Skira: Fotografia

Dimenticate Matisse, concentratevi su Delacroix. Ascoltare Norayr Kasper parlare delle sue foto e dei suoi viaggi nel passato d'acciaio dell'Armenia, è come entrare in una natura morta, ancor prima che essa si presenti davanti a noi. Kasper potrebbe vagare, con aria da sognatore, lasciandosi trasportare da un discorso sui fiori e sui conigli, sui teschi di rocce piantate: è quella la bellezza in declino e il senso perduto, vi lascerebbe intendere, indicando verso la morta materia della vita nei suoi ultimi istanti. [...] Per utilizzare una formula di Jorge Semprun, il corpo senza vita continua sicuramente a morire, e la familiarità ossessiva di queste immagini ci conduce verso una storia che certi tra noi non potranno mai avere, e altri non potranno più ricordare. In fin dei conti, siamo feriti almeno quanto l'acciaio, gli stabilimenti o i vuoti: rovine del progresso che si ossidano e cadono in mani ignote e indiscrete. [...] Che fare? Dobbiamo rifiutarci di competere con lo slogan.

Il volume illustra tre diversi balletti che mostrano tutta la poliedricità artistica di Eleonora Abbagnato, dal 2001 prima ballerina all'Opéra di Parigi: dal grande classico Giselle al proustiano La Prisonniér ou la regarder dormir, passando per il pop-contemporaneo Polvere di Bagdad. Suggestive e inedite le immagini di Massimo Gatti sembrano tratteggiare con un pennello i contorni di un'immagine in penombra, a tratti sfocata. La sensazione di grazia e leggerezza trasmessa dalle movenze di Eleonora Abbagnato è ulteriormente esaltata dalla figurazione dell'osservatore, che immortalando l'attimo è riuscito a rapire la magia dell'eterno. Massimo Gatti ha fatto della fotografia la sua personale forma di narrazione, ed ha trovato la sua massima espressione nelle pose involontarie di un'interprete, che è riuscita a fare della propria arte uno strumento per stupire e incantare il pubblico di tutto il mondo. Scrutando le immagini che ritraggono la Abbagnato, è evidente come ogni sguardo, ogni linea, ogni passo, seppur colto nella sua involontarietà, riesce a rappresentare la perfezione che solo l'accurata eleganza della naturalezza ha la possibilità di trasmettere. Il volume è corredato dalla prefazione di Giuseppe Tornatore e da un'intervista di Valeria Crippa alla prima ballerina.

I guerrieri Samburu si salutano sempre nel segno di una memoria storica condivisa di generazione in generazione. "Hero supa?", vale a dire "Come stai eroe?". E Matteo Guzzini li ha seguiti su questa strada come un "esploratore" di sensi e suggestioni antiche e tuttora attuali, alla ricerca di riti e costumi di uno stile di vita che a vederlo qui, tra queste pagine, lascia sbalorditi. Il colore del sole, il cibo e le armi da taglio e da fuoco danno inizio a un racconto di autentico realismo che lascia poco spazio all'immaginario. "Vedere" queste fotografie è già immaginare più che viaggiare con il corpo. Ed è anche importante osservare che in un'era digitale quale è questa che stiamo attraversando, l'autore sceglie di non ritoccare in alcun modo le immagini al fine di rispettare i colori originali di questo lembo di terra e di chi lo abita. Matteo Guzzini, fotoreporter italiano da tempo residente in Kenya, ha fotografato a lungo questa antica dinastia di guerrieri d'Africa nelle sue diverse varianti antropologiche. Il libro, curato da Moreno Gentili, concept designer, presenta quattro capitoli che rivelano aspetti inediti di una cultura in via d'estinzione: Luogo, Cibo, Rito, Uomo raccontano il mito di figure che hanno fatto la storia d'Africa e che oggi lottano per conservare la libertà dai condizionamenti di una società fortemente antropizzata.

Istanbul, Parigi, Dubai, Londra: quattro città assai diverse tra loro nelle immagini di questo abilissimo quanto singolare fotografo di suggestioni urbane, garbatamente iperrealiste. Come spiega lo studioso Antonio Natali "il linguaggio d'Alfieri è radicato nella tradizione della pittura italiana. I tagli delle sue fotografie non possono prescindere dal grande cinema del Novecento; però la costruzione delle sue immagini si fonda sull'esperienze prospettiche dell'Umanesimo quattrocentesco. Riferimento - questo - che parrà tanto più palese quanto più si rifletta sulle sue scelte scenografiche. Le sue visioni urbane sempre rivelano una predilezione per le fughe spaziali: finestre che s'inseguono in serrate sequenze geometriche, dove le figure umane si muovono solitarie come nelle istantanee di Hopper. E poi - frequenti gl'imbuti prospettici; alla stregua di moderne 'tavolette' brunelleschiane..." Andrea Alfieri, appassionato da sempre all'immagine fotografica, ne ha curato professionalmente la stampa per oltre vent'anni, acquisendo una profonda esperienza nella gestione del colore e, più in generale, nella tecnica riproduttiva.

Il volume è il catalogo della mostra di Modena (Ex Ospedale Sant'Agostino, 15 dicembre 2012 - 7 aprile 2013). Realizzate prevalentemente tra la fine della seconda guerra mondiale e gli anni settanta, le opere raccolte nel volume ripercorrono un'epoca di grande fermento in cui l'America, affermatasi nel mondo come potenza economica e modello culturale, ha visto nello stesso tempo germogliare al suo interno i semi della critica e della protesta, nutriti dalle idee delle controculture, dai movimenti contro la guerra e per i diritti degli afro-americani, dalla crescente sensibilità verso l'ambiente. Ma la vera protagonista di Flags of America è la fotografia stessa, che non solo si è riconfermata quale efficace strumento per analizzare e interpretare il mondo, ma che si è in quell'epoca incessantemente auto-interrogata e rinnovata, suggerendo nuovi impulsi a importanti filoni di ricerca, dalla fotografia documentaria alle pratiche più intimiste e spirituali. Proprio per questa ragione, gli autori presentati nel volume sono stati e continuano a essere vere e proprie bandiere della fotografia internazionale: punti di riferimento per la loro generazione e maestri imprescindibili per quelle a venire.

Il volume, realizzato in collaborazione con il Consorzio di Tutela Vini di Valtellina, presenta il lavoro fotografico di Raffaella Badalotti, uno sguardo nuovo, contemporaneo e coinvolgente alla scoperta del territorio valtellinese e della sua nobile tradizione vitivinicola. Nelle sue immagini - come scrive Denis Curti, autore del testo introduttivo - la Badalotti "sceglie di descrivere la Valtellina, penetrandone i sentieri più nascosti, alle radici di questa terra, concentrandosi sull'elemento base della sua storia", il vino, appunto. Dalla vite, colta e ritratta nella sua spettacolare e mirabile vitalità, lo sguardo si allarga al paesaggio, con i suoi terrazzamenti e le emergenze architettoniche più rappresentative, per poi condurre fino nelle cantine. Da questo percorso per immagini, prosegue Curti, "il vino si scopre, così, come simbolo indiscusso del forte legame di appartenenza e di condivisione con una terra che, seppur in origine aspra e selvaggia, ha saputo restituire all'uomo identità, cultura e prosperità".

"Queste immagini raccontano un tempo femminile, ciclico, in attesa. Le immagini vibrano, emettono una frequenza, come le corde di una chitarra o la pelle di un tamburo. Non esistono accordatori di immagini perché non esistono scale e canoni, non c'è una legge dell'armonia e della composizione, eppure le immagini entrano in risonanza con la nostra vita proprio come fa una musica, come una canzone. Le foto di questo libro sono per sola voce e chitarra, da ascoltare in solitudine, perché si crei silenzio intorno. Tutti i giorni una foto. Nei giorni che portano Francesca tra le luci di un mondo in cui lei sta in disparte a guardare, ai giorni in cui la vita rallenta e ci si chiude in casa, a tentare un ordine che non può esserci mai. Questo libro di Francesca Valiani raccoglie per la prima volta il suo lavoro, dopo tanti anni di pratica costante nel catturare immagini al margine del grande flusso delle cose che accadono incessanti. È un libro poetico e intenso, un breve viaggio lungo le strade e gli incroci della vita di tutti i giorni, a raccontare quelle cose che spesso restano indietro, per distrazione, per troppa fretta, perché bisogna ripartire subito." (Lorenzo 'Jovanotti' Cherubini)

Il volume presenta una importante selezione di opere di Paolo Monti (1908-1982), uno dei maggiori fotografi italiani del XX secolo, mirando ad evidenziare un aspetto ricorrente nella sua arte, che lui stesso definì "rabbia del nero". Il nero non già come colore, ma come formatore di immagine; il nero nella sua tensione creatrice di forme; il nero che si propaga in "fosforescenti emanazioni di zone d'ombra"; il nero che rapprende nella realtà il latente e silente lavorio della storia, una storia segnata dall'impronta del tempo e puntualizzata in giochi di luce fermati con l'occhio "sopravveniente" della fotografia. Tratte dall'Archivio fotografico dell'artista (di cui è titolare la Biblioteca Europea Informazione e Cultura), le fotografie sono ordinate non per criterio cronologico o per tipologia di genere, ma in una sequenza ispirata alle riflessioni e ai pensieri vari reperibili negli scritti di Monti, qui pubblicati quasi come dei "quadri del pensiero". Completano la monografia importanti contributi critici di Enrico Rizzi, Carlo Bertelli, Cesare Colombo, Manfredo Manfroi e Luigi Zanzi volti ad indagare, con richiami biografici e approfondimenti su tematiche diverse, il pensiero di Paolo Monti.

La monografia presenta una selezione di 66 fotografie realizzate da Lidia Bagnara nel corso di molti anni, in stagioni diverse e in tanti luoghi diversi: India, Cappadocia, Cuba, Libano, Giordania, Siria. Come scrive Giovanna Calvenzi nel suo saggio, queste immagini "stampate e messe in sequenza senza alcuna didascalia, pagina dopo pagina costringono a un'immersione nella soggettività del suo raccontare, alla quale è impossibile sottrarsi. La fotografia di Lidia Bagnara è senza tempo e senza maestri. Diventa pittorica senza esserlo, diventa narrazione senza volerlo... I suoi non sono appunti di viaggio ma trascrizioni di sensazioni che raccontano di profumi, di odori, di calore, di polvere, colte con la velocità della percezione che non passa dalla razionalizzazione se non a posteriori. Nello scorrere dei frammenti emergono a volte sguardi diretti, piccole precisioni incongrue che rivelano tuttavia la profonda gamma di affetti che legano Lidia Bagnara ai luoghi che attraversa. Il suo sguardo non indugia sulle architetture o sui paesaggi, non si ferma di fronte ai gesti o alle persone, ma passa veloce, coglie le realtà più esotiche quasi con la coda dell'occhio, non a occhi chiusi, come vorrebbe, ma intuendo quasi la fugacità degli incontri, con la volontà precisa di ignorare l'esotismo dei luoghi. Ogni singola immagine è un ricordo privato, senza data e senza luogo di provenienza, e del ricordo conserva la vaghezza un po' pigra."

È noto come l'opera di Medardo Rosso (Torino 1858 - Milano 1928) sia considerata "instabile", frutto di vibrazioni spazio-temporali che ne contraddistinguono la potente ma incerta presenza. L'artista fotografava le proprie sculture, la loro installazione e posizione nello spazio, "sigillava" infine con un'ulteriore fotografia l'intera sequenza, dando così testimonianza di come la fotografia appartenesse di diritto alla sua poetica. Angelo Garoglio, facendo tesoro della ricerca e degli intenti di Rosso, ci mostra la sua visione, presentando immagini di opere del grande maestro. Tra le immagini spiccano, in particolare, gli scatti di Madame X, opera considerata dallo scultore "figlia prediletta" e capolavoro donato insieme ad altri sette a Ca' Pesaro nel 1914 in occasione della XI Biennale di Venezia.