Storia dell'arte: stili artistici

Diventare un artista è il tuo sogno nel cassetto da sempre. Sei quasi certo di avere tutti i numeri per farcela ma, al momento decisivo, la paura di metterti in gioco ti paralizza. Una vocina beffarda ti dice che non sei poi così bravo o che non hai il curriculum in regola; che sei troppo stupido o comunque nemmeno tanto originale; che non la darai a bere a nessuno e tutti si accorgeranno che sei solo un impostore. Se questi demoni ti assillano, mettiti subito all'opera: l'unico modo per scacciare il flagello del blocco creativo è sperimentare ed esporti all'agghiacciante probabilità di un fiasco. Con questa guida traboccante di consigli utili ed esercizi pratici, Jerry Saltz ti invita a entrare nei recessi più bui e minacciosi della tua psiche, a scoprire le risorse che possiedi dentro di te, nel profondo, a dare libero sfogo alla tua visione trovando il coraggio - in nome dell'arte - di spiattellarla sulla pubblica piazza. E se è vero che tutto diventa possibile quando passi dalla titubanza all'azione, allora «non preoccuparti di farlo bene, fallo e basta». Affidati al tuo gusto anche quando è fonte di imbarazzo. Fai dell'immaginazione il tuo dogma. Liberati dalla tirannia delle convenzioni e dirottale al servizio della tua poetica. Senza dimenticare mai che l'arte è sì un contenitore in cui riversare te stesso, ma è anzitutto una strategia di sopravvivenza, un'attività tanto urgente quanto mangiare o respirare.

Il titolo riprende le parole spese da Morigia per definire gli artisti attivi a Milano alla fine del Cinquecento nel Quinto Libro della sua Nobiltà di Milano. Qui l’autore fissa in modo sbrigativo pittori, scultori e architetti cittadini e si estende invece sulle botteghe dei maestri che avevano trasformato Milano nella capitale del lusso europeo, animata da ricamatori, miniatori, intagliatori di pietre dure e cristalli, orafi, argentieri, armaioli, produttori prolifici (perciò industriosi) di invenzioni (perciò speculativi) destinate agli intenditori del tempo. Le notizie artistiche raccolte nella Nobiltà di Milano e in alcune opere di poco precedenti sono state utilizzate dagli eruditi delle generazioni successive, tanto che i testi del Morigia sono diventati miniere estrattive di informazioni scavate acriticamente. Questo libro ricolloca Morigia al centro, ricostruendone la cultura religiosa, i gusti artistici e le relazioni; nella seconda parte presenta il commento e il ricontrollo delle notizie su numerosi artisti raccolte nel Quinto Libro della Nobiltà di Milano, cui fa seguire un’antologia che lo ripropone accanto ad altri testi utili a comprenderne la storia e lo sviluppo.

Le memorie di Nikolaj Punin, che si focalizzano sul 1917, anno cruciale per le sorti individuali e collettive in Russia, ripercorrono gli anni irrequieti e turbinosi delle avanguardie artistiche attraverso i vividi ritratti di alcuni dei suoi protagonisti come Chlebnikov, Majakovskij, Larionov, Malevič e Tatlin. Coinvolto in prima persona nell'organizzazione della vita artistica di Pietrogrado, Punin ricostruisce gli eventi storici e politici di cui è diretto testimone, alternando intensi flashback autobiografici e resoconti di cronaca politica, articoli di giornali e documenti ufficiali a brillanti descrizioni della vita quotidiana e riflessioni sull'estetica, l'arte e la filosofia. Dal 1914 frequenta assiduamente l'«Appartamento n. 5», dove vive il pittore Lev Bruni, conservatore dell'Accademia di Belle Arti, con il quale costruisce un profondo sodalizio. L'aria dell'«Appartamento N. 5» è letteralmente impregnata di idee rivoluzionarie. Questi fermenti innovatori, la libertà nella sperimentazione e l'affermazione del valore rivoluzionario della creazione artistica, saranno determinanti nella formazione di Punin come teorico della nuova arte. Nell'appartamento, ubicato nella sede dell'Accademia, s'incontra il fiore dell'intelligencija artistica della capitale; qui, tra appassionate dispute teoriche, si va formando l'arte delle avanguardie e si vanno delineando i nuovi fondamenti estetici che Punin avrebbe difeso con rigore nella sua parabola esistenziale e intellettuale e nella sua produzione.

Lettore insaziabile, Vincent van Gogh trascorre la sua breve vita divorando centinaia di libri, che sono per lui ricerca, fonte d'ispirazione, ma anche porti sicuri in acque tempestose. Tra le pagine che più lo catturano ci sono quelle di Dickens, Zola, dei fratelli Goncourt e di Maupassant, che legge e rilegge con furore e commozione e di cui medita ogni riga, fino a intessere un dialogo interiore costante con gli autori. Parte dell'energia e della tensione creativa che anima la sua pittura trae linfa proprio da questa irresistibile passione. D'altra parte per Vincent dipingere con le parole o con il pennello non fa differenza, poiché con la grande famiglia dei suoi prediletti condivide un preciso ideale: l'arte dev'essere per tutti, e tutti devono poterla comprendere. Esplorare la vita di Van Gogh attraverso la lente dei libri che amava è la grande intuizione di Mariella Guzzoni che, con fine animus narrativo, ci svela dettagli inediti nascosti tra le pieghe della sua arte: da Natura morta con Bibbia a Lettrice di romanzi, le tante opere che il genio olandese ha dedicato al tema dei libri e della lettura vengono così esaminate sotto una nuova luce. Nel ricorrere alle lettere di Vincent - qui presentate in una nuova traduzione - come principale strumento d'indagine, l'autrice lascia emergere lo spessore di un artista affascinato non solo da alcuni temi ricorrenti ma soprattutto dalla statura morale e intellettuale degli scrittori a lui più cari. Tradotto in cinque lingue e riccamente illustrato, questo saggio spazia dai grandi capolavori alle opere minori di Van Gogh e mostra come i libri, l'uomo e l'opera siano intrecciati in modo indissolubile, dando corpo e voce alla sua frase: «I libri la realtà e l'arte sono una cosa sola per me».

L'arte della Xilografia ha conosciuto in Italia momenti di grande splendore. Dalla metà del Cinquecento fino alla fine dell'Ottocento venne praticata come tecnica di supporto alla tipografie, per adornare i volumi a stampa. Dall'inizio del XX secolo, nuovi correnti artistiche donarono a questa specifica tecnica (lo ricordiamo: è la stampa tipografica a partire da una matrice di legno incisa) una linfa artistica di grande valore, facendola diventare una vera e propria tecnica artistica a se stante. Questo volume di Gianfranco Schialvino, artista e storico dell'arte xilografica, racconta il XX secolo attraverso l'opera di oltre 500 artisti, illustrando la loro attività e donandoci preziose informazioni sul loro percorso artistico. È un racconto che parte dai grandi Maestri di inizio Novecento (De Carolis, Nonni, Moroni, Boccolari...) e arriva fino ai contemporanei. Un volume per tutti gli amanti dell'incisione.

Le 160 tavole a colori di magnifiche opere, tutte conservate in collezioni private, di importanti artisti: Sellitto, Ribera, Battistello Caracciolo, F. Vitale, De Bellis, Stanzione, Vaccaro, F. Guarino da Solofra, Preti, ecc. nonchè di tanti pittori ancora definiti “minori”.

"Quadriennale d'arte 2020. Fuori" è un volume che, oltre a dare testimonianza degli artisti in mostra e del progetto espositivo della Quadriennale d'arte 2020, mira a tracciare nuove prospettive e metodologie di indagine sull'arte italiana contemporanea. Volume bilingue, italiano e inglese, è pensato per recepire il carattere sperimentale della mostra e del lavoro svolto negli ultimi tre anni dalla Quadriennale di Roma a sostegno dell'arte italiana, rivolgendosi ai visitatori della mostra, alla comunità di studiosi, agli studenti di arte contemporanea, agli artisti e agli esperti del settore. Il volume si comporrà di una sezione fotografica introduttiva che ripercorrerà gli eventi più emblematici degli anni Dieci del XXI secolo, e da tre macro-sezioni. La prima sarà dedicata alla mostra, a cura di Sarah Cosulich e Stefano Collicelli Cagol, i cui saggi scritti per l'occasione mirano ad approfondire le linee di ricerca sviluppate per la creazione del progetto espositivo. A seguire, ciascun artista invitato avrà a disposizione quattro pagine di immagini e di materiali relativi al proprio progetto in mostra o, più in generale, al proprio percorso artistico, insieme con un testo introduttivo del dipartimento curatoriale. La seconda sezione raccoglie sei saggi commissionati a storici dell'arte - Giorgina Bertolino, Stefano Chiodi, Liliana Ellena, Silvia Fanti con Daniele Gasparinetti, Francesco Ventrella, Riccardo Venturi - che propongono temi e nuove metodologie per leggere l'arte contemporanea italiana attuale. La terza sezione è dedicata a un approfondimento dei temi affrontati nei sei workshop di Q-Rated svoltisi nel biennio 2018-2019; affidati nelle giornate seminariali ad artisti e curatori stranieri, in questa circostanza gli stessi temi vengono analizzati da giovani critici e artisti italiani: Dafne Boggeri, Lucrezia Calabrò Visconti, Michele D'Aurizio, Vincenzo Estremo, Lorenzo Pezzani e Sofia Silva.

Il 17 ottobre 2020, dopo 158 anni, tornerà a Rimini la Madonna Diotallevi, un’opera giovanile di Raffaello che porta il nome del suo ultimo proprietario privato, il marchese Audiface Diotallevi di Rimini. L’occasione della mostra, che è stata preceduta da un approfondito studio sui contesti, sulla collezione e sulla vicenda critica del dipinto, costituirà una degna celebrazione del cinquecentenario raffaellesco anche a Rimini, una città finora esclusa dalla “geografia raffaellesca”. Per l’occasione verrà stampato un catalogo in due lingue – italiano e inglese – a cura di Giulio Zavatta con saggi dello stesso curatore, di Giovanni Rimondini, di Alessandro Giovanardi e di Alessandra Bigi Iotti, sulla figura dell’ultimo proprietario della Madonna, sulla sua collezione, e sullo stato degli studi relativo a questo importante dipinto di Raffaello. Completano il catalogo le schede di due importanti opere provenienti dalla collezione Diotallevi esposte in mostra: il polittico di Giuliano da Rimini con l’Incoronazione della Vergine e il Crocifisso Diotallevi di Giovanni da Rimini.

In un libro che intende chiarire il vero ruolo dell'arte nella vita delle persone, Kandinskij porta avanti un discorso particolarmente articolato. Fornisce spunti di riflessione interessanti riguardo la natura del rapporto che lega l'aspetto spirituale a quello più puramente artistico, soffermandosi su quelli che reputa essere i motivi fondamentali per cui l'uomo ha avvertito sin dai primordi della sua esistenza un bisogno interiore di espressione. Approcciando quello che può essere definito un vero e proprio trattato sull'arte, Kandinskij utilizza il proprio sguardo da pittore per mettere in evidenza l'aspetto spirituale di questa e sottolineare quali siano gli elementi che tutti dovremmo tenere in considerazione nel giudicare un'opera.

Il fascino della splendida Croazia non è solo nelle sue bellezze naturali ma anche nella sua storia culturale millenaria, fatta di stupende espressioni artistiche che valicano i secoli fino ai giorni nostri. Attraverso gli scritti sull’arte croata di Svjetlana Lipanović (presidente dell’Associazione Italo-croata di Roma), questo volume vuol essere un viaggio fantastico attraverso l’attività creativa di artisti contemporanei o di un passato recente che, esplorando con l’immaginazione la tradizione e l’attualità, hanno fatto la storia dell’Arte croata moderna e contemporanea. Per questa pubblicazione, dedicata principalmente agli artisti del XX e XXI secolo, l’Autrice ha scelto di evocare maestri che con grande capacità avvicinano la realtà alla poesia. Il risultato è un vero e proprio caleidoscopio della pittura e scultura croata, quella già approdata in Italia, e quella ancora da venire.

Uno dei più grandi pittori e incisori dell'arte moderna, Rembrandt; uno straordinario dipinto - l'Autoritratto come san Paolo del 1661 - che torna nel palazzo in cui era esposto nel Settecento; una vendita rocambolesca all'insaputa del principe Corsini sullo sfondo della Roma occupata dai Francesi nel 1799; e ancora la ricchissima collezione di incisioni del maestro di Leida raccolta tra Settecento e Ottocento dalla famiglia Corsini. In questo catalogo Giovanna Capitelli affronta la dispersione delle opere d'arte nella Roma di quegli anni; Alessandro Cosma racconta la storia della vendita dei quadri Corsini; Ebe Antetomaso chiarisce l'origine e l'evoluzione della raccolta di stampe di Rembrandt posseduta dalla famiglia. All'Autoritratto sono poi dedicati i saggi di Jonathan Bikker e di Alessandro Cosma.

Leonardo da Vinci è passato alla storia soprattutto per il suo lavoro di pittore e grazie in particolare alla Gioconda, l'opera d'arte forse più famosa al mondo. Ma il suo talento poliedrico lo ha indirizzato verso i più svariati interessi: non fu solo, quindi, pittore, ma anche scultore, architetto, urbanista, ingegnere, scienziato, musicista, poeta e perfino organizzatore di rappresentazioni memorabili.