Storia dell'arte: stili artistici

Ospitato da Villa Rospigliosi con la direzione artistica di ChorAsis e la curatela di Matteo Binci ho la possibilità, attraverso una mostra personale, di coagulare un lungo processo di solvenza. Decido di penetrare mediante lo sviluppo di un percorso in tre tappe. La prima, sala dell’aperitivo o dell’uccellagione, è un sistema di cattura congegnata per il “viandante”/pubblico, inspirata agli impianti di caccia per uccelli (uccellande) e rievocati dall’adiacente boschetto un tempo in uso per l’uccellagione nella Villa. Nella sala richiami seducenti di campanacci fatti suonare da dildi vibranti imboscati tra le foglie del limone, dispensatori di cibo e bevande conducono, sotto lo sforzo del carro, a un buco passaggio, un tappeto piegato, una porta verso la sala senza nome. In questa seconda sala espositiva e ricovero dei mezzi dell’azienda agricola Rospigliosi, si trova la proiezione, sul muro sgarrupato, del video documentario Un mondo senza nome. Prospiciente, a conclusione del percorso, la sala da pranzo è un impianto per la celebrazione conviviale quale atto di trasformazione per mezzo di fuoco. Delineazione di una costellazione familiare e crogiolo di nodi psicologici fusi misti a scorie.

Quelle di Gianfranco Chiavacci e di Fernando Melani sono due esperienze di vita e artistiche maturate nella stessa città, Pistoia, attraverso un’iniziazione all’arte in modo autodidattico, percorso da entrambi, ma nondimeno in una dedizione totale sancita da un incontro e da un’assidua frequentazione per circa trent’anni. Diversi per estrazione sociale e culturale, i due artisti di giorno in giorno, a partire dalla metà degli anni Cinquanta, convergono per interessi culturali, scientifici, artistici e di pura ricerca cognitiva, al fine di pervenire a una produzione di opere rispondenti a proprie ipotesi procedurali: Chiavacci, interessato all’uso del linguaggio binario matematico finalizzato al conseguimento di immagini base pittorica e non solo; Melani, interessato alla fisica quantistica, di cui assume dati attraverso assidue consultazioni di riviste e opuscoli scientifici per accertare alla luce dell’entità particellare, ovunque presente, la vera realtà della materia da elaborare in esperienze artistiche di carattere sia pittorico che plastico. La mostra pone a confronto una serie di opere dei due artisti, offrendo un repertorio emblematico di un dialogo inesauribile e originale, esemplare di una stagione dell’arte contemporanea di due outsider della conclusione del XX secolo.

Se la follia umana rappresentata dai "Disastri di Goya" è reale, infernale, quella che Max Ernst esprime nel romanzo-collage Una settimana di bontà è surreale, onirica. La sua radice può essere ricercata nella liberazione dalle censure che avviene nello stato di sogno secondo Freud, e che esplode in quest’opera di Ernst, in cui la parola è totalmente sostituita dall’immagine. Dunque, una storia narrata attraverso illustrazioni che descrivono situazioni, figure surreali, di sogno – o più spesso di incubo –, nelle quali gli abissi dell’erotismo sembrano inseparabili dalla violenza, dal delitto. Una miscela esplosiva che non può non sconvolgere, e che apre al lettore – all’osservatore – perturbanti possibilità di riflessione e di conoscenza. Ricordiamo che è in corso al Palazzo Reale di Milano una grande mostra dedicata a Max Ernst (1891-1976), uno dei massimi maestri del surrealismo.

Le immagini infestate indaga ciò che la fotografia trattiene e ciò che lascia emergere: resti materiali, segni tossici, tracce di mondi esauriti. A partire da una pratica analogica che incrocia scrittura e ricerca visiva, il libro attraversa i territori dell’immagine come rovina e come corpo. Ogni capitolo assume una forma diversa, scivola di voce in voce, di sguardo in sguardo. Non c’è un centro, né una sintesi: solo stratificazioni, spostamenti, sopravvivenze. Questo libro non offre una teoria della fotografia. È piuttosto un suo residuo, un suo effetto, un suo fantasma.