinati: ossia al cantautore di successo mondiale, all'autore di canzoni da milioni di dischi come – appunto - Io che non vivo o Come sinfonia subentra il cinecompositore senza alcun preavviso, senza alcun apprendistato, apparentemente senza alcuna formazione specifica ma con una istintiva, sorprendente spontaneità e padronanza della materia. Con i suoi oltre 200 titoli realizzati nell'arco di mezzo secolo, Donaggio è il compositore cinematografico e televisivo italiano (e non solo) in attività più prolifico subito dopo Ennio Morricone, che però era di 13 anni – in carriera e in età – più anziano di lui. Il dato di per sé non andrebbe oltre la curiosità puramente statistica, se non fosse per le modalità del tutto particolari con le quali l'autore veneziano ha avuto accesso a quella complessa e iperspecialistica fase della postproduzione filmica che riguarda l'inserimento della musica, inaugurando così la terza delle sue "vite" artistiche, dopo quella classica e quella di cantante. Al netto della copiosa aneddotica fiorente sull'argomento ("visioni" lagunari del compositore su un vaporetto, immerse nella nebbia, apparizioni in sogno ecc.) la naturalezza, verrebbe da dire l'automatismo con i quali è avvenuto questo passaggio, possiede ancora oggi, a decenni di distanza dal debutto, qualcosa di sbalorditivo.

Interventi di Adriano Apra, Alberto Barbera, Alberto Boschi, Roberto Lasagna, Paolo Micalizzi, Stefania Parigi. Sono qui raccolti gli atti del convegno ferrarese svoltosi in occasione degli ottant'anni della prima proiezione del film "Ossessione" interpretato da Massimo Girotti e Clara Calamai. Era il 18 Giugno 1943, quando vedeva la luce a Ferrara il film che Luchino Visconti aveva girato dal 13 Giugno al 10 Novembre 1942, durante il periodo fascista. Come ricorda Paolo Micalizzi: Luchino Visconti era arrivato a Ferrara perché gli serviva un'ambientazione adatta per rappresentare il mondo del sottoproletariato padano, in un film ispirato liberamente al romanzo di James Cain "Il postino suona sempre due volte" che racconta di Frank, un giramondo e avventuriero americano e della travolgente passione per Cora, la moglie dell'anziano proprietario della "Taverna delle querce". Il convegno affronta la sorprendente opera prima di un regista che fu definito da Jean George Auriol nel 1948 un "pittore della realtà" capace di trasfigurare "tutto quello che tocca: attori, case, oggetti, luce, polvere, che diventano elementi simbolici del suo lirismo personale". A partire dagli anni ’60 Ossessione esce definitivamente dal dibattito critico, fortemente ideologizzato, condotto dalle riviste di settore nei due decenni precedenti, per divenire oggetto di studi più ampi e meditati, che da una parte analizzano in maniera approfondita le caratteristiche narrative e formali del film e dall'altra lo mettono in relazione con le opere successive del regista, rivelandone aspetti rimasti precedentemente inesplorati.

David Fincher, Gus Van Sant, Spike Jonze, Michel Gondry, Paul Thomas Anderson: numerosi registi sono passati dalla TV al Cinema, spesso grazie ai videoclip musicali. Ma cosa sappiamo del montaggio? Inquadrature brevi, musiche aggressive, strutture non lineari: quanto e come il rapporto con gli altri media ha influenzato la grammatica, l'estetica e i ritmi del montaggio cinematografico negli ultimi 40 anni? Il dialogo che l'arte cinematica principale ha avuto con tutto quello che di nuovo le si muoveva intorno - come i video musicali degli anni '90 - ha prodotto fusioni e ibridi difficilmente preventivabili e catalogabili. Il cinema ha dato e preso, attraverso il montaggio. Tenendo sempre presente la questione del tempo, nel cinema si può arrivare a “scolpire” – come ha scritto il regista russo Andrej Tarkovskij – oggi il montatore non deve pensare più solo in direzione orizzontale a “cosa viene dopo?” ma deve domandarsi “cosa posso montare nel fotogramma?”. Al suo discorso si aggiunge un pensiero verticale. Senza mai perdere di vista la storia, l'emozione e il tempo, come ci aveva anticipato Walter Murch, montatore e collaboratore di F. F.Coppola e George Lucas. Dalla TV commerciale anni '80 ai social contemporanei, questo libro ci accompagna in un viaggio fatto di corrispondenze e opposizioni evidenziate dall'analisi di tagli, scene, sequenze e strutture filmiche, anche attraverso il racconto dei montatori protagonisti, spesso considerati soltanto tecnici e non artisti. Senza tesi da dimostrare o confutare, il testo offre una ricognizione cronologica all'interno della tecnica e del linguaggio per riconoscere le voci di serie TV, videoclip e film che ci parlano di una professione che, di fatto, è l'ultima scrittura di una storia.

«Quel che più conta in Truffaut è la creazione di un cinema puro e aurorale, “riflesso della vita” per usare le sue stesse parole, che scaturisce però sempre da una naturale combinazione di morceaux de vie: la vita tout-court come la concepisce l’autore, la sua immagine della vita e delle passioni che la permeano, spesso la sua stessa vita, rivista al livello dell’autobiografia; e per restare a I quattrocento colpi, è curioso - ma forse non troppo - venire a sapere che la visione-scoperta del mare di Antoine Doinel nasceva da una frase della nonna di Truffaut, ascoltata da bambino, che recitava: “Ho visto il mare una volta alla Paramount”, ovvero, al cinema: dunque, con la vita così scambiata dall’adulto regista con il (suo) cinema, nel quale viene trasportata e “améliorée”, per usare il verbo con cui l’artista percepiva più acutamente il rapporto arte/vita. Ma sempre c’era in lui solo la “ricerca” del puro e semplice cinema, senza la spinta verso una più elaborata ricerca linguistica-espressiva».

Robert Mulligan diresse tra il 1957 e il 1991 ben venti film, il più famoso dei quali è "Il buio oltre la siepe" (1962). Formatosi in Tv, agli inizi della carriera riscosse modesti elogi dalla critica. "Scoperto" da "Positif", godette per un po' dei favori dei cinefili europei, ma senza che nessun libro illustrasse mai l'intero percorso dell'autore di pellicole quali "Strano incontro", "Su per la discesa", "La notte dell'agguato", "Quell'estate del '42", "Chi è l'altro?", "Il mediatore" e "L'uomo della luna". Questa monografia, la prima in Italia, cerca di colmare la lacuna, mettendo in luce la figura di un cineasta, scomparso nel 2008, capace di raccontare la realtà americana individuale, familiare e sociale con acume, delicatezza, onestà intellettuale e poco clamore. Interventi di Aurora Auteri, Umberto Berlenghini, Claudia Bertolè, Alberto Castellano, Massimo Causo, Giulio D'Amicone, Paolo Antonio D'Andrea, Mariolina Diana, Francesco Grieco, Antongiulio Mancino, Francesco Saverio Marzaduri, Mario Molinari, Orazio Paggi, Antonio Pettierre, Michele Raga, Fabio Zanello. Introduzione di Roberto Lasagna.