Storia dell'arte: stili artistici

Nella consapevolezza che per la tradizione cristiana le opere d’arte sono fontes theologiae e non soltanto ornamenta ecclesiae, da alcuni anni nella Facoltà teologica di Firenze si è costituito un gruppo di ricerca intenzionato a percorrere il mosso e frastagliato crinale fra l’esperienza teologica e l’esperienza artistica. Il gruppo ha deciso di focalizzare l’attenzione su un’opera concreta che, oltre all’altissimo livello estetico e all’evidente importanza storica, fosse anche teologicamente carica di significato: l’affresco di Masaccio raffigurante la Trinità con Maria, Giovanni e donatori nella basilica di Santa Maria Novella a Firenze. Nel raffigurare la Trinità, Masaccio osa rappresentare il mistero di Dio, così come il dogma fondamentale della dottrina cristiana lo aveva definito: uno e trino. Egli, guidato nella sua opera dai maestri di teologia residenti nell’attiguo convento, crea un capolavoro che nasce dentro una comunità civile cristiana e ad essa è destinato. Studiata finora esclusivamente dagli storici dell’arte, la Trinità di Masaccio diviene quindi nel volume oggetto d’indagine da parte dei teologi, nella convinzione che un intreccio tra le riflessioni degli esperti di entrambe le discipline potrà arricchire la comprensione del capolavoro e portare un contributo nuovo sia al cammino della teologia che a quello della storia dell’arte.

In occasione del cinquecentesimo anniversario della morte di Filippino Lippi viene presentata una ricca monografia sul pittore. Filippino Lippi appare come uno dei protagonisti dello scenario artistico europeo della fine del XV secolo. La qualità e la consistenza della sua opera, l'importanza delle commissioni e dei committenti, l'eminenza della collocazione delle sue opere, i contatti con gli artisti più significativi del suo tempo, la considerazione nella quale venne tenuto dai suoi contemporanei, la profonda connessione con gli sviluppi dell'arte fiorentina del suo tempo e il ruolo che la sua arte ebbe sono solo alcune delle specificità che fanno di lui uno dei 'costruttori' della Firenze del primo Rinascimento e del suo mito.

Se la filosofia è interpretazione, la verità è ancora cosa della filosofia? O non è piuttosto destinata a dileguare? Nel seguire le tracce di questo dileguarsi del vero nei percorsi sempre più accidentati e confusi del nostro tempo, arte e filosofia, immagine e pensiero, sono oggi costretti a porre in discussione i loro tradizionali "confini", e ad aprirsi ad un confronto sempre più significativo. Da simili interrogativi, e dalla condivisione di un percorso di ricerca comune che ha avuto come interlocutore il filosofo Sergio Givone, è nata un'iniziativa culturale complessa e integrata, difficile ed ambiziosa, dal titolo: "Apocalisse della verità. Incontri Filosofico-Letterari con Sergio Givone".

Attraverso un percorso rigoroso ed innovativo, sospeso tra sentimento e favola, tra l'immaginario e il meraviglioso, dove entrano prepotentemente anche la storia e il Concilio di Trento, questo film-documentario rende più agevole la comprensione del cammino artistico del Guercino, introducendo in modo discorsivo i vari temi costitutivi del suo operare artistico, le vicissitudini e gli aneddoti della sua vita, raccontati per il pubblico da due personaggi tanto diversi, ma fini conoscitori dell'artista di Cento. Il libro riporta la storia umana e artistica del Guercino nel racconto storico-critico di Vittorio Sgarbi e di Sir Denis Mahon.

L'espressione artistica femminile analizzata attraverso le voci di nove artiste. In 'Celibi' Rosalind Krauss lascia spazio alle differenti specificità delle opere, lasciando che siano esse a infrangere, per evidenza, il discorso tradizionalmente tutto al maschile della storia dell'arte. Rosalind Krauss presenta in questo libro la terza fondamentale apertura dell'arte contemporanea a fianco della rivoluzione concettuale e di quella mediale: l'espressione artistica femminile.

Il volume presenta interventi di: Lorenzo Giusti, Maria Grazia Messina; Francesca Bianchi; Carolina Brook; Caterina Zappia; David Frapiccini; Emilie Beck Saiello.

I dipinti di Theodore Manolides rispecchiano la sua passione da un lato per l'antica Grecia e i suoi miti e dall'altro per la natura. Secondo l'artista i miti contengono una ricca simbologia e permettono di comunicare con i fenomeni connessi a una realtà ipersensibile. Per quanto riguarda la natura, rappresenta per lui il rinnovarsi del tempo e il revival di forme integrate nell'esistenza umana. Nelle sue nature morte di tradizione europea dipinge vasi, statue, maschere e ricami che hanno acquistato la patina del tempo con una joie de vivre e una freschezza tutte mediterranee: fiori, foglie e frutti. Attraverso gli oggetti rappresentati, crea un dialogo vivace tra ere e culture diverse, accomunando miti e esseri umani, natura e manufatti.