Storia dell'arte: stili artistici

Esiste una sorprendente armonia di forme e proporzioni in natura: la stessa che riconosciamo nelle arti più antiche e nella loro evoluzione. "Disegnum" ci guida a esplorare i fondamenti matematici e geometrici della bellezza visiva: dalle meravigliose creazioni degli antichi Celti e degli artisti islamici, ai misteri delle decorazioni curvilinee, agli effetti ottici della prospettiva; studieremo poi il fascino ordinato della simmetria e il multiforme rigore della sezione aurea, che opera nella natura e nelle arti. In queste pagine, grazie ai disegni e alle illustrazioni, gli appassionati e i curiosi artisti, matematici, designer o semplici amanti del bello - troveranno grande soddisfazione.

«'Erotismo futurista' raccoglie gli scritti dedicati alle ricerche compiute dall'avanguardia futurista sull'Eros e sul piacere. Grazie alle provocazioni di Filippo Tommaso Marinetti e dei futuristi suoi sodali, una ventata di sensazioni tattili, olfattive e gustative estreme, nel Novecento, cancellò dal panorama letterario italiano i torbidi sentimentalismi dell'amore romantico: con la sessualità sperimentata in totale libertà dai futuristi era inequivocabilmente nato un nuovo e moderno modo d'amare. Il libro, in Teoria, propone documenti e manifesti teorici dedicati alla concezione dell'Eros futurista senza alcun pregiudizio o preclusione ideologica, rispettando i gusti libertini e libertari dei futuristi in materia di amore, sentimenti e sessualità. In Pratica, con racconti, poesie e pièce teatrali descrive gli aspetti scabrosi, piccanti e pruriginosi della vita sessuale scandagliata, vissuta o soltanto immaginata nelle opere letterarie dai futuristi. Le Cinque ricette afrodisiache vanno a completare un percorso intellettuale dove, sotto ogni angolazione, a trionfare è il piacere della carne.» (Guido Andrea Pautasso)

Il "vecchio pazzo per la pittura": la produzione di Hokusai (1760-1849) è davvero sterminata. Un numero incalcolabile di dipinti, disegni, stampe, libri illustrati: lavorava come in preda a una frenesia che lo costringeva a non abbandonare praticamente mai il pennello. È il più celebre artista del movimento Ukiyo-e. Un monumento dell'arte giapponese e un modello riconosciuto per gli impressionisti francesi e lo stesso Van Gogh. Nello spirito della collana, il libro si propone come un prodotto editoriale ricco di contenuti e di immagini, con veste grafica e una confezione di pregio.

Sono passati cento anni da quel lontano 1917, anno in cui fece la sua comparsa e destò scandalo l’orinatoio rovesciato di Marcel Duchamp. Ma in che cosa si differenzia l’arte contemporanea da quella del passato? Molti sono i punti di divergenza, come la preminenza dell’idea sulla realizzazione, l’onnipotenza dell’artista, la negazione della bellezza, l’importanza del sistema dell’arte e dunque dei personaggi che si muovono tra l’artista e il pubblico, i nuovi spazi espositivi e i criteri di allestimento. Partendo da questi presupposti si sottolinea l’impossibilità di catalogare l’arte del presente secondo i criteri usati per quella del passato e se ne rintracciano di nuovi. Sono, in questo caso, criteri emotivi. Gli artisti e i movimenti più importanti di questi cento anni sono divisi, in questo agile manuale, in dieci grossi blocchi tematici con titoli scelti per suggestioni, a cui corrisponde, in alcuni casi, anche una sostanziale affinità temporale. In questo viaggio attraverso un secolo di artisti e le loro opere, l’importante è non farsi spaventare, ma anzi, lasciarsi sedurre dalle idee, dalla varietà degli stimoli visivi, e non solo. Per capire l’arte contemporanea è sufficiente procedere con ordine, affidandoci alla storia dell’arte, sì, ma anche al puro godimento della fruizione, a sensibilità, intuito ed emozioni.

Dipingere ad acqua significa dare vita a "idee trasparenti" su di un supporto, la carta, che per sua natura costringe l'artista a continue sperimentazioni e a un certo grado di imprevedibilità nella resa finale dell'opera. Nicola Magrin, con una paletta di colori straordinariamente essenziale - blu, verde, nero, ocra -, sfrutta magistralmente le potenzialità evocative di questa tecnica ed esplora i silenzi, le luci, la natura e gli abitanti di un paesaggio alpino universale. Legato a doppio filo alla letteratura - sue le copertine di Jack London, Primo Levi, Paolo Cognetti ("Le otto montagne") per Einaudi - lascia trasparire nella sua opera anche profonde suggestioni dalla cultura orientale, sempre in equilibrio tra ispirazione e disciplina, ma anche la sua assidua frequentazione della filosofia, dei maestri dell'illustrazione, del cinema d'autore e dei libri di viaggio e avventura. La carta è legno e dunque nell'acquerello valgono gli stessi principi che permettono alla linfa di risalire il tronco di un albero: diluendo il colore, Magrin sublima tutti questi rimandi nella traccia di un racconto raffinato e assolutamente riconoscibile.

Il prototipo del "genio" rinascimentale, Leonardo da Vinci è probabilmente l'artista italiano più famoso nel mondo. Artista è comunque definizione insufficiente: è pittore e disegnatore ma anche scienziato, studioso di anatomia e di idraulica, ingegnere, inventore di macchine da guerra e di scenografie teatrali, musicista e teorico delle arti. Si forma a Firenze nella bottega del Verrocchio, lavora per i Medici, gli Sforza e per il re di Francia. Ci ha lasciato una mole enorme di codici manoscritti e capolavori assoluti della pittura di ogni tempo come la Gioconda e il Cenacolo.

Il prototipo del "genio" rinascimentale, Leonardo da Vinci è probabilmente l'artista italiano più famoso nel mondo. Artista è comunque definizione insufficiente: è pittore e disegnatore ma anche scienziato, studioso di anatomia e di idraulica, ingegnere, inventore di macchine da guerra e di scenografie teatrali, musicista e teorico delle arti. Si forma a Firenze nella bottega del Verrocchio, lavora per i Medici, gli Sforza e per il re di Francia. Ci ha lasciato una mole enorme di codici manoscritti e capolavori assoluti della pittura di ogni tempo come la Gioconda e il Cenacolo.

La pubblicazione è dedicata a Paul Klee (1879-1940), uno dei protagonisti dell'arte del XX secolo. La formazione accademica a Monaco, l'adesione al gruppo "Der blaue Reiter", l'illuminante viaggio in Tunisia, l'esperienza didattica al Bauhaus, il drammatico periodo seguito alla condanna della sua arte da parte del regime nazista, l'isolamento in Svizzera: il dossier ripercorre in un'agile sintesi la storia artistica di Paul Klee, caratterizzata da un fecondo rapporto tra elaborazione teorica e prassi pittorica.

Inventore, pittore, scultore, scienziato, architetto e ingegnere, Leonardo da Vinci (1452–1519) incarna la quintessenza del genio rinascimentale. Nessun altro artista della sua generazione ci ha lasciato un’opera così vasta, innovativa e rivoluzionaria, eppure Leonardo resta il più enigmatico di tutti. Dall’affascinante Ultima cena alla straordinaria Gioconda, scoprite tutti i dipinti di uno dei maestri dell’arte più prolifici della storia. Tratta dalla nostra fortunatissima edizione XXL, una delle più complete indagini su Leonardo attualmente esistenti, questa raccolta ripercorre la vita e le opere dell’artista attraverso 10 capitoli, e riunisce tutti i dipinti conosciuti, tra cui alcuni dei più preziosi tesori del Louvre, del Prado e della National Gallery di Londra, insieme ad altre opere meno note, ma non per questo meno sbalorditive quanto a precisione ed equilibrio formale. Questo studio approfondito include nitide riproduzioni dei dettagli delle opere, accompagnate da chiari testi esplicativi per contestualizzare l’opera di Leonardo all’interno della temperie socio-culturale e delle consuetudini pittoriche dell’epoca, nonché dalle più recenti intuizioni scientifiche e da una prefazione aggiornata dedicata a una delle più sensazionali scoperte storico-artistiche del nostro tempo: il Salvator Mundi.

Una storia di grande collezionismo americano raccontata attraverso un excursus nella pittura moderna, dall'impressionismo alle avanguardie, con cinquanta capolavori d'arte provenienti dal Philadelphia Museum of Art: dalla Classe di danza di Degas al Ritratto di Camille fìoulin di Van Gogh, dai Cerchi in un cerchio di Kandinskij al Nudo di donna di Mirò e al Simbolo agnostico di Dali, fino alle straordinarie sculture di Bràncusi, Rodin e Picasso. Il Philadelphia Museum of Art è uno dei musei d'arte pubblici più antichi degli Stati Uniti, considerato da tempo tra i più belli, la cui peculiarità sta nell'aver costituito la sua straordinaria collezione d'arte moderna grazie all'iniziativa personale di alcuni individui attenti e coraggiosi. Tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento, infatti, l'acquisizione e l'esposizione di dipinti e sculture d'avanguardia, non considerati come oggi tesori degni di appartenere a un museo pubblico, dipendeva dalla donazione di singole opere, e anche di intere raccolte, da parte di collezionisti che spesso le hanno create in stretta collaborazione con gli artisti.

Vissuto a Norimberga tra il 1471 e 1528, Albrecht Dürer va considerato protagonista assoluto del Rinascimento tedesco ed europeo all’epoca della sua più alta espressione, attorno al 1500. La sua carriera di prolifico pittore, disegnatore, e – forse soprattutto – artista grafico, segna infatti un momento di grande effervescenza in termini socio-economici, artistici, culturali ed intellettuali nella Germania meridionale, ma anche un momento di massima apertura verso l’Europa, e soprattutto l’Italia settentrionale. Una serie di raffinati confronti illustrerà dunque la fruttuosa, reciproca interazione fra l’arte di Dürer e dei suoi contemporanei tedeschi da una parte, e quella di grandi autori padani, veneti e emiliani dall’altra: Lucas Cranach, Leonardo da Vinci, Giorgione, e ancora Giovanni Bellini e Lorenzo Lotto. Magnifico nucleo della mostra e del catalogo è una rappresentativa selezione di opere di Dürer, che ne rivela, oltre al carattere fortemente innovativo, una capacità di diversificazione formale, iconografica e funzionale che non ha rivali nell’intero arco del Rinascimento europeo.