Giunti Editore: Dossier Gold

Svizzero di famiglia tedesca, pittore ma anche musicista, Paul Klee è uno dei protagonisti dell'astrattismo novecentesco. Frequenta tutte le avanguardie del tempo, conosce ed assimila Art Nouveau e impressionismo, è tra i fondatori di Der Blaue Reiter e si immerge nei colori e nelle atmosfere del Nordafrica, esperienze tutte che infondono vita alla sua speciale visione del colore, espressa nella teoria come nella pratica.

Emarginato in vita e celebrato dopo la morte, eccentrico autodidatta capace di travolgenti passioni e desolati periodi di sconforto. Vincent van Gogh (Groot Zundert, Olanda, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) è l'artista che conduce la pittura al di là delle sperimentazioni impressioniste, portando luce e colore a farsi espressione dell'anima.

Edward Hopper (1882-1967) è l'artista che per primo ha colto e rappresentato le atmosfere dominanti della società americana del suo tempo; con le sue ambientazioni urbane, i locali notturni, gli uffici dove la middle class vede convivere le proprie solitudini: architetture metafisiche e fredde in cui riconosciamo l'immagine stessa dell'America del primo dopoguerra.

Una vita lunga, tormentata, ma ricca di successi, Michelangelo Buonarroti (Caprese, Arezzo, 1475 - Roma, 1564) è il principale protagonista del Rinascimento italiano. Cresce alla corte raffinata di Lorenzo il Magnifico e si consacra nella monumentale, potente Roma dei papi. Pittore, architetto, scultore, è autore di opere che sono diventate altrettanti simboli dell'arte italiana: il David, gli affreschi della Sistina e la cupola di San Pietro.

La pittura di Gustav Klimt (Vienna 1862 - Neubau 1918) è tutt'uno con l'immagine della Vienna al culmine del suo periodo più fulgido, la Belle Epoque, quando tra Otto e Novecento era la capitale delle arti e del gusto, alla guida dell'Europa colta e benestante. Un periodo dorato destinato a chiudersi con la prima guerra mondiale. Klimt è il ritrattista principe di quel momento cruciale: le sue figure femminili sono ancora oggi considerate icone ineguagliate di eleganza e sensualità. Nello spirito della collana, il libro si propone come un prodotto editoriale ricco di contenuti e di immagini, con veste grafica e una confezione di pregio.

Frida Kahlo (1907-1954) è una delle icone del nostro tempo: con la sua pittura e, forse ancor più, con la sua stessa immagine, fotografica e dipinta. Il suo volto, il suo corpo, perfino le sue ferite, gli amori e le tragedie sono la carne viva della sua pittura intensa e violenta, che attinge ai colori della sua terra, il Messico. Una versione arricchita e rimodellata della monografia di “Art e Dossier” - firmata da uno dei più importanti critici d'arte italiani e dalla scrittrice messicana che meglio ha saputo raccontare la vita e l'arte di Frida Kahlo - con 60 pagine dedicate ai capolavori dell'artista, più immagini e più dettagli, una nuova grafica e un nuovo formato in versione cartonata con sovraccoperta.

Nel cinquecentenario della morte (Raffaello Sanzio, Urbino 1483 – Roma 1520), un libro che raccoglie le principali opere del pittore e architetto rinascimentale. Uno dei massimi artisti italiani, attivo nelle Marche, in Toscana e alla corte papale. Un modello di bellezza, eleganza, cultura capace di rimanere un riferimento quasi leggendario per cinque secoli. Punto di forza del libro. Nello spirito della collana, si propone come un prodotto editoriale ricco di contenuti e di immagini, con veste grafica e una confezione di pregio. Un prodotto di qualità a prezzo contenuto.

Le origini del popolo etrusco sono tutt’oggi misteriose nonostante l’enorme mole di studi. Quel che è certo è che la civiltà etrusca si viene formando nella penisola italiana a partire dal X secolo a.C. per fondersi poi nella cultura romana, con un centro storicamente consolidato in Toscana, Umbria, Alto Lazio. Gli Etruschi ebbero contatti con le principali culture del Mediterraneo, soprattutto con la Sardegna e la Grecia. Ma le manifestazioni artistiche, l’organizzazione sociale, la visione ultraterrena, le ritualità che accompagnavano la loro vita appaiono originali e ben leggibili nella gran quantità di testimonianze che ci sono giunte, dagli affreschi nelle monumentali sepolture di Tarquinia o Vulci alle suppellettili, alla scultura e all’oreficeria.

PLe origini del popolo etrusco sono tutt'oggi misteriose nonostante l'enorme mole di studi. Quel che è certo è che la civiltà etrusca si viene formando nella penisola italiana a partire dal X secolo a.C. per fondersi poi nella cultura romana, con un centro storicamente consolidato in Toscana, Umbria, Alto Lazio. Gli Etruschi ebbero contatti con le principali culture del Mediterraneo, soprattutto con la Sardegna e la Grecia. Ma le manifestazioni artistiche, l'organizzazione sociale, la visione ultraterrena, le ritualità che accompagnavano la loro vita appaiono originali e ben leggibili nella gran quantità di testimonianze che ci sono giunte, dagli affreschi nelle monumentali sepolture di Tarquinia o Vulci alle suppellettili, alla scultura e all'oreficeria.

Nel secolo d’oro dell’arte olandese la pittura di Rembrandt van Rijn (Leida 1606 – Amsterdam 1669) spicca per la sua assoluta singolarità. Rispetto ai canoni della pittura barocca – spettacolare, celebrativa – ma anche rispetto alle tendenze in voga in Olanda: perfezione ottica della rappresentazione, scene di genere, nature morte. La sua pittura è materica e vibrante, la sua capacità nell’uso drammatico del chiaroscuro altissima, i suoi soggetti spaziano dal ritratto alle scene sacre, ai miti antichi.

Pieter Bruegel il Vecchio (1526 circa - 1569) è il capostipite di una vasta famiglia di pittori, e uno dei massimi protagonisti del rinnovamento della pittura fiamminga del Cinquecento. La sua creatività si innesta sulle bizzarrie di Bosch, ma nelle sue brulicanti scene di vita contadina si respira una partecipazione nuova alla vita del suo tempo, ai problemi, alle gioie, alle follie anche di anni difficili, vissuti tra guerre, carestie e conflitti religiosi.

Una vita breve e difficile, un pugno di capolavori, la bohème parigina di inizio Novecento. Il mito e il fascino di Amedeo Modigliani (Livorno 1884 – Parigi 1920) si costruiscono attorno allo stereotipo dell’artista maledetto: Modì, appunto, quasi che nel nome stesse un destino. E invece la pittura di Modigliani – una rassegna quasi ipnotica di volti oblunghi, occhi obliqui, colli esili e lunghissimi – nasconde e rivela sapienza tecnica, cultura profonda, adesione intima e sentimentale al mondo e ai personaggi che ritrae.